di Alessandra Montesanto

E’ la prima retrospettiva all’estero dedicata ad André Butzer dal titolo che riporta il nome dello stesso artista, esposta fino al 10 settembre 2023 al Museo Thyssen-Bornemisza di Madrid, in occasione del 50mo anniversario del pittore.

L’esposizione comprende 22 opere realizzate tra il 1999 e il 2022.

La convinzione di Butzer è quella che “i dipinti siano luoghi della più grande disperazione e della più grande speranza”, soprattutto in un’epoca difficile come quella contemporanea, e quindi “più vicini alla gioia e all’aiuto di cui abbiamo tanto bisogno” (dal catalogo).

Alcune opere sono molto colorate, presentano un tratto volutamente infantile e con rimandi alle fiabe; altre sono in bianco e nero o in sfumature di grigio; tutte molto materiche, pastose: sembra quasi, a volte, che il segno esca dalla tela e vada incontro ai visitatori, coinvolgendoli nella serenità inconsapevole dei bambini o nella paura e nella violenza degli adulti.

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Classe 1973, nato a Stoccarda, André Butzer predilige la figura umana, ma spesso questa è deformata, infantilizzata,, decostruita: gli occhi grandi e vuoti ricordano alcuni personaggi di Walt Disney, altri rimandano ai ritratti degli Espressionisti e questo mostra la vasta cultura iconografica del pittore che spazia dall’Arte classica a quella moderna-contemporanea, per passare dalla Comunicazione anche postmoderna, come si evince dall’uso psichedelico delle tinte.

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Nella serie intitolata semplicemente “N” e iniziata nel 2010, l’artista si riferisce alla Nasa e si discosta dall’uso dei colori squillanti, più felici e divertenti, per raccogliersi – e far raccogliere gli spettatori – in una riflessione più drammatica sul Presente, spegnendo i quadri e segnando lo spazio più scuro e malinconico con linee chiare, bianche, nette oppure con linee e volti turbati, schiacciati, “mossi” come le emozioni più recondite e sepolte nell’animo umano. La riflessione, però, riguarda anche l’origine dell’opera d’arte: Nasa è l’acronimo dell’organizzazione americana per la navigazione spaziale e, grazie al pensiero concettuale di Butzman, diventa quel non-luogo, quel cosmo primordiale da cui nasce la creatività e la successiva riflessione artistica, con il lavoro concreto.

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La luce è importante, così come la relazione con chi osserva: bisogna entrare nel quadro, sorridere oppure preoccuparsi. Il quadro finisce per crearsi proprio grazie al rapporto con chi è davanti e si viene a creare, così, un gioco di specchi, un osmosi – che è poi il vero obiettivo di ogni opera culturale – che non può lasciare indifferenti.

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Qualche tempo fa, una domenica fredda d’inverno, volevo uscire ma non avevo nessuna idea di cosa fare e soprattutto dove andare, poi, parlando con una mia amica, decidiamo di andare a
visitare la Pinacoteca di Brera.
Io non sono particolarmente appassionata di mostre o gallerie d’arte, ma volevo fare qualcosa di diverso dal solito e stare al caldo.
Mi è capitato di andare a visitare esposizioni di pittori o di fotografi non riuscendo però a godere della bellezza
delle opere esposte perché la gente era molta e non c’era modo di soffermarsi a riflettere sul messaggio che il quadro voleva trasmettere.
Quella domenica invece, mi ritrovai in un ambiente grandissimo, tranquillo e soprattutto non affollato, un ambiente dove è possibile sedersi su comode poltrone e ammirare le opere esposte con tutta calma.
La tranquillità e il silenzio che si respiravano mi hanno permesso di poter, per la prima volta, capire
la “bellezza” che queste opere d’arte regalano.
Ho provato emozioni e sensazioni che mi hanno fatto riflettere su quanto, a volte, l’Uomo possa essere geniale nel produrre opere ricche di significati profondi pur non trascurando la tecnica e i dettagli. L’utilizzo di determinati colori e il loro accostamento ha suscitato in me la voglia di immergermi totalmente nel quadro e nel concetto che esso voleva esprimere: mi sono sentita soggetto dell’opera, quindi, e in quel momento, anch’io facevo parte del contesto in cui era stata dipinta. Da un’immagine fissa, costruivo una storia partendo dai personaggi che vedevo rappresentati arricchita dalle mie sensazioni: dall’allegria all’amarezza, all’inquietudine.
La bellezza è soggettiva, ma certamente qualcosa di bello è qualcosa che ha la capacità di trasmettere emozione, di affascinare.

