di Sabrina Minervini

“Se t’inoltrerai lungo le calate dei vecchi moli
In quell’aria spessa, carica di sale, gonfia di odori
Lì ci troverai i ladri, gli assassini e il tipo strano
Quello che ha venduto per tremila lire sua madre a un nano
Se tu penserai e giudicherai da buon borghese
Li condannerai a cinquemila anni più le spese
Ma se capirai, se li cercherai fino in fondo
Se non sono gigli, son pur sempre figli, vittime di questo mondo“

Questa è l’ultima strofa de “La città vecchia” (Fabrizio De André)
Non ci sono parole più adatte per spiegare l’importanza di non giudicare una persona da ciò che ha fatto, ma dal conoscere
prima i motivi che ha spinto l’individuo a commettere un qualsiasi reato.
Cercherò di spiegarvi le mie sensazioni di quando ho assistito ad un evento presso il teatro del carcere di Opera, uno dei tantissimi
organizzati dal dottor Juri Aparo, psicologo e psicoterapeuta presso diverse carceri milanesi.
Durante questo evento è stato possibile ascoltare alcune testimonianze di detenuti che hanno commesso dei reati ed i motivi
che li hanno spinti a commetterli. Inoltre hanno ammesso che, durante il loro percorso in carcere, hanno preso totale
consapevolezza di ciò che hanno fatto e hanno raccontato la loro storia di vita.
Oltre alle testimonianze toccanti dei detenuti ci sono stati alcuni collegamenti musicali scelti in base ad ogni storia; ad ogni testimonianza, infatti, era collegata una canzone di Fabrizio De Andrè poiché i personaggi di questo cantautore si
rispecchiano molto con le storie raccontate.
Ad aiutarli nel loro cambiamento è stato soprattutto il “gruppo della trasgressione” coordinato dal dottor Juri Aparo, un gruppo formato da detenuti, ex detenuti, studenti, dove è possibile analizzare il proprio percorso di vita e confrontarlo con alcuni personaggi come
Caravaggio o Dostoevskij; ad esempio grazie all’analisi del romanzo “Delitto e castigo” è stato incredibile quanto i membri di questo gruppo si siano resi consapevoli “dell’esistenza dell’altro” e che il dolore è sia di chi subisce il reato sia di chi lo commette.
E’ stata davvero toccante la testimonianza di una madre che ha detto: “quando ti ammazzano un figlio ti verrebbe da chiuderti in te
stessa e piegarti dal dolore, io per non piegarmi ho voluto entrare in carcere e conoscere il dolore che è presente all’interno.”
Assistendo a questo evento mi sono resa ancora più conto di non dover “etichettare” una persona per quello che si sa di lei o per quello
che ha fatto, ma di ascoltare prima la sua storia.
Ascoltare le testimonianze di ex detenuti che sono diventati genitori, lavoratori, che sono cambiati in meglio mi fa capire che il lavoro di autoanalisi svolto da questo gruppo è qualcosa di straordinario e ascoltare le persone che stanno ancora scontando la loro pena in
carcere mi ha dato un’idea limpida di ciò che vorrebbero per il proprio futuro sia per se stessi sia per i loro cari e mi ha resa ancora più
consapevole di ciò che vuol dire mettersi in discussione .
Concludo dicendo che questo tipo di lavoro non serve solo a chi ha commesso o ha subìto un reato ma anche alla gente “comune”
disposta a non fermarsi alle apparenze e a non rimanere “chiusa “nelle proprie convinzioni ma che, al contrario, può imparare a non ”condannare a cinquemila anni “, ma a crescere e a conoscere questo mondo di cui non si sa mai abbastanza.

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di Patrizia Angelozzi

Dario Brunori in arte Brunori Sas, ha vinto il premio Amnesty International Italia per “Voci per la libertà” con il brano “L’uomo nero”, come miglior testo per I Diritti Umani del 2017. Un brano sull’intolleranza che fa riflettere.

