di Alessandra Montesanto

L’Arte declina la follia o viceversa? Ventuno artisti di fama internazionale e undici installazioni site-specific inedite: questo e altro vi attende al Chiostro del Bramante, a Roma, per la mostra intitolata CRAZY visitabile fino a marzo 2023.

Ogni spazio dell’edificio – già di per sé affascinante, straordinario esempio di architettura rinascimentale – diventa una sorpresa per gli occhi e per lo spirito, se non ci si limita ad uno sguardo superficiale dell’esplosione di luci, di colori, di disegni, di immagini, di suoni. Pazzia o follia: la follia è la massima forma di originalità e la pazzia è l’inconsapevolezza di ciò che si fa. Nel caso delle opere in esposizione si può parlare di follia che, come l’Arte, non conosce schemi o confini.

A cura di Danilo Eccher, CRAZY racconta la vita interiore attraverso la creatività esplosiva di ogni autore: i neon di Alfredo Jaar, la colata di pigmento sulla scala del chiostro di Ian Devenport, le 1500 farfalle nere di Carlos Amorales, l’immersione totalizzante di Fallen Fruit nella Sala delle Sibille, gli specchi rotti di Alfredo Pirri che accolgono lo spettatore all’inizio del percorso, frantumando le sue certezze…Si tratta di una mostra inclusiva, dove ognuno è costretto a partecipare e a riflettere su temi di attualità, sulla psicologia, sulle questioni esistenziali senza accontentarsi di risposte banali o convenzionali perchè, spesso, la Verità si cela dietro all’imprevedibile: bisogna solo avere il coraggio di affrontarlo e di guardare le cose da un lato diverso da quello che ci hanno insegnato e inculcato.

E’ un’eperienza catartica che consigliamo vivamente a chi vorrà o potrà farla: un modo per entrare in contatto profondo con se stessi e con la “follia” che accomuna tutte e tutti, più o meno consapevolmente: noi umani, così fragili e forti nella ricerca di un equilibrio, come funamboli di carta velina.

Tutto è, inoltre, accompagnato dalla musica originale di Carl Brave, producer e cantautore, che ha realizzato “Organica” seguendo il ritmo e l’alternarsi delle opere.

“Un processo di alterità, di strabismo percettivo, rende il percorso della follia così prossimo all’arte, anch’essa protesa a ricreare nuovi territori di verità, nuovi paesaggi del reale. Parafrasando Clemens Brentano, secondo cui la follia è sorella infelice della poesia, si potrebbe dunque dire che la follia è la sorella infelice dell’arte”, Danilo Eccher.

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di Alessandra Montesanto

Enigmatica la vita e l’Arte dell’artista Antonio Ligabue: nato in Svizzera, ma dato poi in adozione, muta il proprio cognome (materno, Laccabue) in Ligabue. Un’infanzia travagliata, quella dell’artista, a causa delle difficili condizioni economiche della coppia che lo aveva in affido e a causa delle malattie di cui era affetto, il gozzo e il rachitismo, condizioni che compromisero lo sviluppo fisico e psichico della persona. Dopo aver aggredito la madre adottiva, viene espulso dalla Svizzera e ospitato in Italia, a Gualtieri, dove conduce una vita da nomade, lavorando saltuariamente come bracciante o manovale. Solo nel 1928, grazie all’incontro con Renato Marino Mazzacurati che ne comprese il talento artistico, decise di dedicarsi totalmente alla pittura e alla scultura, le uniche sue possibilità di mitigare le ossessioni e la solitudine profonda.

Ripercorriamo una parte delle opere di Antonio Ligabue in una esposizione allestita presso: Villa reale di Monza: “Antonio Ligabue. L’uomo, l’artista” visitabile fino al 1 maggio 2022

La sua ansia di libertà è nelle penne del volatile, la sua rabbia (e il suo dolore) nella lotta delle fiere. Se crediamo che l’Arte sia comunicazione, l’Arte di Ligabue è proprio questo: comunica le angosce, più o meno consapevoli, di ogni essere umano tramite uno stile “zavattiniano”, popolare, che può essere ricondotto al Primitivismo in pittura, al Realismo in Letteratura e al Neorealismo in Cinematografia.

