di Alessandra Montesanto

“Luce e Forza. Arte e spiritualità nel nuovo millennio” è aperta al pubblico fino al 13 novembre al Museo d’Arte latinoamericana di Buenos Aires (MalBA); si tratta di una mostra dedicata all’omonimo sindacato dei lavoratori dell’energia elettrica che riunisce opere degli ultimi vent’anni attraverso le quali gli artisti esplorano il terreno della spiritualità contemporanea, quando l’arte è ormai da tempo indipendente dalle istituzioni religiose.

Già nel 1911, Wassily Kandinky opponeva “il canto rude del materialismo” alla “notte spirituale”: Lara Marmor , curatrice della mostra, ha scelto però di affrontarla da una prospettiva più vicina nel tempo e nello spazio a partire da una domanda ambigua e complessa che il suo testo curatoriale pone: “In che modo la sovrapposizione di credenze, pratiche e conoscenze spesso ancestrali che compongono quella cosa così sfuggente che potremmo chiamare spiritualità contemporanea ci incide e ci costituisce?” Marmor ha riunito un gruppo di artisti nati tra gli anni ’70 e la fine degli anni ’80, una generazione entrata in scena negli anni 2000, la cui infanzia “si svolge nel passaggio dalla dittatura al fervore della primavera alfonsinista. Figli della libertà, canticchiano “Part of the Religion” e ascoltano Babasónico (il cui nome deriva dall’aver mescolato, per caso, The Jetsons con il guru indù Sai Baba ). In Luz y Fuerza convivono elettricità e bioenergetica, medicina allopatica e medicine complementari o alternative, tra gli altri “sintomi di fenomeni più profondi o semplicemente parte di una costellazione che ci circonda…, il tofu guadagna terreno sulla bistecca di chorizo, e lo yoga compete con la ginnastica localizzata. Nelle liste dei best-seller , i libri di autoaiuto condividono lo spazio con le enciclopedie dei funghi e le guide astrologiche più sofisticate”, afferma la Marmor. Agli antipodi, i discorsi scientifici offrono un panorama di poche e fatali certezze.

In questo contesto, le opere in mostra si aprono alla sperimentazione, rompendo “i binomi uomo/natura, razionalità/spiritualità, mente/corpo e, basandosi sull’umorismo, sull’ironia o sulla più profonda ricerca spirituale, si rendono conto che energia e forza trasformativa sono fondamentali in questi momenti di cambiamento”, dice.

Ai piedi delle scale si eleva l’alto soffitto della prima sala interrata del museo, che funge da introduzione. Sono appese sei sculture della serie Ave Miseria (2016) che Carlos Herrera realizza con piume, fieno, vestiti e tessuti vari combinati con oggetti personali e trovati. Si tratta di pezzi che l’artista ricompone ad ogni performance, che a volte fungono da cornice per le sue performance che rivelano un problema tra fede, corpo e sessualità.

Qui si confrontano con altre e molto diverse idee sulla fede, come la serie Towards the Land I Will Show You (2018), di Ana Vogelfang , un gruppo di ritratti dipinti su paia di scarpe e abbinati alla pelle. L’artista dice che, secondo la tradizione ebraica, se qualcuno sogna che un morto viene a prendergli le scarpe, significa che la morte presto prenderà il dormiente. “Ecco perché le scarpe dei morti non dovrebbero essere usate”, dice Vogelfang e sostiene anche che questi lavori parlano di come certi oggetti abbiano un’anima o assumano una vita propria. 

Sulla parete di fondo, Belén Romero Gunset presenta i dipinti da lei realizzati “come piattaforma visiva per diffondere il Metodo S1, costruito sulla base di alcune idee provenienti da Baruch Spinoza ”. Il metodo punta a conquistare la gioia e le indicazioni sono organizzate in base alla geometria e al colore, accompagnate da emoticon che possono essere intese come simboli pagani.