L’uomo nero

Brunori Sas

Hai notato l’uomo nero
Spesso ha un debole per i cani
Pubblica foto coi suoi bambini
Vestito in abiti militari
Hai notato che spesso dice
Che noi siamo troppo buoni
E che a esser tolleranti poi
Si passa per coglioni

Hai notato che gli argomenti
Sono sempre più o meno quelli
Rubano, sporcano, puzzano e allora
Olio di ricino e manganelli
Hai notato che parla ancora
Di razza pura, di razza ariana
Ma poi spesso è un po’ meno ortodosso
Quando si tratta di una puttana

E tu, tu che pensavi
Che fosse tutta acqua passata
Che questa tragica misera storia
Non si sarebbe più ripetuta
Tu che credevi nel progresso
E nei sorrisi di Mandela
Tu che pensavi che dopo l’inverno sarebbe arrivata una primavera
E invece no
E invece no

Hai notato che l’uomo nero spesso ha un debole per la casa
A casa nostra, a casa loro
Tutta una vita casa e lavoro
Ed è un maniaco della famiglia
Soprattutto quella cristiana
Per cui ama il prossimo tuo
Solo se carne di razza italiana

Ed hai notato che l’uomo nero
Semina anche nel mio cervello
Quando piuttosto che aprire la porta
La chiudo a chiave col chiavistello
Quando ho temuto per la mia vita
Seduto su un autobus di Milano
Solo perché un ragazzino arabo
Si è messo a pregare dicendo il corano

E tu, tu che pensavi
Che fosse tutta acqua passata
Che questa tragica lurida storia
Non si sarebbe più ripetuta
Tu che credevi nel progresso
E nei sorrisi di Mandela
Tu che pensavi che dopo l’inverno sarebbe arrivata la primavera
E invece no
E invece no

E io, io che pensavo
Che fosse tutto una passeggiata
Che bastasse cantare canzoni
Per dare al mondo una sistemata
Io che sorseggio l’ennesimo amaro
Seduto a un tavolo sui Navigli
Pensando in fondo va tutto bene
Mi basta solo non fare figli
E invece no
E invece no

E io, io che pensavo
Che fosse tutto una passeggiata
E che bastasse cantare canzoni
Per dare al mondo una sistemata
Io che sorseggio l’ennesimo amaro
seduto a un tavolo sui Navigli
Pensando in fondo va tutto bene
Mi basta solo non fare figli
E invece no
E invece no

Testo di L’uomo nero © Warner/Chappell Music, Inc

La premiazione si terrà a Rosolina Mare (Rovigo) domenica 22 Luglio nel corso della serata finale della 21ma edizione di Voci per la Libertà, Una canzone per Amnesty.

Brunori Sas ha detto: ”Mai come oggi, ”L’uomo nero” assume un significato speciale per me. Nello spettacolo teatrale che sto portando in giro è il pezzo che più mi emoziona cantare….

Grazie a voci come la sua, alle parole spese con la determinazione e la forza di restare umani per I Diritti Umani.

Info e approfondimenti, http://www.vociperlaliberta.it/?utm_source=rss&utm_medium=rss

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Commento al film “Looking for Oum Kulthum” di Shirin Neshat

La solitudine dell’artista ormai famosa nel suo palazzo, forse il prezzo pagato per il successo, si anima nel triangolo che via via si compone: donna matura, giovane donna e ragazzina che scioglie il nodo stretto della storia e la dipana nei ricordi del magnifico bianco e nero in cui Neshat è maestra.

E con mossa perfetta Neshat, alla colorata sontuosità che ci restituisce l’artista ormai all’apice del successo, sostituisce il bianco e nero di un paesaggio rurale lontano nel tempo e luogo d’origine dell’artista, che immediatamente trasporta lo spettatore agli inizi del suo cammino nel canto: una bambina di circa dieci anni, costretta a esibirsi travestita da beduino.