La rappresentazione della realtà è filtrata dalle necessità interiori dell’artista, la gioia improvvisa come il tormento, così come i suoi numerosi autoritratti che vogliono indagare l’anima, ma l’anima di un estraneo, di chi non si riconosce nemmeno nel proprio volto.

Sembra quasi di sentire gli odori di ciò che ritrae: dell’erba appena tagliata, della terra bagnata dalla pioggia, del sangue versato dagli animali, dei campi arati; oppure di sentirne i rumori: del fulmine che squarcia il cielo, della bestia che ruggisce, di quella che si lamenta prima di morire…Un uomo immerso, in maniera totalizzante, nella Natura che lo circonda, una sineddoche: una parte (Ligabue) per il tutto (il cosmo).

Figure, colori, movimento: è proprio l’incanto del Tutto che vuole raffigurare, quella meraviglia che lui stesso ha provato, esaltato dalla follia che accompagna i suoi giorni e il suo sguardo; quella follia che lo induce a farsi animale, nella postura e nei versi emessi dalla bocca, e ritorna il senso di una comunicazione non verbale, non necessariamente razionale, ma istintuale, priva delle sovrastrutture della cultura e della civiltà. Un “Ragazzo selvaggio”, per recuperare di nuovo un riferimento filmico, un “Candide” per citare Voltaire: questo è stato Ligabue, un folle che ha amato, più di chiunque altro, gli esseri fragili come lui e gli esseri potenti come avrebbe forse voluto essere, cogliendo con grande lucidità lo squilibrio ontologico nel vivente, tra deboli e forti, nell’eterna lotta per la sopravvivenza, e cogliendo in maniera espressiva grazie all’impasto cromatico che rende sulle tele, quanto il Potere sia il motore di ogni azione, ragionata e non.

La scultura è parte integrante della sua produzione artistica: il 16 maggio del 1941 Ligabue può uscire dall’ospedale psichiatrico in cui era stato internato e sono gli anni della seconda Guerra mondiale: i due eventi sono tra loro correlati in quanto la violenza del conflitto e quella nel manicomio riportano alla sua mente il ricordo del patrigno bavarese, spesso ubriaco che lo picchiava con la cinghia. Il ricordo viene utilizzato dall’artista in maniera eidetica, ovvero l’immagine prende vita PRIMA nella mente dell’autore dell’opera e successivamente nell’opera stessa. Ecco, così nascono i dipinti e le sculture di Ligabue: in particolare in queste ultime Ligabue dalla pittura passa a dare forma plastica ai suoi soggetti, realizzati in terracotta con dovizia di particolare e precisione maniacale (oggetti che successivamente furono fatti cuocere in fornace per fermarli nelle forme di bronzo e conferire loro eternità); le sculture sono prova ulteriore del genio artistico di un uomo profondamente malato ed emarginato che, nonostante questo, ha saputo sprigionare una grande creatività, una enorme energia grafica e manuale e una sapienza rara nello stare nel e per il mondo naturale. Un invito, quello di Ligabue, che dovremmo rifare nostro.

Per chi non lo avesse già visto, consigliamo la visione del film intitolato “ Volevo nascondermi” di Giorgio Diritti, proprio sulla figura dell’artista.

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Una promozione teatrale dedicata ai lettori di www.peridirittiumani.com:?utm_source=rss&utm_medium=rss posti in balconata a 10 euro cad.

Sono calorosamente invitati a partecipare i nostri amici giornalisti!

Uno spettacolo importante per omaggiare la grande poetessa milanese, Alda Merini: non solo, però, il dramma della sua esistenza, ma anche l’immenso talento, la sua stravaganza, il suo spirito libero…Con i tratti della commedia. Perchè la Vita è così: tragicomica.

TeatroSenzaTempo, con il Patrocinio della città Metropolitana di Milano, celebra il Decennale dalla scomparsa di Alda Merini presentando DIO ARRIVERÁ ALL’ALBA – OMAGGIO AD ALDA MERINI
Scritto e diretto da Antonio S. Nobili.

Dopo lo straordinario successo che ha registrato il tutto esaurito al Teatro Out Off e al Teatro Alle Colonne di Milano, l’emozionante spettacolo dedicato ad Alda Merini torna in scena presso lo Spazio Teatro 89, Martedì 18 Febbraio 2020 alle ore 21.

