di Alessandra Montesanto

“Luce e Forza. Arte e spiritualità nel nuovo millennio” è aperta al pubblico fino al 13 novembre al Museo d’Arte latinoamericana di Buenos Aires (MalBA); si tratta di una mostra dedicata all’omonimo sindacato dei lavoratori dell’energia elettrica che riunisce opere degli ultimi vent’anni attraverso le quali gli artisti esplorano il terreno della spiritualità contemporanea, quando l’arte è ormai da tempo indipendente dalle istituzioni religiose.

Già nel 1911, Wassily Kandinky opponeva “il canto rude del materialismo” alla “notte spirituale”: Lara Marmor , curatrice della mostra, ha scelto però di affrontarla da una prospettiva più vicina nel tempo e nello spazio a partire da una domanda ambigua e complessa che il suo testo curatoriale pone: “In che modo la sovrapposizione di credenze, pratiche e conoscenze spesso ancestrali che compongono quella cosa così sfuggente che potremmo chiamare spiritualità contemporanea ci incide e ci costituisce?” Marmor ha riunito un gruppo di artisti nati tra gli anni ’70 e la fine degli anni ’80, una generazione entrata in scena negli anni 2000, la cui infanzia “si svolge nel passaggio dalla dittatura al fervore della primavera alfonsinista. Figli della libertà, canticchiano “Part of the Religion” e ascoltano Babasónico (il cui nome deriva dall’aver mescolato, per caso, The Jetsons con il guru indù Sai Baba ). In Luz y Fuerza convivono elettricità e bioenergetica, medicina allopatica e medicine complementari o alternative, tra gli altri “sintomi di fenomeni più profondi o semplicemente parte di una costellazione che ci circonda…, il tofu guadagna terreno sulla bistecca di chorizo, e lo yoga compete con la ginnastica localizzata. Nelle liste dei best-seller , i libri di autoaiuto condividono lo spazio con le enciclopedie dei funghi e le guide astrologiche più sofisticate”, afferma la Marmor. Agli antipodi, i discorsi scientifici offrono un panorama di poche e fatali certezze.

In questo contesto, le opere in mostra si aprono alla sperimentazione, rompendo “i binomi uomo/natura, razionalità/spiritualità, mente/corpo e, basandosi sull’umorismo, sull’ironia o sulla più profonda ricerca spirituale, si rendono conto che energia e forza trasformativa sono fondamentali in questi momenti di cambiamento”, dice.

Ai piedi delle scale si eleva l’alto soffitto della prima sala interrata del museo, che funge da introduzione. Sono appese sei sculture della serie Ave Miseria (2016) che Carlos Herrera realizza con piume, fieno, vestiti e tessuti vari combinati con oggetti personali e trovati. Si tratta di pezzi che l’artista ricompone ad ogni performance, che a volte fungono da cornice per le sue performance che rivelano un problema tra fede, corpo e sessualità.

Qui si confrontano con altre e molto diverse idee sulla fede, come la serie Towards the Land I Will Show You (2018), di Ana Vogelfang , un gruppo di ritratti dipinti su paia di scarpe e abbinati alla pelle. L’artista dice che, secondo la tradizione ebraica, se qualcuno sogna che un morto viene a prendergli le scarpe, significa che la morte presto prenderà il dormiente. “Ecco perché le scarpe dei morti non dovrebbero essere usate”, dice Vogelfang e sostiene anche che questi lavori parlano di come certi oggetti abbiano un’anima o assumano una vita propria. 

Sulla parete di fondo, Belén Romero Gunset presenta i dipinti da lei realizzati “come piattaforma visiva per diffondere il Metodo S1, costruito sulla base di alcune idee provenienti da Baruch Spinoza ”. Il metodo punta a conquistare la gioia e le indicazioni sono organizzate in base alla geometria e al colore, accompagnate da emoticon che possono essere intese come simboli pagani.