Nonostante Oum Kulthoum avesse dovuto effettivamente sottostare a quell’imposizione, perchè alle donne era vietato cantare in pubblico, l’enorme successo procuratole dalla sua magnifica voce, le consentì in seguito di assumere un intero gruppo di musicisti e di negoziare i suoi contratti, sottraendosi a una tradizione misogina imperante. La sua grandezza artistica travalicò rapidamente i confini egiziani e la sua fama le venne tanto riconosciuta da essere soprannominata Ambasciatrice dell’arte araba.

La bellezza della sua voce, il canto sublime che dispensava, guadagnarono inoltre a Oum Kulthoum, divenuta simbolo della canzone araba, la possibilità di vivere liberamente la propria vita privata, pur segnata da difformità sentimentali: un matrimonio annullato e un altro intorno ai cinquant’anni. La stessa circostanza di non avere figli, condizione riprovevole e marginalizzante per una donna nella cultura islamica, fu tramutata simbolicamente, proclamando Oum Kulthoum Madre di tutto l’Egitto.

Ma fare un film su Oum Kulthum si rivela per la regista un vero cimento, con difficoltà crescente a catturare l’essenza della leggendaria cantante del mondo arabo, in quanto donna, artista, mito; poiché il proposito di Neshat è quello di esplorare le lotte, i sacrifici e il prezzo pagato per il successo, da un’artista donna vissuta in una società conservatrice dominata da uomini.

Un dominio che con l’espediente dell’ostruzionismo dell’attore durante le riprese del film, Neshat vuole segnalarci ancora presente nell’oggi.

Lo schiacciamento della donna da parte del patriarcato sociale è del resto una condizione che Neshat ha dovuto vivere in prima persona, e nello scorrere dell’esistenza dell’artista si inserisce quella della regista; raccontando la vicenda umana di Kulthum, Neshat ripercorre la propria.

Anche la storia di vita della vera regista Shirin Neshat, è stata infatti segnata dalla prevaricazione di stampo maschilista, fotografa e videoartista iraniana, costretta all’esilio dall’avvento in patria del regime khomeinista, rimase forzatamente a New York dove si era trasferita nel 1983 dopo aver conseguendo il Master of Fine Arts alla Berkeley University frequentata dal 1974.

La vera regista, non allusione, ma realtà del film che richiede una precisazione: Neshat nella costruzione del disegno cinematografico utilizza l’escamotage della storia di una giovane regista che decide di fare un film su Oum Kulthum, e questo le consente di sfuggire alla banalità di se stessa che racconta se stessa, perchè probabilmente non questo è l’interesse profondo di Neshat, quanto piuttosto quello di trasmettere un messaggio che pur presente nelle vite delle tre donne, le trascende diventando universale.

Da un passaggio in Iran nel 1990 infatti Neshat, profondamente colpita dalle imposizioni del regime islamico esercitate in particolare nei confronti delle donne, decise che la condizione della donna islamica, il suo rapporto con il mondo maschile e più in generale il rapporto uomo-donna nella cultura islamica e in quella occidentale, sono diventati i nodi centrali della sua ricerca e creazione artistica.

Quindi non a caso inserisce nel racconto filmico delle riprese, con il suo familiare bianco e nero, un’intera sequenza della rivolta femminista al Cairo nel 1914, in cui le donne scesero nelle strade per chiedere diritti politici, libertà di istruzione e di scelta lavorativa.

La polemica capziosa e apertamente maschilista dell’attore e i suoi reiterati attacchi alla regista sono volti non solo a mantenere propria e non abdicarla a “una donna” il possesso del Mito, ma al tempo stesso a ridurre e chiudere al solo ambito popolare la grandezza di Oum Kulthoum che, effettivamente si esibì per i lavoratori dei cantieri sperduti nel deserto, per contadini, operai, costruttori e soldati, ma cantò anche per re e capi di stato e accompagnò le celebrazioni di eventi storici fondamentali.