“Si ride (tanto), come non ci si aspetterebbe, si piange, e alla fine si resta estasiati davanti a tanta poesia. Uno Spettacolo unico ed imperdibile, da vedere!”

Uno Spettacolo biografico originalissimo. In scena non solo la poesia, ma soprattutto il quotidiano della “poetessa dei Navigli”. Una finestra affacciata verso l’interno. Alda Merini, la poetessa, la madre, la folle capricciosa truccatissima e ingioiellata frequentatrice del Costanzo Show.

Una vita un po’ illuminata dai riflettori, un po’ no. La poetessa vissuta tra il tentativo di abbracciare la normalità sottraendosi alla maledizione della poesia, e l’insistere eroico e fragile, con sofferenza e feroce ironia, nel dare alla luce sempre nuove e caparbie produzioni, sempre con le parole in bocca e nelle mani. Sempre pronta a provocare, come a farsi carico di sollevare anime al di là del muro del normale, del socialmente accettabile e conforme alle regole.

Una poesia che nello Spettacolo “Dio arriverà all’alba” sorge dove non ci si aspetterebbe mai, tra i mozziconi di un posacenere, tra la polvere sui mobili e le cianfrusaglie da rigattiere, sui tasti di un pianoforte di una casa popolare.

L’Alda Merini che Nobili porta sul palcoscenico è capricciosa, tagliente, divertente, prende in giro chi la va a trovare, è piena di vizi, guarda la tv color sul primo, beve solo coca cola e caffè, e fuma 40 sigarette al giorno, come minimo. Ma sa fare poesia. Perché la poesia e la bellezza di dentro possono riflettersi all’esterno, malgrado il vetro sporco dello specchio.

“Dio arriverà all’alba” rappresenta ad oggi una evocazione unica di un personaggio entrato nella Storia di questo Paese. Uno spettacolo imperdibile per la Critica ed il Pubblico.


SCRITTO E DIRETTO DA ANTONIO NOBILI

CON:
ANTONELLA PETRONE nel ruolo di ALDA MERINI

SARA MORASSUT: Anna
DANIEL DE ROSSI: Arnoldo
ALESSIO CHIODINI: Paolo
ALBERTO ALBERTINO: Dott. Gandini
SHARON ORLANDINI: La Bambina

Parte dei proventi del libro saranno devoluti in beneficenza al Progetto Itaca, che supporta le famiglie di persone affette da patologie psichiatriche.

Acquisto online biglietti: www.dioarriveraallba.com/milano?utm_source=rss&utm_medium=rss

Infoline: 3293550022

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di Alessandra Montesanto

Un esordio nella letteratura per la giornalista Ayanta Barilli, membro di una nota famiglia di artisti e persone della Cultura italiana. Ma non sono le vicende professionali quelle raccontate nel romanzo Un mare viola scuro (edito da Dea Planeta), bensì quelle personalissime di quattro generazioni di donne: la bisnonna Elvira, la nonna Angela, la madre Caterina e, in parte, la stessa Ayanta.

L’autrice vive a Madrid, ma le sue radici affondano nel territorio di Padova, Roma e Tellaro, in Liguria. Un luogo avvia la narrazione e gli eventi – specifici, dolorosi, straordinari – che hanno segnato le esistenze delle protagoniste: si tratta di Colorno, un paese della bassa parmense in cui, alla fine dell’ 800 e per i primi decenni del ‘900, era ancora attivo un manicomio. Qui viene rinchiusa Elvira, colpita dal “morbo” dell’eccentricità e dalla solitudine, come molte donne, oggi come ieri. E poi Angela, generata dalla disperazione, che cresce segnata ancora dalla morte prematura del marito e della figlia, nella turbolenza di anni difficili per la guerra, per la miseria, per la necessità che distruggono i corpi e le anime, ma che scrive un diario in cui raccoglie la storia della famiglia, filtrata dalla lente dei propri ricordi, veri o falsi che siano. Caterina, educata all’odio verso gli uomini, ammalata di ansia di approvazione e successivamente ammalata di cancro. E Ayanta…L’ultima delle figure femminili, capace di ricostruire il mosaico delle proprie antenate, come un’abile detective, facendo appello agli scritti di mani antiche, alle fotografie ingiallite, alle testimonianze fumose, alle ricerche sepolte negli archivi. In grado, infine, di svelare la parte più ardua, quella sua stessa infanzia, marchiata – ancora una volta – dalle violenze e dai sensi di colpa, sempre perpetuati da uomini aggressivi, ignoranti e prepotenti e taciute da donne sottomesse, impaurite e ricattate anche da una società retrograda e patriarcale.