Nella stessa stanza, una scatola di pelle nera lascia un lato aperto per entrare e sedersi a leggere all’interno, dove due scaffali offrono libri sulle cui copertine sono scritti i titoli famosi della filosofia francese del XX secolo, coprendo una collezione di volumi di auto-aiuto. L’opera, Heavy Mental: Apocryphal Library (remastered) (2005-2023), mescola due universi presentati come opposti: “L’heavy metal è una sottocultura marginale, ma allo stesso tempo massiccia e popolare. Anche la filosofia ha questa dualità: da un lato è pensiero elevato; d’altra parte, un filosofo è qualcuno marginale all’interno della cultura occidentale. In entrambi i casi possiamo trovare segni di identità e di appartenenza”, afferma l’artista Gastón Pérsico .

In uno spazio angusto delimitato da pareti nere, viene proiettato Diario (2010) di Nicolás Mastracchio , che incanala gli alti e bassi emotivi della sua crisi personale in un momento in cui “aveva iniziato a studiare formalmente l’astrologia”. Nel video cerca aiuto o condivide questa esperienza personale con molto umorismo e crudezza, cercando empatia nel pubblico. Poco prima di passare al resto delle sale ci si imbatte in Creatures (2023) del duo Bernardo Zabalaga e Lucía Reissig, opera che può essere portata al guinzaglio per accompagnare il tour. “Sono una via di mezzo tra un animale domestico e un oggetto di attaccamento”, definisce Marmor, “un luogo dove stare e riposare. Sculture viventi con anima, chiamata a sperimentare il senso della famiglia, della convivenza e della reciproca educazione; essere accuditi e prendersi cura di sé attraverso uno scambio che trascende le dicotomie soggetto/oggetto, sé/altro”.

La ricerca della curatrice l’ha portata a studiare il progetto della villa giapponese e come in quella tradizione ha organizzato l’esposizione come la sequenza delle stanze, il rapporto tra gli spazi interni ed esterni, il colore della parete, che è un tono neutro, “non un bianco.” stridente né un grigio.”Dopo l’introduzione o preludio, la mostra si svolge in quattro sale consecutive con alcune finestre rivolte verso l’esterno e dove le opere non sono organizzate secondo una gerarchia, ma piuttosto attorno “a una tensione tra il vuoto di una parete mentre quello sullo sfondo, c’è un altro lavoro più eterogeneo; una cadenza in cui circoli e incontri situazioni diverse.

Nella prima sala si può osservare una serie di disegni che Eduardo Navarro ha realizzato basandosi sul suono del proprio cuore mentre passeggiava per New York, (Body 2023). Riguardo a quest’opera l’artista ritiene che “ogni suono contiene un’immagine, il corpo è come un disco su cui è registrata un’informazione sonora che, anche se non la si sente, è lì, in attesa di riverberare e di liberarsi come un’eco interiore”. .” . Nel suo lavoro, Navarro è solita “investigare le modalità di comunicazione con i fenomeni naturali, esplorando il limite incerto che ci definisce come esseri umani”, riassume la curatrice.

Martín Legón presenta due spot pubblicitari originali della serie Deeply Artificial Trees (2016), in cui si osserva un intreccio tra l’industria farmaceutica e un riferimento all’arte come garanzia di benessere emotivo: l’Arte è o no una medicina, un farmaco (in senso greco) per l’anima e quindi anche per il corpo?

Bruno Dubner espone una serie di fotografie che registrano cognomi che si riferiscono all’ebraismo, esposte su targhe, vetrate e manifesti nei quartieri di Balvanera, Barrio Norte e Once a Buenos Aires. “Nel suo interesse per la qualità astratta dell’immagine, il linguaggio fotografico è attraversato da questioni di ordine spirituale”.

Al centro della stanza attigua, due gambe di manichino si aprono dall’inguine per unire le piante dei piedi, in una postura tipica delle lezioni di yoga, che dà il nome all’opera Vadaconasana (2010), di Diego Bianchi . . La parte superiore del “corpo” non è più riconosciuta come umana. L’artista “è solito gestire diverse variabili di tensione: controllo e non controllo alternativamente; l’esercizio spirituale e individuale…, la rigidità materiale del corpo del manichino e la plasticità corporea che lo yoga esige; attraversare il dolore per accedere al benessere”, afferma Marmor.