L’inserimento dell’attore vacuo è un riconoscimento di Neshat alla universalità di Oum Kalthoum, poiché, come unanimamente testimoniato e riconosciuto da chi l’ha vissuta direttamente o ne ha raccolto i racconti, anche dopo il 1975, anno della sua morte, la presenza artistica, la vicenda singolare della donna, attraverso la sua grandezza e incanto artistico è diventata vicenda collettiva. In quella voce straordinaria che riusciva a indurre il riso più gioioso o portare a lacrime di commozione gli ascoltatori, ognuno poteva sentire la propria sofferenza, il proprio passato, il proprio presente, la propria patria, ognuno in quella voce poteva ritrovarsi.

Il film, oltre all’indiscutibile valre artistico, nel doppio registro di lettura: biografico ed autobiografico, si rivela omaggio e riconoscimento della grandezza di Oum Kulthum e Shirin Neshat come artiste e come donne.

Ha girato alcune delle sue opere video, video-installazioni e filmati in Turchia, in Marocco e a New York. (come Umm Kultum).

Il suo amore per l’arte si rivelava già in uno dei suoi primi lavori in cui su volto, mani e piedi liberi dai veli aveva tracciato, con scrittura calligrafica persiana versi d’amore di poetesse iraniane.

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Lascia che ti sussurri queste parole,

così che nessuno senta che sto parlando delle bambine vendute.

La mia voce non dovrebbe essere ascoltata perché contro la Sharia,

le donne devono rimanere in silenzio

Bride for Sale

Sonita è una ragazzina afghana, immigrata in Iran che frequenta i centri di accoglienza e segue in particolare i corsi di musica: sogna infatti di fare musica rap e qui conosce Rokhsareh Ghaemmagham, che decide di girare un documentario sulla sua storia. Il loro rapporto si fa sempre più stretto al punto tale che quando Sonita vuole andare a dormire è costretta a chiederle: “spegni la telecamera, devo togliermi il velo e non posso farmi vedere senza”: in questo sta uno dei motivi d’interesse e di estetica contemporanea del film in quanto la regista supera la linea d’invisibilità e dialoga sia pure fuori schermo, con la protagonista. Ma quando la madre di Sonita vuole riportarla ad Herat per venderla a 9.000 dollari, soldi che permetterebbero al fratello maggiore di sposarsi, la regista interviene direttamente e offre alla madre 2.000 dollari, che equivalgono a sei mesi di libertà. Sonita compone una canzone “Bride for Sale” e la regista crea un video in cui su uno sfondo nero, la ragazzina appare con un codice a barre disegnato in fronte, poi con il volto tumefatto e infine in abito da sposa. Ben presto il video diventa virale in rete e arriva fino in Utah dove la Wasatch Academy le offre una borsa di studio per continuare a cantare e fare musica; ora Sonita si trova in America pronta a inseguire il suo nuovo sogno: diventare avvocatessa.

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Lorenzo ha sedici anni e ha già vissuto esperienze difficili: dopo essere stato affidato ad una famiglia estranea quando era più piccolo, ora viene adottato da altri genitori e si trascefersice, per questo, nella città di Udine. Lorenzo si mostra sicuro di sé, ma ha la necessità continua di rifugiarsi nel mondo della fantasia. Lorenzo è dichiaratamente omosessuale. Conoscerà Blu, figlia di imprenditori, aspirante scrittrice, reagisce con aggressività alle provocazioni perchè viene di continuo definita “ragazza leggera” dai compagni di scuola; al gruppo si unirà Antonio, di origini più umili degli altri, abile nello sport e che deve convivere con la perdita del fratello maggiore, morto in un incidente stradale.