Nella stessa stanza, una scatola di pelle nera lascia un lato aperto per entrare e sedersi a leggere all’interno, dove due scaffali offrono libri sulle cui copertine sono scritti i titoli famosi della filosofia francese del XX secolo, coprendo una collezione di volumi di auto-aiuto. L’opera, Heavy Mental: Apocryphal Library (remastered) (2005-2023), mescola due universi presentati come opposti: “L’heavy metal è una sottocultura marginale, ma allo stesso tempo massiccia e popolare. Anche la filosofia ha questa dualità: da un lato è pensiero elevato; d’altra parte, un filosofo è qualcuno marginale all’interno della cultura occidentale. In entrambi i casi possiamo trovare segni di identità e di appartenenza”, afferma l’artista Gastón Pérsico .

In uno spazio angusto delimitato da pareti nere, viene proiettato Diario (2010) di Nicolás Mastracchio , che incanala gli alti e bassi emotivi della sua crisi personale in un momento in cui “aveva iniziato a studiare formalmente l’astrologia”. Nel video cerca aiuto o condivide questa esperienza personale con molto umorismo e crudezza, cercando empatia nel pubblico. Poco prima di passare al resto delle sale ci si imbatte in Creatures (2023) del duo Bernardo Zabalaga e Lucía Reissig, opera che può essere portata al guinzaglio per accompagnare il tour. “Sono una via di mezzo tra un animale domestico e un oggetto di attaccamento”, definisce Marmor, “un luogo dove stare e riposare. Sculture viventi con anima, chiamata a sperimentare il senso della famiglia, della convivenza e della reciproca educazione; essere accuditi e prendersi cura di sé attraverso uno scambio che trascende le dicotomie soggetto/oggetto, sé/altro”.

La ricerca della curatrice l’ha portata a studiare il progetto della villa giapponese e come in quella tradizione ha organizzato l’esposizione come la sequenza delle stanze, il rapporto tra gli spazi interni ed esterni, il colore della parete, che è un tono neutro, “non un bianco.” stridente né un grigio.”Dopo l’introduzione o preludio, la mostra si svolge in quattro sale consecutive con alcune finestre rivolte verso l’esterno e dove le opere non sono organizzate secondo una gerarchia, ma piuttosto attorno “a una tensione tra il vuoto di una parete mentre quello sullo sfondo, c’è un altro lavoro più eterogeneo; una cadenza in cui circoli e incontri situazioni diverse.

Nella prima sala si può osservare una serie di disegni che Eduardo Navarro ha realizzato basandosi sul suono del proprio cuore mentre passeggiava per New York, (Body 2023). Riguardo a quest’opera l’artista ritiene che “ogni suono contiene un’immagine, il corpo è come un disco su cui è registrata un’informazione sonora che, anche se non la si sente, è lì, in attesa di riverberare e di liberarsi come un’eco interiore”. .” . Nel suo lavoro, Navarro è solita “investigare le modalità di comunicazione con i fenomeni naturali, esplorando il limite incerto che ci definisce come esseri umani”, riassume la curatrice.

Martín Legón presenta due spot pubblicitari originali della serie Deeply Artificial Trees (2016), in cui si osserva un intreccio tra l’industria farmaceutica e un riferimento all’arte come garanzia di benessere emotivo: l’Arte è o no una medicina, un farmaco (in senso greco) per l’anima e quindi anche per il corpo?

Bruno Dubner espone una serie di fotografie che registrano cognomi che si riferiscono all’ebraismo, esposte su targhe, vetrate e manifesti nei quartieri di Balvanera, Barrio Norte e Once a Buenos Aires. “Nel suo interesse per la qualità astratta dell’immagine, il linguaggio fotografico è attraversato da questioni di ordine spirituale”.

Al centro della stanza attigua, due gambe di manichino si aprono dall’inguine per unire le piante dei piedi, in una postura tipica delle lezioni di yoga, che dà il nome all’opera Vadaconasana (2010), di Diego Bianchi . . La parte superiore del “corpo” non è più riconosciuta come umana. L’artista “è solito gestire diverse variabili di tensione: controllo e non controllo alternativamente; l’esercizio spirituale e individuale…, la rigidità materiale del corpo del manichino e la plasticità corporea che lo yoga esige; attraversare il dolore per accedere al benessere”, afferma Marmor.