Una narrazione tutta al femminile, in cui le parole sulla carta intrecciano Passato e Presente, dove i corpi parlano, prima sussurrando, poi sempre più chiaramente per far emergere quelle memorie tenute celate dal velo (im)pietoso dell’ipocrisia borghese, con il risultato di indurirsi nei cuori di chi le ha vissute.

Ma la scrittrice compie un atto di coraggio, per se stessa e per le generazioni future, in particolare per sua figlia: libera le verità,anche durissime, per capirle e elaborarle, dissolvendo, finalmente, la sofferenza nel cielo aperto di un Futuro diverso.

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di Alessandra Montesanto

Kristina annega i suoi stessi figli; Elli morde, graffia, grida; e poi Sigrid, un’infermiera che perde il fidanzato in guerra, mette alla luce una bambina e accudisce per tutta la vita altre donne, folli o semplicemente tristi.

L’isola delle anime (uscito in Italia con Neri Pozza) di Johanna Holmström è un romanzo che narra un intreccio potente e poetico di storie al femminile; donne giovani destinate ad invecchiare anzitempo su un’isola, lontane, quindi, dalle famiglie di origine, dagli amori, dalla società, così come sono lontane dalla realtà che si scolora, col tempo, in ricordi, aspettative, attese.

Nulla, per loro sarà come hanno desiderato; ogni esistenza verrà interrotta dall’internamento – in una casa di correzione prima e in un istituto di contenimento poi, in Finlandia – perché le loro emozioni, le loro sofferenze, sono state trascurate e hanno finito per debordare in stanchezza o furia cieche, incapaci di mantenere stretto e saldo il filo con il Reale, così difficile, soprattutto per l’altra metà del cielo tra la fine dell’800 e i primi decenni del ‘900. Impossibile ribellarsi, se non tramite atti estremi, spesso inconsapevoli per provare, però, sensi di colpa, rimpianti e rimorsi che non fanno altro che attanagliare, come ragnatele, le anime già compromesse delle protagoniste.

Madri, in particolare: madri anaffettive, quelle “sane”. Madri di-sperate, quelle malate. Madri sostitutive, come Sigrid. Amori in grado di nascere anche in situazioni di coercizione, per necessità di calore e di sostegno. Il mondo del femminino, con tutta la grazia e la dolcezza nonostante la rabbia e la paura, perché gli uomini rappresentano la Legge, la Guerra, l’Autorità; le donne, invece, possono togliere la Vita, ma restano in grado di restituirla, in quel ciclo eterno che accompagna i nostri giorni, i mesi, gli anni e che ricorda quanto sia importante il Perdono, per l’umanità intera.

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DELIRIO BIZZARRO

Biglietti per  i nostri lettori a 8 euro (invece di 18)

Un Centro di Salute Mentale e due personaggi: uno, in condizione di “pazzo per attribuzione”, trascorre la propria vita a interrogare le stelle, discorde con il tempo presente; l’altra, donna perfettamente integrata, ossessionata dalla carriera, ma che avverte un’insania incipiente. Né pazzi né sani, Mimmino e Sofia in un dialogo serrato – braccio di ferro tra due esperienze di vita completamente opposte – si scopriranno simili, umani, sorridenti, autoironici, sebbene parti inconsapevoli di un sofisticato meccanismo congegnato per rendere l’uomo prigioniero di sé stesso. Si incontrano in una terra di frontiera, il Centro Diurno di Salute Mentale “il Castello”, in cui il confine tra coloro che stanno dentro e coloro che stanno fuori sfuma in un indistinto resistere tra protocolli da rispettare e vite da normalizzare.

