Ha vinto lui. Ha vinto uno dei registi più maturi e più arrabbiati. Ha portato a casa il premio più importante all’ultima edizione del Festival di Cannes. E’ Ken Loach, con il suo ultimo film intitolato I, Daniel Blake.

Daniel, un uomo sulla sessantina, vive nel grigio e umido Newcastle, Inghilterra. Ha lavorato sempre come operaio artigiano, un mestiere duro e logorante tanto che ora l’uomo accusa un malore e i medici gli impediscono di continuare nell’attività. Daniel è solo e da solo deve cercare un’alternativa: il riconoscimento dell’invalidità e la riscossione del sussidio, un suo diritto dopo tanti anni di doveri.

Titoli di testa, schermo nero: una voce fuoricampo e il primo piano del protagonista che ascolta. Una voce monotona, fredda, abituata a ripetere sempre le stesse informazioni, senza partecipare al dialogo. E’ la voce di un’impiegata di un ufficio a cui Daniel si rivolge per iniziare la pratica amministrativa. Una comunicazione interrotta brevemente, tra un uomo e una donna/robot. Una comunicazione vuota di pathos, priva di umana partecipazione ed è già da questo incipit che Loach avverte gli spettatori sul tema che vuole raccontare e su quale sia il proprio assunto.

Daniel, infatti, rappresenta tutti coloro – giovani e meno giovani – che hanno perso occupazione e dignità a causa della crisi economica sì, ma anche a causa di giochi finanziari spregiudicati, da cui il cittadino comune è completamente tagliato fuori. E non è un problema da poco. In tutta Europa e in molte altre parti del mondo (vedi il Brasile, ad esempio) è così: intere famiglie sul lastrico, piccoli risparmiatori truffati, imprenditori e artigiani falliti, figli a carico dei genitori o genitori in miseria come l’altra protagonista del racconto cinematografico, Katie, giovane madre di due bambini, disposta a tutto, ma proprio a tutto per garantire loro la sopravvivenza in una cittadina a lei estranea e poco accogliente.

Tornano gli ambienti cari al regista brittanico, ambienti calcati dai passi di Daniel e di Katie che cercano un’occupazione onesta, che portano il loro curriculum bussando a tutte le porte: case popolari, uffici freddi come il freddo e la pioggia che entrano nelle loro anime stanche. Stanche anche le facce degli avvocati, dei dipendenti statali, di quegli uomini e di quelle donne che stanno dall’”altra parte”, incapaci di empatia con coloro che si trovano in difficoltà, aggrappati a quel poco di benessere che ancora hanno il privilegio di avere.

Daniel e Katie entrano nella burocrazia labirintica (comune a tanti luoghi), percorrono una via crucis contemporanea in cui si fa sempre più evidente la disumanizzazione dei “deboli”, considerati numeri e dei “forti”, alienati tra carte e cavilli.

Alcuni hanno criticato Ken Loach perchè in questo film non si avverte la rabbia furiosa dei suoi film precedenti. E’ vero che Daniel non ha lo spirito ribelle di Eric (Il mio amico Eric) o incazzato di Piovono Pietre, ma ciò non vuol dire che con questo suo ultimo lavoro non abbia compiuto un nuovo, importante atto politico. Loach è cresciuto, ha vissuto, ha osservato e le sue riflessioni possono essere esposte anche in maniera più pacata, ma per questo non meno incisiva: la furia appartiente all’età della giovinezza, la saggezza a quella della maturità e un uomo maturo sa come dire NO anche senza fare la guerra.

In I, Daniel Blake non c’è molta speranza per le fasce più fragili della società, ma c’è una luce in un suggerimento: quello di far leva sull’umanità, sulla solidarietà quotidiana, sulla capacità di mettersi nei panni dell’Altro per farli propri per condividere la pena e le piccole gioie. Un’amicizia tra un uomo di mezza età e una giovane donna, i rari sorrisi di due bambini, posso tramutarsi in una grande ricchezza da cui, magari, ripartire.

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di Monica Macchi

Riprendendo l’appello lanciato a dicembre da cineasti iraniani tra cui Jafar Panahi, giovedì scorso, registi ed attori riuniti al 69° Festival di Cannes in un comunicato sottoscritto da quaranta organizzazioni professionali internazionali (tra cui il W & DW – Worldwide scrittori e registi, FERA – Federazione europea dei registi, il ADAL – America Latina audiovisivi Amministrazione Alliance, European Film Academy, la ARP – Società civile degli Autori, registi e produttori (Francia), l’Accademia del Cinema Italiano – Premi David di Donatello, la Biennale di Venezia – Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica e DAC – Directores Argentinos Cinematográficos) hanno chiesto “ufficialmente e solennemente alle autorità iraniane la grazia per Keywan Karimi”, documentarista curdo iraniano condannato a sei anni di carcere e 223 frustate per il film documentario “Writing on the city” di cui potete vedere qui il trailer (https://www.youtube.com/watch?v=3laaKrp5ebE&utm_source=rss&utm_medium=rss). Si tratta di un racconto storico-sociologico attraverso i graffiti di Teheran che documentano l’Iran tra la rivoluzione khomeinista e le manifestazioni contro Ahmadinejad. Karimi ha già al suo attivo diversi lavori sulla minoranza curda, sul contrabbando di petrolio nelle zone di confine con l’Iraq, (“Broken Borders”) e sui problemi delle giovani coppie (“The adventure of the Married Couple”, trasposizione iraniana di un racconto di Calvino).