Alle pareti è appeso un ritratto di Marisa Rubio nel ruolo di Helena Líndelen , oltre a una selezione dei suoi mandala del 2012. Líndelen si è dedicata a insegnare la tecnica per realizzare questi disegni, che sono anche un supporto materiale per la meditazione. L’insegnante ha partecipato ad uno degli esercizi del metodo esposto nella Teoria del lavoro recitativo quotidiano per un performer che propone un tipo di performance davanti ad un pubblico che non ha consapevolezza di esserlo. 

In un angolo tra due pareti adiacenti della stessa stanza, Paula Castro mostra Everything is fine, ok(2018), che avrebbe potuto anche intitolarsi “Benvenuta angoscia e ansia” –dice l’artista–. Il lavoro proviene dalla serie Black Marker Color Wheel , che utilizza diversi tipi di pennarelli per creare la propria tavolozza di neri. Nonostante “l’ottimismo alla fine abbia trionfato”, commenta il curatore, “anche se questo non significa che siamo meno vicini a comprendere questa emozione, molte volte come fenomeno disciplinare o come imperativo”.

Nello spazio adiacente, è possibile ammirare un grande dipinto di Nicolás Domínguez Nacif , realizzato tra il 2007 e il 2014, che è anche un’invocazione al sole della sua provincia natale, San Juan. Le opere di Ana Won , The Brides (2022) e Pronuncia su nombre a la noche (2023), sulla parete opposta, sono realizzate in stato di trance e “mescolano, come in un vortice, diverse materialità, linguaggi e tradizioni che cercano di evocare l’ignoto”, afferma la Marmor.

Nell’ultima delle sale della sequenza, Mariana Tellería espone otto opere Untitled (2012) della serie God Believes in Me , che descrive come collane pendenti. Riguardo a loro dichiara: “Tendo a realizzare operazioni geometriche proiettate su qualsiasi cosa, è un esercizio costante, a volte intuitivo e a volte di un razionalismo cartesiano in cui mi interessano più le battute che le verità”.

L’ultima delle pareti, variegata di opere, riunisce dipinti a grafite di Roberta Di Paolo e dipinti a collage di Daniel Leber che combinano iconografia e simboli di diverse tradizioni e, su un supporto basso, una serie di sculture di Laura Códega con bottiglie di liquore bevande. Tra questi la Fontana dei desideri (2012), un oggetto rituale riempito di vino e dal quale vengono chiesti desideri con la speranza che si avverino.

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Di Alessandra Montesanto

Ad alcuni può sembrare blasfema, ma questi non saranno toccati dalla grazia e dalla profondità di un pensiero differente ma profondo tanto quanto quello tradizionale sulla Fede, nonostante l’impatto visivo sia barocco, fantasioso, teatrale. La mostra intitolata “I believe in miracles” di David LaChapelle è una festa per gli occhi e per lo spirito.

Cinquantatre anni, l’artista americano allievo di Andy Warhol che gli proporne di realizzare alcuni servizi per la mitica rivista Interview, allestisce al MUDEC (Museo dei Popoli e delle Culture di Milano) fino all’11 settembre, 90 opere fotografiche in forma di grandi e avvolgenti pannelli, site-specific, videoinstallazioni, dai colori saturi, materici e dalle figure con paesaggi che vengono a comporre set visionari, intrisi di riflessioni sull’attualità (sul clima, sulle relazioni tossiche, sui conflitti, sulla devozione al denaro e sull’allontanamento da un dio positivo, qualunque esso sia) per diventare sempre più un discorso intimo sulla fugacità umana e sul rapporto con il Sacro, rapporto iniziato da LaChapelle già negli anni ’80 (dopo la perdita di cari amici per HIV) e continuato fino al 2005 in seguito all’opportunità di visitare in solitudine la Cappella Sistina; da qui l’approccio ai temi metafisici si è intensificato in una ricerca che, oggi, vede le opere della sua produzione unire il Passato al Presente.