Alle pareti è appeso un ritratto di Marisa Rubio nel ruolo di Helena Líndelen , oltre a una selezione dei suoi mandala del 2012. Líndelen si è dedicata a insegnare la tecnica per realizzare questi disegni, che sono anche un supporto materiale per la meditazione. L’insegnante ha partecipato ad uno degli esercizi del metodo esposto nella Teoria del lavoro recitativo quotidiano per un performer che propone un tipo di performance davanti ad un pubblico che non ha consapevolezza di esserlo. 

In un angolo tra due pareti adiacenti della stessa stanza, Paula Castro mostra Everything is fine, ok(2018), che avrebbe potuto anche intitolarsi “Benvenuta angoscia e ansia” –dice l’artista–. Il lavoro proviene dalla serie Black Marker Color Wheel , che utilizza diversi tipi di pennarelli per creare la propria tavolozza di neri. Nonostante “l’ottimismo alla fine abbia trionfato”, commenta il curatore, “anche se questo non significa che siamo meno vicini a comprendere questa emozione, molte volte come fenomeno disciplinare o come imperativo”.

Nello spazio adiacente, è possibile ammirare un grande dipinto di Nicolás Domínguez Nacif , realizzato tra il 2007 e il 2014, che è anche un’invocazione al sole della sua provincia natale, San Juan. Le opere di Ana Won , The Brides (2022) e Pronuncia su nombre a la noche (2023), sulla parete opposta, sono realizzate in stato di trance e “mescolano, come in un vortice, diverse materialità, linguaggi e tradizioni che cercano di evocare l’ignoto”, afferma la Marmor.

Nell’ultima delle sale della sequenza, Mariana Tellería espone otto opere Untitled (2012) della serie God Believes in Me , che descrive come collane pendenti. Riguardo a loro dichiara: “Tendo a realizzare operazioni geometriche proiettate su qualsiasi cosa, è un esercizio costante, a volte intuitivo e a volte di un razionalismo cartesiano in cui mi interessano più le battute che le verità”.

L’ultima delle pareti, variegata di opere, riunisce dipinti a grafite di Roberta Di Paolo e dipinti a collage di Daniel Leber che combinano iconografia e simboli di diverse tradizioni e, su un supporto basso, una serie di sculture di Laura Códega con bottiglie di liquore bevande. Tra questi la Fontana dei desideri (2012), un oggetto rituale riempito di vino e dal quale vengono chiesti desideri con la speranza che si avverino.

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di Alessandra Montesanto

Contro ogni sterile negazionismo e per comprendere fino in fondo l’importanza della Memoria, oggi vogliamo parlarvi di una sezione del museo Polin di Varsavia – premiato come Miglior Museo d’Europa nel 2016 – nato nell’area dove sorgeva il ghetto durante l’occupazione tedesca e che raccoglie, in maniera originale e interattiva, la storia degli ebrei polacchi dal 500 d.C. ai nostri giorni. ma la sezione che ci riguarda è quella riservata alla Shoà o all’Olocausto. Non sono sinonimi, però, questi due lemmi: il primo, infatti, si riferisce al genocidio degli ebrei: etimologicamente significa “distruzione, catastrofe” senza considerare, quindi, il concetto di “sacrificio”. Il termine “olocausto”, invece, si riferisce allo sterminio di tutte le etnie e indica un’offerta, più o meno gradita, ad una qualche divinità, offerta basata sull’atto di bruciare totalmente la vittima sacrificale. Non vogliamo dimenticare un’altra parola: “porrajmos” che si riferisce, in particolare, allo sterminio delle comunità rom e dei sinti durante il nazifascismo che, letteralmente, significa “grande divoramento”.

Nelle sale progettate da due architetti finlandesi, il percorso inizia in penombra e si snoda tra fotografie di vari formati, scritte, elenchi di nomi, cartine geografiche, ma anche voci riprodotte, filmati, installazioni. La luce, mano a mano che la seconda Guerra mondiale volge al termine e con essa la tragedia per le minoranze, si schiarisce per andare incontro alla speranza, ma la speranza è flebile ed è per questo che consideriamo un bene ogni momento e ogni azione per riportare alla memoria il passato, per tramandarlo alle nuove generazioni, per non porre di nuovo le basi che hanno fatto sì che alcuni popoli o individui perdessero la propria umanità.

Leggiamo, ascoltiamo le testimonianza e facciamole nostre. Per non dimenticare e non ripetere.