Il  13 ottobre 2015 è stato condannato a sei anni di prigione e 223 frustate per “propaganda contro il sistema” e “aver insultato l’islam” da un giudice, Mohammad Moghiseh, già noto ai gruppi internazionali per la difesa dei diritti umani per il suo attivismo nel reprimere giornalisti e oppositori e segnalato per questo all’Unione europea.  Domenica 21 febbraio 2016 gli è stata notificata la sentenza definitiva: un anno di carcere, 223 frustate e una multa di 20 milioni di rial (circa 600 euro).

Ancora una volta (come nel caso di Atena Farghadani) il legame tra graffiti e insulto all’islam…

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Così,
mentre increduli nella nostra impotenza stiamo contando i corpi
esanimi di chi scorgeva nel Vecchio continente la Terra promessa, di
chi sperava e che, per quello stesso sperare, ha dovuto arrendersi
alla morte, il cinema, pur senza saperlo, ci offre un commento della
tragedia meno retorico e superficiale delle parole di tanti
opinionisti che riempiono televisioni e giornali. Poco conta che
siano gli Stati Uniti l’Atlantide di una felicità mai vissuta, che
le terre della disperazione siano il Guatemala o il Messico e non
l’Eritrea o la Siria, perché in ogni dove e in ogni quando sono la
stessa voglia di riscatto, la stesso mito dell’altrove,
la stessa miseria a spingere fiumi di uomini in un’impresa che per
i più non troverà alcuna redenzione.
Ecco allora la storia di
Juan, Sara e Samuel, tre giovanissimi guatemalchi che decidono di
imbattersi in un viaggio verso gli Stati Uniti, terra dell’abbondanza
e del capitalismo più scintillante. Di questo viaggio non sanno
nulla, ma del resto nulla hanno da perdere. A loro ben presto si
aggiungerà Chauk, un indio del Chiapas che non parla una parola di
spagnolo e le cui azioni aderiscono a una logica primordiale, quella
del cuore e del sentimento, che i suoi compagni dovranno
faticosamente imparare a decifrare.
È un intreccio semplice e
lineare quello scelto da Quemada-Diez, narrato attraverso una regia
che talvolta assume intenzionalmente una piega documentaristica, ma
che riesce ad indagare a fondo quel cumulo di insidie, speranze e
illusioni che costituisce il fardello di ogni migrante. Sui tetti dei
treni merci in cui clandestinamente si tenta di accorciare la
traversata, tra la violenza dei delinquenti pronti ad approfittare di
chi non è protetto da nessuno, di fronte ai cecchini statunitensi
che attendono gli stranieri al confine, questo viaggio on
the road si tramuta così
in un vero e proprio romanzo di formazione, un viaggio in cui non
tutti possono farcela e nel quale, anche chi ce la fa, sembra non
trovare il riscatto di cui era in cerca .
Ciò che si conquista
attraverso lo sguardo di questi cinque adolescenti è allora soltanto
il disincanto, impressione crudele quanto realistica, a cui lo
spettatore è educato dall’uso sapiente della recitazione di attori
non professionisti, uso nel quale Quemada-Diez dimostra di aver ben
recepito la lezione di Ken Loach con il quale ha collaborato.
A
mancare non è nemmeno il richiamo metaforico, mai eccessivo o
criptico, delle immagini. C’è innanzitutto la neve, la neve che
irrompe, quantomai inaspettata, nei momenti cruciali del film: cade
lenta e senza sosta in alcune inquadrature fisse facendo da
contrappunto a questo viaggio disperato, come un destino dal
significato velato fa da contrappunto, spesso ironico e maligno, alle
nostre aspettative, ma è anche la neve che si fa bufera nell’ultima
sequenza del film, quasi che quel significato incerto si sia infine
rivelato nella sua tragicità. C’è poi l’enorme macello
californiano in cui Juan, l’unico superstite di questa tormentata
ascesa, finisce a lavorare: quasi a chiedere allo spettatore se la
storia, come voleva qualche filosofo, non sia altro per noi singoli
individui che un “banco da macellaio”.
C’è infine quel
treno che corre sempre su una linea retta e che è lì, nelle
intenzioni dichiarate del regista, a incarnare la fede incrollabile
nel progresso, in quel grande racconto metafisico
che fa dell’Occidente, per chi almeno ha provato a sperare, la meta
ammaliante e sempre ambita del benessere. Ma del resto senza una
fede, che sia in un etereo aldilà ultraterreno o in un aldiquà
finalmente redento da una felicità per
tutti allo stesso modo,
forse non si può vivere. Come evoca il canto che chiosa una delle
ultime sequenze del film: “Ho
perso la fede, è necessario trovarla”.

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