“Credo fermamente nei miracoli, ho avuto esperienze che possono considerarsi tali, ho pensato dunque che il titiolo in questione fosse appropriato, brutalmente onesto; per trattare argomenti simili, con tutta la vulnerabilità del caso, ci vuole un po’ di coraggio”, così afferma l’autore in un’intervista per Artribune: il Fato ci consegna alcune carte da giocare, poi dipende da ciascuno di noi come gestire la partita, insomma. Se poi si cerca la dimensione spirituale il gioco si fa ancora più interessante.

Molte tra le opere presenti in mostra rimandano alle serie più famose dell’artista, come i famosissimi scatti che hanno reso David LaChapelle un’icona vivente della cultura pop. Basti pensare alle innumerevoli collaborazioni con star internazionali del calibro di Madonna, Britney Spears, Michael Jackson, Kim Kardashian, David Hockney, Angelina Jolie, Elizabeth Taylor, Hillary Clinton, Muhammad Ali, Jeff Koons, Uma Thurman, David Bowie. 

Molte altre fotografie – che invitiamo ad osservare nei minimi particolari come in un dipinto di Bruegel perchè narrano storie complesse o riprendono passi della Bibbia e del Vaneglo sempre in modalità postcontemporanea – catapultano gli spettatori in un mondo che sovverte le regole, ma che affonda la lama nel substrato sociale e nelle coscienze, regalando molte suggestioni che ciascuno elaborerà dentro di sé.

“Ognuno ha il suo percorso, ma siamo tutti sommersi e inghiottiti dalla realtà che si sta distruggendo, dal materialismo; ci vuole una grade forza per proteggersi da tutto ciò, la natura può sicuramente aiutare, idem la solitudine; dove abito io non ci sono cellulari, sto vivendo alo stesso modo in cui sono cresciuto, da solo, per avere la possibilità di farmi domande e mantenermi sul giusto percorso, senza venire risucchiato dal mondo esterno”, continua LaChapelle nell’intervista.

Il suo lavoro potrà sembrare kitch e provocatorio, ma se riesce a far vibrare la mente e il cuore, allora funziona. Per noi l’esposizione è un gran bel regalo e vi raccomadiamo di porvi sempre tante, tante domande.

Vademecum

MUDEC Via Tortona 56, tel. 02/54917 (lun-ven 10.00-17.00) 

DATE 22/04 – 11/09/2022 

ORARI Lun 14.30 ‐19.30 | Mar, Mer, Ven, Dom 09.30 ‐ 19.30 | Gio, Sab 9.30‐22.30 

BIGLIETTI Intero € 15 | Ridotto € 13 

Il servizio di biglietteria termina un’ora prima della chiusura. 

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di Alessandra Montesanto

Ilaria Bernardi è la curatrice di una mostra che fa parte di un progetto multidisciplinare dal titolo “Progetto Genesi. Arte e diritti umani”, promosso da Associazione Genesi in collaborazione con altri enti importanti, tra cui il FAI, ENI, RAI per il Sociale.

A Varese, presso la prestigiosa cornice di villa Panza, è stata allestita – da settembre a dicembre 2021 – la prima parte di un’esposizione itinerante che vede opere di artisti contemporanei dialogare con l’attualità. Le altre città in cui il progetto si sposterà nel 2022 sono: Assisi, Matera e Agrigento, all’interno di luoghi e musei strettamente collegati alle identità dei territori interessati. Le mostre saranno soggette ad un continuo work in progress.

Al centro della riflessione vi è la condizione reale e antropologica degli ultimi, degli emarginati, delle persone e comunità discriminate, tramite la creatività degli artisti che provengono da tutto il mondo; ma “Progetto genesi” non è soltanto una mostra, è anche un’operazione più estesa che prevede incontri di approfondimento online e workshop gratuiti (in collaborazione con Università Cattolica del Sacro cuore di Milano) per sensibilizzare il più possibile le cittadine e i cittadini – tutti: giovani e meno giovani – sui temi che riguardano i diritti fondamentali, quali ad esempio: l’inclusione e la giustizia sociale, la parità di genere, la difesa del paesaggio, l’ecologia, etc.