In quest’epoca, dominata da conflitti economici, sociali e culturali, quando si riesce a intravedere qualcosa di bello, è come se questo momento “riabiliti” l’essere umano , dia la possibilità di pensare positivamente così da ritrovare un preciso posto nel mondo.
La bellezza è uno strumento per poter trasmettere positività nella vita quotidiana e di conseguenza anche nell’animo dell’individuo, che riesce a conservare così quella parte ottimista che oggi tende a dimenticare.
Proprio perché alla bellezza si può attribuire una funzione terapeutica, dovrebbe essere accessibile a tutti; musei, le gallerie, ecc. dovrebbero prevedere giornate gratuite per tutti.
Certo, non è sufficiente la bellezza dell’arte per dimenticare tutti i problemi e le difficoltà della vita, ma è un passo verso la positività: non solo l’arte , ma anche l’architettura, le piazze, gli spazi condivisi; una città pulita, colorata, fiorita trasmette positività , voglia di viverla, trasmette senso di appartenenza …. perché la bellezza non appaga solo l’occhio ma anche l’anima.
Come diceva Peppino Impastato:
“Se si insegnasse la bellezza alla gente, la si fornirebbe di un’arma contro la rassegnazione, la
paura e l’omertà. All’esistenza di orrendi palazzi sorti all’improvviso, con tutto il loro squallore, da
operazioni speculative, ci si abitua con pronta facilità, si mettono le tendine alle finestre, le piante
sul davanzale, e presto ci si dimentica di come erano quei luoghi prima, ed ogni cosa, per il solo
fatto che è così, pare dover essere così da sempre e per sempre. È per questo che bisognerebbe
educare la gente alla bellezza: perché in uomini e donne non si insinui più l’abitudine e la
rassegnazione ma rimangano sempre vivi la curiosità e lo stupore.”

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di Alessandra Montesanto

“In color we trust”: questo è il motto di Skim, classe ’85, toscanissimo. Inizia con il graffitismo, studia presso l’istituto d’Arte di Firenze e la scuola Internazionale Comics, ma è molto altro.

Artista eclettico, si occupa di pittura, illustrazione, fumetti, grafica e performers dal vivo: insomma tutto ciò che riguarda la comunicazione, soprattutto disegnata. E caratteristica principale dei suoi lavori è il colore: colori vivaci, forti, allegri, ma che fanno passare messaggi importanti, legati al sociale, ai valori positivi, ai sogni…Spesso, infatti, l’arte di Skim si rivela ironica, addirittura caustica. Un modo di agire artisticamente poetico, riflessivo e attraente.

Con il progetto “In color we trust” si pone l’obiettivo di colorare i grigi muri delle scuole e insegnare ai ragazzi un po’ della sua Arte. Espone in Italia e anche all’estero e la sua “base” è a Firenze, a cui deve molto per le numerose ispirazioni. Ma trae idee anche dalla strada, dato che inizia giovanissimo come writer e continua ad esplorare ciò che ci sta intorno…Ci piace un sacco!

Si può visitare la personale “In color we trust” a Capoliveri (isola d’Elba) presso la Casa dell’Arte, fino al 20 agosto 2019.

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La vostra presenza è gradita e importante…Una serata di gioia per le rifugiate e i rifugiati e per conoscerci !

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Il cielo terso, tanto verde. Silenzio. Solo il suono delle cicale.

Ci fermiamo e veniamo accolti, prima, da una bella e gentile ragazza indiana e poi da un simpatico tipo greco che ci raccontano che trascorreranno un mese in questo paradiso di Natura e colori; molti artisti provengono da ogni parte del mondo e questo vuol dire fare INTERCULTURA. Lavorano con la pittura, la pietra e le conchiglie. Un’oasi di pace e di nutrimento per lo Spirito.

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La violenza contro le donne e le bambine cattura l’attenzione dell’artista plastico Irving Torres Barroso, che ha il suo studio nella cittadina di Cienfuegos, Cuba.

La scorsa estate abbiamo avuto il piacere di entrare in questo luogo, piccolo e accogliente e di parlare con l’assistente dell’artista che ci ha descritto le opere di grande formato, dai colori forti, quasi pubblicitari, ma che evidenziano il dolore fisico (il rosso dell’amore malato e del sangue) e psicologico (l’arancio) della violenza degli uomini contro le donne. E il nero, la tinta dell’abisso, della fine e il verde, per indicare la paura.

Una pittura pastosa che colpisce prima lo sguardo e poi la mente, che squarcia le coscienze.

Espressioni e occhi grandi, spalancati verso il Male oppure verso un Futuro possibile, più sereno. Un sogno?

Il progetto di Irving Torres Barroso si intitola DREAMS.