Il gruppo si crea e si chiude in un’amicizia serrata e protettiva; i tre giovani erigono barriere e costruiscono un guscio per lasciarne al di fuori famiglie sensibili, ma inacapaci di comprendere i loro stati d’animo fino in fondo e coetanei superficiali e crudeli, maschi e femmine senza distinzioni. Tutto bene fino a quando il guscio si spezza a causa di un bacio: un gesto, un impulso, una richiesta di amore che tutto ottiene in cambio, tranne l’affermazione di quel sentimento. Lorenzo, Antonio e Blu saranno costretti ad affrontare gli aspetti più fragili e complicati della propria identità, a scapito di una serenità tanto fragile quanto loro stessi, ma riusciranno a trovare la forza di una ribellione che li farà crescere, con dolore sì, ma forse un po’ più liberi.

Jules, Jim e Catherine correvano insieme incontro o contro al mondo; la celebre scena del film di Truffaut viene omaggiata anche nella nuova pellicola di Ivan Cotroneo che – dopo La criptonite nella borsa, in cui faceva ossevare la realtà ad un bambino del meridione – torna a parlare di giovani con lo sguardo critico di tre adolescenti: Lorenzo, Blu e Antonio. Sposta la narrazione al nord, in una città di provincia dove gli occhi sono puntati più spesso su tutti, dove il pettegolezzo è facile così come una certa chiusura mentale, soprattutto verso chi si pone come anticonformista.

La timidezza di Antonio, la femminilità mista ad arroganza di Lorenzo, la finta spavalderia di Blu non rientrano nei canoni standardizzati di ragazze, ragazzi e adulti benestanti, omologati e sicuri delle proprie granitiche opinioni. E allora i tre outsiders decidono di fare “muro contro muro”: una solida amicizia contro il muro dei pregiudizi. Solo loro tre, tre solitudini che vanno a creare un nucleo isolato. Una monade che vaga nello spazio, subissata da scherzi, soprusi e insulti.

I genitori dei tre protagonisti sono presenti, ma sono anche loro persone con limiti e difficoltà: cercano di proteggere i propri figli, ma a volte i loro tentativi sono inadeguati. Importante, però, il discorso del padre adottivo di Lorenzo che dice al Preside del liceo frequentato dal figlio: “ Non voglio che mio figlio sia tollerato”. Il termine “tolleranza” implica una concessione, una sfumatura di sopportazione di una circostanza negativa; invece il film di Cotroneo sottolinea il valore della parola “rispetto”.

A proposito di sguardo: il regista – che con questo film riadatta un suo racconto insieme alla creatività delicata di Monica Rametta – non usa la cinepresa come strumento per raccontare e giudicare, ma osserva, mostra e tenta di capire da cosa siano dettati i comportamenti di tutte e di tutti. E’ una sguardo antropologico e sociologico, attento e profondo, che ricorda, per certi aspetti, Il capitale umano di Virzì. Una ricerca che parte dai giovani, per allargarsi alle famiglie e alla scuola, microcosmi (famiglia e scuola) in cui ci si allena a far parte della società, microcosmi in cui gli adulti dovrebbero essere modelli positivi, ma si rivelano spesso fallaci e in cui i più giovani devono imparare anche da soli a trovare la propria strada e ad affermare il diritto di essere accettati per quello che sono.

Cotroneo afferma la libertà di essere se stessi, ma non dimentica, giustamente, di sottolineare che l’affermazione di sé non deve mai essere disgiunta dalla comprensione e dal riconoscimento dei diritti e del valore degli altri.

Il gruppo formato da Lorenzo, Blu e Antonio finisce con l’essere una gabbia, uno spazio dove dare senso ad un’autoreferenzialità che allontana dal mondo esterno e questo è un altro sintomo di disagio. Per crescere, e farlo davvero, bisogna saper affrontare le circostanze con equilibrio, senza nascondersi dietro agli schermi della tecnologia, dietro alle fantasie e a mondi immaginari, dietro a rapporti virtuali o amicizie simbiotiche.