“Progetto genesi” si inserisce nell’ambito della Convezione quadro del consiglio d’Europa sul valore del patrimonio culturale per la società, redatta a Faro il 27 ottobre 2005 e ad oggi ratificata da 19 Paesi dell’UE, tra cui l’Italia ovviamente, nella quale si legge che l’eredità culturale rientra fra i diritti umani. Si intende per “eredità culturale” l’insieme delle risorse ereditate dal passato e per “comunità patrimoniale” l’insieme di persone che attribuiscono valore a quel patrimonio. La responsabilità, quindi, è individuale e collettiva nel custodire tale patrimonio.

L’obiettivo principale di “Progetto genesi” è quello di creare una rete tra le culture, valorizzandone le differenze per giungere ad una convivenza pacifica.

Ma diamo voce ad alcune opere in mostra a Villa Panza.

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AIACE

BIGLIETTO A 12 euro

Indicando Associazione Per i Diritti umani

Teatro i

dal 22 al 25 febbraio 2019

AIACE

da Ghiannis Ritsos
traduzione di Nicola Crocetti
regia di Graziano Piazza
con Viola Graziosi
voce di Graziano Piazza
scenografia musicale di Arturo Annechino
costumi di Valentina Territo
registrazioni e mix di David Benella
assistente alla regia Ester Tatangelo
produzione Bluecinema tv s.r.l.

In ogni pozzo e dentro di noi c’è una bella donna annegata, una donna annegata che non vuol morire, e non so neppure cosa significhi. Ghiannis Ritsos – Aiace

Dal 22 al 25 febbraio in scena a Teatro i Aiace, di Ghiannis Ritsos, rilettura novecentesca della tragedia di Sofocle ad opera di uno dei più grandi poeti greci della contemporaneità.

La regia e la voce diffusa in teatro sono di Graziano Piazza, che dirige sulla scena Viola Graziosi, che torna sul palco di Teatro i dopo l’importante prova di protagonista in Penthy sur la bande e il ruolo della madre in Tu es libre.

Una donna, forse una proiezione, un miraggio? Un uomo, Aiace, evocato attraverso la voce di lei. Ripercorrono insieme la storia dell’eroe, dai fasti delle vittorie fino al grottesco tragico epilogo, nella domanda di un’assenza, nello sguardo lontano di un incomprensibile suicidio. Pian piano la donna riveste i panni dell’eroe attraverso le sue parole e le sue folli azioni, fino ad assumerne quasi le sembianze. Non più moglie e madre e amante muta e impotente, ma eroina dei nostri giorni.

L’Aiace di Ritsos, scritto tra il 1967 e il 1969, è una rilettura della tragedia di Sofocle attraverso la quale il poeta greco, considerato tra i più grandi del novecento, offre una visione lucida e cruda della sua contemporaneità umana e politica. L’eroe non c’è più. Gli dei non ci sono più.

Nel mettere in scena oggi questo testo ho voluto capovolgerne le parti per interrogare il lato femminile, sensibile dell’eroe, quella voce muta che finalmente arriva al centro della scena e prende parte alla battaglia del vivere. L’Aiace di Ritsos è un eroe per forza, umiliato dall’impotenza della “normalità”, di ciò che gli altri gli impongono di essere. Un Uomo che combatte le sue vicende quotidiane, teso verso un percorso mitico, ma a cui il destino fa compiere azioni ridicole, nello sforzo ossessivo di difendere i propri trofei, a costo della vita e che, infine, scopre la liberazione di perdere ogni cosa. Qui Aiace abita la voce della donna per rivelarle che è sufficiente un passo per raggiungere l’altra riva, dove sono i pioppi tranquilli e il fiume bianco. Lei si pone in ascolto, ricorda, parla, comprende, prende posizione. Si perdono i confini di genere e di spazio vitale, l’uomo e la donna si fondono, non è più chiaro chi abita e chi è abitato. Dalle note di regia