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Questo articolo è a cura di Marzia Devoto

Associazione per i Diritti Umani, presente al FDU in Triennale, ha seguito per la sezione Doc , il film documento Madness in an actor’s condition, scritto e diretto da Anush Hamzehian, giovane e recettivo regista italo iraniano (Flavio Nani per la fotografia e Andrea “Cian” Blasentig al suono).

Hamzehian, è deciso a scovare cinematograficamente parlando, tutte quelle realtà ove si annidano più o meno palesemente condizioni di emarginazione e lo fa bene, con un film sull’ Accademia della Follia.

Progetto teatrale e culturale fondato nel 1992 da Claudio Misculin e Angela Pianca all’interno dell’ex Ospedale Psichiatrico di Trieste, nell’ambito dell’esperienza basagliana.

Possiamo ricordare che nel maggio 1978 la legge 180 viene approvata, i manicomi aprono le porte a tutti quegli individui “organicamente e socialmente folli”, come amava citare appunto Franco Basaglia, cogliendone però la distinzione.

I malati di mente tornano alla vita di tutti i giorni, come nulla fosse stato, le strutture ambulatoriali sono carenti ma soprattutto manca la cultura di una reale integrazione sociale.

Dare un senso a tutto questo è la ragione per cui una moltitudine di artisti, uomini di pensiero e cultura, organizzano attività laboratoriali allo scopo di ridurre le distanze con l’altro.

L’Accademia della Follia nasce così, è attività di formazione teatrale che si avvale di attori a rischio, persone affette da problemi psichiatrici, il cui metodo di lavoro affonda le sue radici nella reale diversità o incapacità di vivere la “normalità della vita”. 

Il film narra l’ultimo mese di prove che precede una prima nazionale dell’Accademia della Follia al Teatro Rossetti di Trieste, il Teatro più importante della città, luogo della cultura alta…

La compagnia teatrale di fama mondiale composta da Claudio Misculin, Dario Kuzma, Giuseppe Feminiano, Donatella Di Gilio, Gabriele Palmano, Ana Dalbello, Giuseppe Denti, David Murcia Gonzalez, si prepara a presentare lo spettacolo comico “Obelix e Asterix”

Insieme lavorano seguendo un metodo sperimentato,

allenandosi ognuno secondo le proprie attitudini ed espressioni e in linea con la propria condizione psichiatrica.

Il testo muove gli animi di ognuno, è motivo di esistenza, sono amici e professionisti abituati ormai da anni a conoscersi e a relazionarsi; l’obiettivo comune è fare teatro, il denominatore invece, nonché fattore di rischio, è la follia!

Il risultato è ironico, leggero e profondo allo stesso tempo, ed è proprio la follia a definire i personaggi, a sottolinearne il carattere e la psicologia.

L’Accademia dimostra e mostra di essere mezzo di espressione artistica ma anche di reale contenimento – non Cura – capace di mettere in moto una dinamica speciale tale per cui il patrimonio di ognuno degli attori presenti è fortemente messo in evidenza fino a divenire la nota bizzarra e unica.

Non esistono mezze misure in Accademia, azioni e pensieri sono chiare nella loro follia o logica…la dimestichezza con cui sono attori e persone allo stesso tempo è a dir poco sconvolgente.

Dario per esempio, perfettamente in linea con Obelix, s’interroga, nella sua schizofrenia, sulla qualità dei precetti religiosi che lo hanno indotto, per lungo tempo in età adolescenziale, a temere di divenire…cieco o sordo (!), fino a rispondersi che sono la frenesia e la rumorosità del mondo ad averlo reso tale! Osservazione eco-sostenibile diremmo noi…

Ci sono tanti dubbi, tutti i pensieri fattibili per le circostanze della malattia mentale ma quello che viene sempre a mancare ( per fortuna!) è il pregiudizio.

Il gruppo uomini-attori è in grado di vivere in equilibrio tanto tra il senso pieno della vita, quanto in quello indefinito della morte.

L’obiettivo dell’autore è molto semplice ma estremamente efficace: acquisire conoscenza, arricchire la nostra visione del mondo e della nostra capacità di adattamento, allentando i pregiudizi, cercando di starci dentro al meglio, stupendoci…con una buona dose di follia!

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