Separazione e isolamento, repressione, vivere all’ombra della morte, deportazioni.

Subito dopo la Liberazione gli ebrei si registrano per ricevere aiuto e lasciare una traccia. “Sono vivo, esisto”. all’inizio si identificano su normali pezzi di carta, ma presto il Comitato centrale degli ebrei in Polonia (CKZP) introduce moduli di registrazione per standardizzare il processo. Sono circa 200.000 gli ebrei registrati.

Il 90% della comunità ebraica in Polonia morì nell’Olocausto. I tedeschi e i loro alleati uccisero 6.000.000 di ebrei in tutta Europa. il museo POLIN è stato eretto nel cuore dell’ex quartiere ebraico, trasformato in ghetto durante la Seconda Guerra Mondiale.

Almeno il 10% degli ebrei sopravvissuti non si è registrato presso i comitati ebraici per varie ragioni, inclusi i traumi della guerra e l’antisemitismo del dopoguerra. Alcuni credevano che la nazionalità non avrebbe avuto importanza nel nuovo sistema, altri non si sentivano ebrei.

Nel ghetto sovraffollato ogni appartamento era pieno zeppo di occupanti. dopo le deportazioni rimasero solo 60.000 ebrei. Wladyslaw Szlengel ha scritto una poesia sul vuoto che lo circondava. e’ stato ispirato da una nota – un elenco dei tanti inquilini che un tempo avevano vissuto insieme in un appartamento ora vuoto – nascosta dietro al suo campanello.

L’Azione continua…Due o tre uomini delle SS si presentano dove la polizia sta conducendo il rastrellamento, terrorizzando la popolazione con le loro urla, le fruste e le sparatorie. Le persone vengono uccise.

“Tutto si svolge ad un ritmo vertiginoso, sempre più veloce. Presto tutti i residenti saranno in piedi nel cortile, la selezione è finita. Non c’è tempo per tornare indietro, non c’è tempo per un’ultima occhiata in giro, non c’è tempo per eventuali ultime parole. anche se il tempo giusto per i funerali è lento e dignitoso, non ti è permesso camminare lentamente. Qui devi correre”.

Aleksandra Sotowiejczyk-Guter (nata nel 1917), ghetto di Varsavia. “Da quando ho iniziato a portare con me il veleno, non sento più il mio cuore battere forte al suono degli stivali chiodati. Sento questo ansioso desiderio di vita, di libertà, di sole. un desiderio di poter attraversare la strada senza una toppa sulla schiena o sul petto, un desiderio per il tempo in cui ero pulita, quando avevo il mio letto. Un desiderio in cui ero un essere umano”.

Durante la Pasqua ebraica, gli ebrei religiosi erano alle prese con un dilemma morale: mangiare il pane o morire di fame. Chaim A. Kaplan, scrittore, insegnante e autore di libri di testo, ha scritto dettagli sulla vita religiosa nel ghetto. Dal 1933 al 1942 tenne un diario in ebraico e riuscì a trasferire le sue annotazioni fino all’agosto ’42: “Gli operai muoiono di fame; mi rivolgo alle autorità per il diritto di acquistare cibo…”. Anche Emanuel Ringelblum teneva un diario in yddish e il 22 novembre 1940 fondò un archivio clandestino “Oyneg Shabes (Joy of Shabbath), così chiamato perchè la squadra si riuniva segretamente il sabato. Rischiando la vita, il team ha raccolto ogni brandello di prova: dagli avvisi ufficiali tedeschi e gli annunci dello Judenrat ai giornali clandestini, dalle tessere annonarie, involucri di caramelle, biglietti del tram agli inviti ad eventi, rapporti e studi su questioni sociali e mediche. hanno accumulato diari, lettere, saggi di bambini, resoconti di rifugiati e opere letterarie. Si trattava di espressioni fedeli di ciò che gli ebrei polacchi hanno vissuto, pensato e sofferto.

“Siamo chiusi dietro a un doppio muro: dietro un muro di mattoni i nostri corpi, dietro un muro di silenzio fa’ tacere le nostre anime”.