Questo testo parla di una donna e della sua ricerca di un mito, quello di Aiace, che non c’è più. Pian piano, rievocandone l’assenza, ne assume la grandezza spaventosa. In questo modo si accorge anche di incarnarne la profonda impotenza. Un’impotenza che riguarda la storia di Aiace e il fallimento dell’eroe. Comprende così che grandezza e impotenza non possono che coesistere. Viola Graziosi

Ghiannis Ritsos (1909-1990) è stato uno dei più grandi poeti del novecento. Candidato per nove volte al Nobel per la letteratura, la sua poesia è permeata di impegno civile e politico, quasi sempre trasposto attraverso il mito classico.

PER INFO E BIGLIETTERIA
TEATRO i
via Gaudenzio Ferrari 11, Milano
biglietti – intero: 18 euro / convenzionati: 12 euro / under 26: 11,50 euro / over 60: 9 euro
orari: gio/ven/lun 21.00 – sab 19.30 – dom 17.00
info e prenotazioni: tel. 02/8323156 – 366/3700770 – biglietteria@teatroi.org – www.teatroi.org?utm_source=rss&utm_medium=rss

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Artisti contemporanei di grande fama, quali: Etel Adnan, Haig Aivazian, Tamara Al-Samerraei, Mounira Al Solh, Mona Hatoum, Roy Dib, Walid Raad e molti altri per riflettere sul non-senso dei conflitti, sulle loro conseguenze, sui rapporti con la comunità internazionale e sulla geopolitica, sulla ripresa economica e sociale. E sempre sull’affermazione dei diritti.

“La storia della città ha prodotto un precario senso di appartenenza, di essere ‘ a casa’, determinato spesso dall’esperienza di partenze forzate e successivi ritorni. Una casa in costante rifacimento, che riflette e riverbera i suoni, i rumori, i conflitti del mondo, sia attraverso la reazione immediata agli eventi geopolitici, sia attraverso l’esperienza delle diaspore. Beirut è uno strumento musicale unico che, oscillando tra esplosioni assordanti e melodie d’amore, esprime costantemente la cacofonia del mondo…”

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Emozioni, raccoglimento, suggestioni: questo e molto altro suscitano le tre installazioni di Bill Viola, l’artista statunistense che con le sue opere visual indaga i temi universali della Vita, della Morte, della Rinascita.

Fino al 28 gennaio 2018 espone presso la Cripta del Santo Sepolcro, a Milano, per creare un dialogo tra Arte e Spiritualità, per indagare l’animo umano in un legame continuo tra Passato e Presente, per aprire la nostra coscienza alla riflessione e si conferma un grande.

Info e prenotazioni: www.criptasansepolcromilano.it/billviola?utm_source=rss&utm_medium=rss

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Geopolitica, Potere, Migrazioni, Società, Cittadinanza, Appartenenza, Politica, Economia, Mondo: questi e molti altri i temi su cui riflette Jacques Attali sul suo saggio intitolato “2050 – Breve storia del futuro”: medesimo titolo per la ricca mostra – allestita presso Palazzo Reale di Milano – che vede 46 artisti con 50 opere che reinterpretano le riflessioni del grande sociologo e dialogano con noi e il futuro del nostro pianeta.

Un’esposizione emozionante: che mette in moto l’anima e la mente. Viaggiamo in Africa e in Iran, con il web e con il Passato; colori e fotografie, tessuti e armi, plastica e oggetti mescolati, riutilizzati, riciclati…Fantasia, video, scritte. Gli spettatori entrano in mondi paralleli, tra architetture e paesaggi reali e immaginari, stordito dal brutto e dal bello che ci circonda. Chi è più sensibile e attento, si sofferma a pensare a cosa stiamo lasciando alle future generazioni, ma ad ognuno lasciamo il tempo e lo spazio per capire…Noi ci limitiamo a consigliarne la visita.

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