Tutti e tre i ragazzi urlano un forte bisogno d’amore, ma il sentimento vero si può affermare spezzando i cordoni ombelicali, qualunque essi siano: con un genitore, con un amico, con un fratello. Correre sì, incontro alla vita, non per fuggirla, ma per buttarcisi con entusiasmo. Ecco allora che lo stile del racconto cinematografico ricorda i videoclip, montaggio veloce e fotografia sparata, colonna sonora che unisce il passato ( i genitori che fanno parte della generazione degli anni’80, dell’edonismo reaganiano, del “tutto era possibile”) e il presente e quella canzone di Mika, intitolata Hurts che, a tradurne il testo, si capisce quanto sia diegetica con ciò che il film vuole dire.

Il look eccentrico di Lorenzo, le lettere che Blu scrive ad una sé grande e immaginaria, il fratello/feticcio di Antonio: tre maschere, tre alter ego, tre scudi verso una società cinica e ignorante, in cui il bullismo e l’omofobia negli istituti scolastici, dove si dovrebbero insegnare ben altri valori, va di pari passo con l’ottusità etica e politica, la mancanza di educazione e la violenza, spesso brutale in quest’epoca che alcuni studiosi, tempo fa, hanno definito come l’epoca “delle passioni tristi”.

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di Giulia Carlini (una nuova e brava collaboratrice di Associazione per i Diritti umani)

Al Festival dei diritti umani, ieri mattina si è parlato del diritto alla libertà di espressione.

La sala gremita di studenti ha ascoltato con entusiasmo il critico musicale Enzo Gentile intervistare la cantante Cecile e il rapper Musteeno, fondatore di Street Art Academy, in un dibattito sul ruolo della musica come veicolo fondamentale di libertà.

Cecile ha presentato quest’anno al festival di Sanremo il suo singolo d’esordio N.E.G.R.A., il cui testo e video musicale hanno provocato molto scalpore tra il pubblico. “L’acronimo sta per Nessuno È Giudice Razziale Assoluto” spiega la cantante, “non esitono differenze, siamo tutti uguali, siamo tutti esseri umani. Chi discrimina lo fa sulla razza, ma anche sull’essere brutti, grassi, diversi. Ma diverso da chi?”.

Per Musteeno il problema è la paura. Essa ci impedisce di riconoscere quanto sia preziosa la diversità, di dare all’altro il valore che diamo a noi stessi. Il rapper ha esortato gli studenti a “levarsi la paura del diverso e andare a conoscerlo perché è quello che costituirà voi stessi nel futuro” .

I due artisti guardano alla musica non solo come a un veicolo per esprimere tutto ciò che si vuole, ma anche come potente strumento che unisce le persone, le libera e le aiuta a denunciare i soprusi grazie alla forza che le parole possono avere.

Questa forza la conosce bene Nawal El Saadawi, protagonista del documentario “The free voice of Egypt” della regista Kontanze Burkard, proiettato al termine dell’incontro.

Nawal è famosa in tutto il mondo per i suoi scritti a favore dei diritti delle donne egiziane. Laureatasi in medicina all’università di Giza, nel 1956 viene assegnata a un’unità sanitaria nel suo villaggio natale Kafr Tahla, nel cuore della povertà rurale egiziana. Dopo aver denunciato gli orribili abusi del marito subiti da una donna del villaggio affetta da disturbi mentali, viene rimandata al Cairo dove ricopre la carica di Direttore della Sanità Pubblica.

Col passare degli anni inizia a utilizzare la parola scritta per lottare contro l’oppressione delle donne egiziane. Le ha incoraggiate ad andare avanti, ad assumersi le proprie responsabilità e non lasciare che gli uomini continuino a decidere della loro vita.

Si è battuta contro tradizioni oppressive come l’infibulazione, ferita che l’ha segnata per tutta la vita nel fisico e soprattutto nell’anima, il velo e le violenze domestiche.

Viene ben presto etichettata come nemico dell’Islam e della patria, ricevendo quotidianamente minacce di morte dal governo e da privati cittadini, fino ad essere arrestata nel 1981.