“Quello che non si può gridare al mondo, seppelliremo nel terreno. Vorrei vivere per vedere il momento in cui questo grande tesoro potrà essere scavato, Una delle strade vicine è già bloccata. Gli stati d’animo sono terribili. Ci aspettiamo il peggio…”

I tedeschi sfruttavano gli ebrei come forza lavoro a buon mercato o gratuita. All’inizio ricevevano un salario molto basso e un piatto di zuppa. Spesso un lavoratore tornava a a casa contuso e sanguinante. Alcuni furono mandati nei campi di lavoro dove vissero in condizioni spaventose.

“Le porte sono davvero chiuse ora? Sì, lo sono. Chiuse sull’orda, sulla massa densa di persone all’interno. Attraverso piccole aperture in alto possiamo vedere teste e mani che iniziano ad agitarsi….quando il treno parte…”

Sebbene inizialmente la maggior parte degli ebrei preferisse l’occupazione sovietica a quella tedesca, non passò molto tempo che la mano pesante dei sovietici li schiacciasse. Dal febbraio 1940 al giugno 1941, i sovietici effettuarono quattro azioni di deportazione e reinsediarono circa 320.000 polacchi, inclusi 80.000 ebrei, a est, principalmente in Kazakistan e in Siberia. La maggior parte di loro morì di fame e per le dure condizioni di lavoro forzato.

Dicevamo…la speranza: a volte può essere controproducente, soprattutto se guardiamo all’attualità. Ma noi vogliamo continuare a credere e a lottare per un mondo giusto e libero.

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di Alessandra Montesanto

E’ la prima retrospettiva all’estero dedicata ad André Butzer dal titolo che riporta il nome dello stesso artista, esposta fino al 10 settembre 2023 al Museo Thyssen-Bornemisza di Madrid, in occasione del 50mo anniversario del pittore.

L’esposizione comprende 22 opere realizzate tra il 1999 e il 2022.

La convinzione di Butzer è quella che “i dipinti siano luoghi della più grande disperazione e della più grande speranza”, soprattutto in un’epoca difficile come quella contemporanea, e quindi “più vicini alla gioia e all’aiuto di cui abbiamo tanto bisogno” (dal catalogo).

Alcune opere sono molto colorate, presentano un tratto volutamente infantile e con rimandi alle fiabe; altre sono in bianco e nero o in sfumature di grigio; tutte molto materiche, pastose: sembra quasi, a volte, che il segno esca dalla tela e vada incontro ai visitatori, coinvolgendoli nella serenità inconsapevole dei bambini o nella paura e nella violenza degli adulti.

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Classe 1973, nato a Stoccarda, André Butzer predilige la figura umana, ma spesso questa è deformata, infantilizzata,, decostruita: gli occhi grandi e vuoti ricordano alcuni personaggi di Walt Disney, altri rimandano ai ritratti degli Espressionisti e questo mostra la vasta cultura iconografica del pittore che spazia dall’Arte classica a quella moderna-contemporanea, per passare dalla Comunicazione anche postmoderna, come si evince dall’uso psichedelico delle tinte.

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Nella serie intitolata semplicemente “N” e iniziata nel 2010, l’artista si riferisce alla Nasa e si discosta dall’uso dei colori squillanti, più felici e divertenti, per raccogliersi – e far raccogliere gli spettatori – in una riflessione più drammatica sul Presente, spegnendo i quadri e segnando lo spazio più scuro e malinconico con linee chiare, bianche, nette oppure con linee e volti turbati, schiacciati, “mossi” come le emozioni più recondite e sepolte nell’animo umano. La riflessione, però, riguarda anche l’origine dell’opera d’arte: Nasa è l’acronimo dell’organizzazione americana per la navigazione spaziale e, grazie al pensiero concettuale di Butzman, diventa quel non-luogo, quel cosmo primordiale da cui nasce la creatività e la successiva riflessione artistica, con il lavoro concreto.

Segue…

La luce è importante, così come la relazione con chi osserva: bisogna entrare nel quadro, sorridere oppure preoccuparsi. Il quadro finisce per crearsi proprio grazie al rapporto con chi è davanti e si viene a creare, così, un gioco di specchi, un osmosi – che è poi il vero obiettivo di ogni opera culturale – che non può lasciare indifferenti.