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Il romanzo si intitola Il ragazzo di Aleppo che ha dipinto la guerra, opera prima di Sumia Sukkar, scrittrice britannica, di padre siriano e madre algerina. Edito da Il Sirente, nella collana Altri arabi.

Adam comunica con i suoi familiari e con il mondo esterno attraverso i suoi dipinti; i capitoli del libro, infatti, portano nomi di colori, ognuno dei quali rappresenta uno stato d’animo.

In un climax ascendente il protagonista accompagna il lettore all’interno di un Paese che sta per essere devastato, anche dall’indifferenza dell’Occidente, e presenta la sua famiglia composta da padre, fratello e sorella, ciascuno esponente di una scelta di vita, religiosa, combattente, rassegnata.

Adam non può esprimere bene i propri pensieri, le proprie paure, i propri sentimenti: ed è, quindi, ancora più traumatico per lui sopravvivere in una condizione di orrore quotidiano, vedere i propri cari soffrire nel corpo e nell’anima, assistere alla sparizione dell’ambiente in cui è nato e cresciuto. E poi l’orrore è indicibile per chiunque.

Persone che iniziano a cibarsi di cartone perchè la Siria è completamnte isolata; persone che vengono uccise o violentate in un crescendo di cattiveria gratuita perchè, in guerra, vige la regola dell’homo homini lupus; persone che, con la casa distrutta, senza nemmeno la salute si mettono in viaggio, a piedi, stanchi e laceri, per tentare di raggiungere un luogo un po’ più sicuro, attraversando l’inferno.

Strutturato come un film – con stacchi tra una scena e l’altra – e come una pièce teatrale – per le voci dei personaggi – il testo prende in considerazione le sofferenze del popolo, ma analizza anche il ruolo della comunità internazionale, dei mass media interni e stranieri, del gioco geopolitico che ha fatto della Siria un capro espiatorio per agevolare leadership e finanze di altri.

“La donna alla tv ha l’espressione del dolore in viso e mi fa venire volgia di dipingerla. Sta parlando della Siria, di giovani rapiti e bruciati. Li hanno torturati e gli hanno strappato le unghie. Yasmine mi dice di lsciare il salotto per non sentire queste cose, ma io non voglio…”: Yasmine è la sorella di Adam, sorella/madre/moglie, all’interno del nucleo familiare, da quando la mamma dei ragazzi è deceduta qualche tempo addietro; donna sognata, ricordata, immaginata dal ragazzino, la Donna che facilmente si può avvicinare al simbolo della Pace perduta e al desiderio di riconquistarla.

La stanza di Adam, nella grande casa, è tappezzata dai suo quadri: prima di colori accesi poi sempre più bui e infine anche dipinti col sangue; l’ufficio della Polizia è tappezzata dalle fotografie del Presidente…la politica, il regime, le istituzioni, mai a proteggere, mai presenti, mai efficaci.

Molti i riferimenti artistici e letterari: Volto di guerra di Dalì oppure George Orwell, ad esempio, perchè purtroppo i conflitti nel mondo sono ancora tanti, troppi e le riflessioni non bastano a smuovere le coscienze.

Pochi, rari momenti di sollievo quando, anche se affranti, rimane uno scampolo di Vita (“Il suono delle risate nelle mie orecchie assomiglia al miele che si scioglie”); una continua lotta tra la Morte e la Vita e, nonostante tutto, quest’ultima riesce ad avere la meglio, contro ogni nichilismo, ogni violenza, ogni sopruso. Arancione, Lavanda, Magenta, Marrone, Indaco…I colori, la potenza dell’Arte, della Bellezza, fungono da catarsi, da rifugio, da speranza. Il Futuro è negli occhi dei bambini, dei giovani che riescono ancora a colorare la realtà, a renderla meno orribile di quella che noi abbiamo voluto o lasciato che fosse.

“Guerra, significa perdere ciò che ami. Pace, è ciò che resta quando finisce la guerra”.

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Sabato 14 dicembre si è inaugurata, a Lodi, la mostra del pittore togolese Kikoko, dal titolo “Avanzamentofermo”. L’Associazione per i Diritti umani ha realizzato questo video in cui si spiega l’arte di un pittore affermato, un’arte simbolica che racchiude in sé un mondo fisico e spirituale.

Sabato 14 dicembre si è inaugurata, a Lodi, la mostra del pittore togolese Kikoko, dal titolo “Avanzamentofermo”. L’Associazione per i Diritti umani ha realizzato questo video in cui si spiega l’arte di un pittore affermato, un’arte simbolica che racchiude in sé un mondo fisico e spirituale.

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