Racconta di una compagna di cella imprigionata per avere colpito il proprio marito alla testa con una zappa, mentre lui violentava la loro figlia di 9 anni. “Aveva le mani identiche alle mie” afferma, “se non avessi impugnato una penna, forse avrei usato anch’io una zappa. La parola sincera richiede un coraggio simile a quello per uccidere. Forse di più.”

Nawal è rimasta caparbiamente fedele alle sue parole nonostante tutte le minacce, la prigionia e le percosse, senza piegarsi di fronte a nulla.

A volte viene definita provocatoria, ma lei risponde con aria stupita che dice semplicemente ciò che pensa, con franchezza, cosciente di non poter avere tutti dalla sua parte, e del prezzo alto che ha pagato per poterlo fare.

Anche Cecile e Musteeno ritengono la provocazione necessaria. Riguardo al video di N.E.G.R.A., in cui l’artista viene ripresa completamente senza veli, Cecile afferma di aver voluto provocare il pubblico per smascherare l’ipocrisia che in Italia ci assuefa a corpi nudi in televisione già dalle 9 di sera, ma ci fa scandalizzare davanti a una ragazza che canta a pieni polmoni di essere nera e nuda, semplicemente se stessa.

Per il rapper la provocazione nei brani hip hop è importante per esprimere rabbia ed indignazione, ma non dev’essere mai gratuita altrimenti rischia di perdere d’importanza, diventando rumore di sottofondo. Deve quindi avere una ragione valida ed una chiave di lettura per poter mandare un messaggio chiaro e preciso al pubblico.

La forza delle parole (che siano scritte, cantate o rappate) è la salvezza dai limiti della nostra realtà, è la libertà che ci permette di esprimere ciò che proviamo e pensiamo. Come afferma Nawal, “non esiste principio più alto della verità e della sincerità nella ricerca per la libertà, la giustizia e la dignità.”

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di Monica Macchi

Dedicato a Vittorio Arrigoni (Vik), giornalista e attivista, ucciso a Gaza nella notte fra il 14 e il 15 aprile del 2011.

Domenica scorsa al teatro Menotti di Milano è andato in scena lo spettacolo “Cafè Jerusalem. Teatro e musica nella notte di Gerusalemme” con commento musicale dal vivo dei RadioDerwish, tratto dal libro “Gerusalemme senza Dio” di Paola Caridi, una produzione del Teatro stabile di Genova. Storie intrecciate da un Hakawati, in un caffè della Città Vecchia di Gerusalemme della palestinese Nura e dell’israeliano Moshe, che si ribaltano in quella del palestinese Musa e della ragazza-soldato israeliana che gli chiede i documenti.

Il ricavato dei biglietti servirà per ricostruire la “Terra dei bambini”, una scuola progettata dall’ong Vento di terra a Gaza nel villaggio beduino di Um al Nasser e distrutta dall’esercito israeliano nel corso dell’ultima offensiva militare.

Ed ecco Barbara Archetti, presidentessa di Vento di Terra che spiega i progetti dell’associazione.

E questa è la canzone che ha chiuso il concerto “Stay human” dedicata a Vik

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Diciannove
anni di prigione, fino a quando, fu rilasciato , nel 1985, dopo anni
e anni di battaglie legali e di campagne di sensibilizzazione per
quella che, con enorme ritardo, è stata poi riconosciuta come un
caso di razzismo per il colore della pelle. Tre anni dopo, nell’ 88,
caddero tutte le accuse contro di lui.

Bob
Dylan canta la sua storia nel celebre pezzo proprio intitolato
“Hurricane” e Denzel Washington ha interpretato il pugile nel
film Hurricane-Il grido dell’innocenza. L’”uragano”
si è spento nella sua abitazione di Toronto, dopo un’esistenza
travagliata, ma che, alla fine, ha dato un senso alla giustizia.

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