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di Martina Foglia

Come tutti sappiamo, in particolare al giorno d’oggi, la nostra società si basa soprattutto sul concetto di bellezza come metro di misura per valutare i vari contesti in cui l’essere umano si trova ad agire. Questo è ancora più lampante quando si parla di arte: “sono stata a vedere una bellissima mostra oggi” oppure “che bello questo panorama”. Possiamo fare queste affermazioni perché in noi è  preponderante uno dei cinque sensi: quello della vista; fin dalla nascita abbiamo lentamente abituato il nostro occhio a osservare, a guardare tutto ciò che è intorno a noi e di conseguenza abbiamo poi creato il nostro senso critico di fronte a ciò che osserviamo e giudichiamo l’oggetto in questione bello o brutto secondo la nostra percezione soggettiva.

Ricordiamoci però che  questa concezione appena espressa non esiste  per le persone non vedenti. Se vi dicessi che anche queste persone possono godere della bellezza di opere d’arte odi paesaggi naturali in contesti protetti e adeguati? Ebbene sì all’inizio forse vi meravigliereste come è successo a me. Questi luoghi sono denominati musei tattili. il tatto per queste persone diventa strumento per creare un loro personalissimo concetto di bellezza . Attraverso questo senso percepiscono la forma di ciò che è esposto per poi costruire una loro idea dell’ immagine globale attraverso la percezione di ciò che hanno “sentito”. Ecco che per definire ciò che viene considerato bello o meno entreranno in gioco allora altri criteri rispetto a quelli abituali legati alla vista. Ciò che sarà importante per queste persone non sarà solamente la forma, ma anche la consistenza di ciò che toccano: se una superficie è ruvida o liscia, se una forma è spigolosa o rotonda, se la superficie è morbida o dura. Per garantire alle persone non vedenti una fruizione totale dell’esperienza artistica secondo le loro esigenze esistono vari musei tattili specializzati, ognuno in una dimensione dell’arte.  

Ecco alcuni esempi : il più importante ed il primo è il museo tattile di Ancona specializzato nella riproduzione di sculture dall’arte greca fino alla contemporanea; il museo tattile di Varese specializzato in architettura, cioè nella riproduzione in scala dei più importanti edifici esistenti in Italia e all’estero; e poi ancora il museo Anteros a Bologna specializzato nell’arte pittorica e nella riproduzione dei dipinti più famosi come “La Gioconda”, ad esempio.

Quando si parla di bellezza però non si può prescindere dalla bellezza presente costantemente nella nostra vita quotidiana, quella dei paesaggi che ci circondano come un lago, una foresta, una catena montuosa: proprio per non escludere le persone non vedenti dalla contemplazione della Natura esiste un museo dedicato alla riproduzione in scala di paesaggi naturali: montano, lacustre, fluviale e marino con relativa fauna. Si tratta del museo tattile di Scienze Naturali di Trarego in provincia di Verbania.

Concludo dicendo che, secondo me, il “guardare” assume una connotazione relativa: si può ” guardare ” anche attraverso il tatto perché è fondamentale per contribuire alla formazione di un’immagine mentale che genera il concetto di bellezza e di conseguente senso critico.

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Mentre in Italia ( e in altre aree del mondo) si verificano rigurgiti di fascismo – allo stadio, nelle strade, nelle parole – noi pubblichiamo le immagini di una mostra permanente del MOMA di New York. Permanente: perché l’Arte, come la Cultura in toto, deve far riflettere e ricordare quali siano state le conseguenze tragiche per l’umanità del corso della Storia, quella parte di Storia nefanda e distruttiva  che tende a ripetersi. Ma la Storia siamo noi; la Storia la scriviamo noi, giorno per giorno, con i nostri pensieri e con le nostre azioni.

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Vi ricordiamo che la nostra associazione organizza attività sui diritti umani nelle scuole, anche per l’alternanza scuola-lavoro e incontri di approfondimento con autori, giornalisti e attivisti. Direttamente nelle classi.

Per informazioni: info@peridirittiumani.com

BookCity: MUDEC. Noi ci saremo!

 In occasione di BOOKCITY, Associazione per i Diritti umani presenterà il romanzo:

Venerdì 17 novembre ore 17.30     VITA, ISTRUZIONI per L’USO di AHMED NAGI   Presso MUDEC: Via Tortona, 56 MILANO   Alla presenza di: Giuseppe Acconcia (giornalista e scrittore), Monica Macchi (esperta mondo e cultura arabi) e Chiarastella Campanelli (casa editrice Il sirente, collana Altri Arabi – in video)

Descrizione

Un’improvvisa catastrofe naturale cambia per sempre l’aspetto della millenaria città del Cairo. Terremoti, tempeste di sabbia, virus e malattie devastano la popolazione. Bassàm Bahgat è stato ingaggiato per produrre documentari di propaganda per la “Società degli Urbanisti”, un’organizzazione segreta (capillarmente estesa nel mondo) dedita alla riprogettazione del Cairo. Il documentarista non sa che il sottile intento della Società è quello distruggere definitivamente la città creandone una nuova, dalla forma futuristica e commerciale. La vita di Bassàm cambierà improvvisamente con l’incontro di Ihàb Hassan, personaggio eccentrico e carismatico, che contrapponendosi alla Società, gli propone il suo rivoluzionario progetto: …

Un’improvvisa catastrofe naturale cambia per sempre l’aspetto della millenaria città del Cairo. Terremoti, tempeste di sabbia, virus e malattie devastano la popolazione. Bassàm Bahgat è stato ingaggiato per produrre documentari di propaganda per la “Società degli Urbanisti”, un’organizzazione segreta (capillarmente estesa nel mondo) dedita alla riprogettazione del Cairo. Il documentarista non sa che il sottile intento della Società è quello distruggere definitivamente la città creandone una nuova, dalla forma futuristica e commerciale. La vita di Bassàm cambierà improvvisamente con l’incontro di Ihàb Hassan, personaggio eccentrico e carismatico, che contrapponendosi alla Società, gli propone il suo rivoluzionario progetto: modificare la metropoli cairota affinché il degrado urbano si estingua. Un testo visionario e sperimentale in cui realtà e finzione si alternano e sovrappongono dando vita ad un interessante esperimento letterario, nel quale la parte grafica gioca un ruolo decisivo. Con il patrocinio di Amnesty International Italia.

Rassegna: Un Mondo di Diritti

Care amiche e cari amici,

Associazione per i Diritti Umani comunica il programma DEFINITIVO della prima parte della rassegna intitolata “Un Mondo di Diritti” che si svolgerà presso la libreria:

TEMPO RITROVATO LIBRI, Corso Garibaldi 17 (MM Lanza, Milano).

Dal Medioriente, all’Africa nera fino all’America latina per capire cosa sta accadendo nel mondo: un viaggio letterario (e non solo!) nella nostra realtà, per approfondire i grandi temi del Presente.

Siete tutte/i invitate/i !!!

	Giovedì 9 novembre, ore 19.00   Titolo dell’incontro: Uguaglianze e disuguaglianze di genere nel mondo arabo-musulmano   Titolo del libro: La nostra rivoluzione, voci di donne arabe.     Ospiti: Laura Silvia Battaglia (giornalista, autrice della graphic novel “La sposa yemenita. Le mille (e una) nozze”), Ivana Trevisani (antropologa e saggista) Monica Macchi (esperta di mondo e cultura arabi e moderatrice)
	Giovedì 23 novembre, ore 19.00   Titolo dell’incontro: Colonialismo di ieri e di oggi; le responsabilità italiane.   Titolo del libro: Morire di pace. L’eccidio dei Kindu nell’ex Congo belga     Ospiti: Denis Nunga Lodi (avvocato), Ilaria Rudisi (giurista), Paolo Giacobazzi (volontario con varie Ong), Veronica Tedeschi (giurista e moderatrice)
	Giovedì 30 novembre, ore 19.00   Titolo dell’incontro: Utopie (mancate?) in America latina   Titolo del libro: Viva la Rèvolucion. Il secolo delle utopie in America latina   Ospiti: Valentina Di Prisco (attivista del Venezuela) Mayra Landaverde (dell’assocazione Milano Senza Frontiere, attivista del Messico), Alejandro Librace (attivista dall’Argentina), Alessandra Montesanto (moderatrice)

Tutti gli incontri si terranno presso:

TEMPO RITROVATO LIBRI Corso Garibaldi, 17 (MM Lanza, Milano).

Ingresso gratuito

A cura di: Associazione per i Diritti Umani

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Steve McCurry è stato protagonista, per tutta l’estate, di una mostra molto interessante, allestita presso il Museo di Santa Giulia, a Brescia, dal titolo “LEGGERE”.

Il grande fotografo statunitense rende omaggio all’atto della lettura, raccogliendo per la prima volta una selezione di scatti che ha per protagonisti i lettori – persone famose e comuni – che vivono in zone di guerra, ritratti in strade isolate, nelle metropoli o nell’intimità delle proprie abitazioni.

Le fotografie sono accompagnate da una serie di citazioni di brani letterari scelti da Roberto Cotroneo,all’interno di un allestimento, progettato da Peter Bottazzi, un percorso affascinante in grado di coinvolgere gli spettatori dal punto di vista visivo, cognitivo e spirituale.

Se un fotoreporter così importante come McCurry ha deciso di diffondere l’importanza della Cultura tramite il proprio lavoro, svolto in ogni angolo del mondo, allora il messaggio deve arrivare forte e chiaro: l’istruzione e la corretta informazione devono far parte della vita quotidiana e devono essere un diritto (e un dovere) per tutte e per tutti.

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“Mi sento un poeta troiano,

uno di quelli a cui è stato tolto persino

il diritto di tramandare la propria sconfitta”
Mahmoud Darwish

Dall’8 al 30 giugno sarà possibile visitare al Museo teatro Commenda di Prè di Genova la mostra fotografica Le strade dell’apartheid ideata da Luca Greco, una trentina di scatti in bianco e nero sul popolo saharawi nel deserto dell’Hammada (sud dell’Algeria), sui palestinesi dei campi profughi e sui muri che separano cattolici e protestanti in Irlanda del Nord: tre realtà in cui vigono forme diverse di apartheid. Ci sono anche tre reading: il 15 giugno, alle 19 Gianna Coletti fa conoscere la storia di Mariem Hassan “la voce del Sahara” e del popolo saharawi, in La voce dei figli delle nuvole, il 22 giugno alle 19 Davide Sormani in Tracce di Sands, racconta dell’attivista repubblicano irlandese Bobby Sands e il 29 giugno alle 19 Marco Sgarbi chiude con Juliano. Ovvero sia della resistenza dedicato al fondatore del Freedom Theatre di Jenin, Juliano Mehr Khamis di cui abbiamo già parlato qui https://www.peridirittiumani.com/2016/04/08/e-ripartito-il-freedom-bus/?utm_source=rss&utm_medium=rss

Verrà inoltre presentato il libro di Barta Edizioni in uscita in questi giorni “Io sono saharaui”, una graphic novel dedicata appunto a Mariem Hassan, storia musicale al femminile che si intreccia ad un percorso di autodeterminazione individuale e politica per l’indipendenza del popolo saharawi. Un testo diviso in sei capitoli, dove ogni titolo rimanda ad una canzone, caratterizzato da una militanza estetica radicale (testo in font sempre diversi che circondano i disegni coloratissimi) che rispecchiano le scelte di vita di Mariem dal rifiuto del matrimonio combinato a 15 anni, alla decisione di indossare la melfa, il vestito tradizionale lungo 10 metri, fino al successo trovato in Spagna il paese dei colonialisti.

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Abbiamo partecipato con Monica Macchi e il suo gruppo che ha idealizzato il progetto MUUUDECCHIAMOCI: POESIA, MUSICA e IMMAGINI delle e per le RIVOLUZIONI !

Ecco a voi alcune immagini:

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Zagabria, Croazia. Un piccolo museo: Museum of Broken Relationships.

Sembra uno scherzo, un’attrazione turistica e invece c’è molto di più. Ogni oggetto racconta una storia d’amore, raccolte in 25 città internazionali.

Amore declinato in tutte le sue sfaccettature. Amore omosessuale (al maschile e femminile), amore in tempo di pace e in tempo di guerra, amore passato -presente -futuro, amore sognato e desiderato, amore di una figlia verso una madre, amore di un padre verso i propri figli, amori malati, abusi, amori ritrovati, amori abbandonati…Un percorso divertente e commovente allo stesso tempo.

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