Invito a teatro per lo spettacolo intitolato “Amen”, da un testo di Massimo Recalcati, in scena presso i Bagni Misteriori a Milano; una produzione del Teatro Franco Parenti

Per le nostre lettrici e i nostri lettori, il biglietto costa 15 euro.

In scena il 17 settembre 2024

Il codice sconto è: AMEN15 oppure scrivere a: promo@teatrofrancoparenti.com

Perchè Associazione Per i Diritti umani promuove la Cultura.

di Massimo Recalcati
regia Valter Malosti
introduzione di Massimo Recalcati
con Marco Foschi, Federica Fracassi, Danilo Nigrelli
progetto sonoro e live electronics Gup Alcaro
chitarra elettrica Paolo Spaccamonti
luci Umberto Camponeschi
assistente alla regia Thea Dellavalle

produzione Teatro Franco Parenti / TPE – Teatro Piemonte Europa /
ERT Emilia Romagna Teatro Fondazione

L’unico modo per combattere la morte è cantare un inno alla vita.

Il testo rivelazione di Massimo Recalcati in scena nella cornice dei Bagni Misteriosi.

Il linguaggio potente incontra lo stile altrettanto forte del regista Valter Malosti in evidente stato di grazia artistica. Il progetto sonoro è del visionario Gup Alcaro, già vincitore di due premi Ubu, da quindici anni al fianco di Malosti nelle sue sperimentazioni. Accanto a lui, il compositore e chitarrista Paolo Spaccamonti, uno dei più originali musicisti dell’avant-rock noto anche a livello internazionale.

A rendere le note e le parole tangibili, i tre straordinari attori Marco Foschi, Federica Fracassi e Danilo Nigrelli, pluripremiati e tra i più amati dalla critica e dal pubblico.

Amen è voci, musiche, ma anche corpo, fatto fisico che arriva addosso, travolge e trascina fuori dagli incubi.

Una preghiera laica sull’amore e la relazione con l’altro come unica possibilità di senso.

– Antonio Sanfrancesco, Famiglia Cristiana

Una nostalgia di infinito e un desiderio di resurrezione che commuove […] Amen incalza in un finale trascinante e liberatorio, come benedizione su ogni aspetto della nostra vita, sulla sua bellezza struggente, sul nostro battito del cuore, sulle nostre paure, sui nostri amori, sulle nostre passioni.

– Angela Calvini, Avvenire

Un linguaggio forte, intenso, che trascina il pubblico al cospetto di queste anime nude. Meravigliosa l’interpretazione della madre di Federica Fracassi che riesce a trasmettere tutti gli intimi moti dell’anima di una donna che non ammette l’opzione di arrendersi e accettare la morte del figlio, mentre tutti intorno a lei attendono rassegnati che ciò che ritengono inevitabile si compia.

– Adelaide Cacace, Mentinfuga.it

Ed è l’Amore, l’altro elemento, quello che permette di andare oltre. Oltre le graffianti parole, lette nello stesso tono cupo a cui fa eco il colore altrettanto cupo e graffiante della musica, che sembra forzare la gabbia della parola e impadronirsi del senso. I tre attori riescono a emozionare nella voce sobria, profonda che vuole fare a meno del corpo.

– Barbara Varriano, Teatro.it

In Amen si rispecchiano efficacia di linguaggio filosofia, psicanalisi, teologia, pensieri sulla vita e sulla morte.[…] Ma soprattutto ne esce l’ enunciazione, nitida e sconvolgente nel suo paradosso, che la vita c’è ben sapendo della morte, proprio come la parola “amen” benedice la luce e insieme annuncia il congedo.

– Anna Bandettini, la Repubblica

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di Alessandra Montesanto

“Luce e Forza. Arte e spiritualità nel nuovo millennio” è aperta al pubblico fino al 13 novembre al Museo d’Arte latinoamericana di Buenos Aires (MalBA); si tratta di una mostra dedicata all’omonimo sindacato dei lavoratori dell’energia elettrica che riunisce opere degli ultimi vent’anni attraverso le quali gli artisti esplorano il terreno della spiritualità contemporanea, quando l’arte è ormai da tempo indipendente dalle istituzioni religiose.

Già nel 1911, Wassily Kandinky opponeva “il canto rude del materialismo” alla “notte spirituale”: Lara Marmor , curatrice della mostra, ha scelto però di affrontarla da una prospettiva più vicina nel tempo e nello spazio a partire da una domanda ambigua e complessa che il suo testo curatoriale pone: “In che modo la sovrapposizione di credenze, pratiche e conoscenze spesso ancestrali che compongono quella cosa così sfuggente che potremmo chiamare spiritualità contemporanea ci incide e ci costituisce?” Marmor ha riunito un gruppo di artisti nati tra gli anni ’70 e la fine degli anni ’80, una generazione entrata in scena negli anni 2000, la cui infanzia “si svolge nel passaggio dalla dittatura al fervore della primavera alfonsinista. Figli della libertà, canticchiano “Part of the Religion” e ascoltano Babasónico (il cui nome deriva dall’aver mescolato, per caso, The Jetsons con il guru indù Sai Baba ). In Luz y Fuerza convivono elettricità e bioenergetica, medicina allopatica e medicine complementari o alternative, tra gli altri “sintomi di fenomeni più profondi o semplicemente parte di una costellazione che ci circonda…, il tofu guadagna terreno sulla bistecca di chorizo, e lo yoga compete con la ginnastica localizzata. Nelle liste dei best-seller , i libri di autoaiuto condividono lo spazio con le enciclopedie dei funghi e le guide astrologiche più sofisticate”, afferma la Marmor. Agli antipodi, i discorsi scientifici offrono un panorama di poche e fatali certezze.

In questo contesto, le opere in mostra si aprono alla sperimentazione, rompendo “i binomi uomo/natura, razionalità/spiritualità, mente/corpo e, basandosi sull’umorismo, sull’ironia o sulla più profonda ricerca spirituale, si rendono conto che energia e forza trasformativa sono fondamentali in questi momenti di cambiamento”, dice.

Ai piedi delle scale si eleva l’alto soffitto della prima sala interrata del museo, che funge da introduzione. Sono appese sei sculture della serie Ave Miseria (2016) che Carlos Herrera realizza con piume, fieno, vestiti e tessuti vari combinati con oggetti personali e trovati. Si tratta di pezzi che l’artista ricompone ad ogni performance, che a volte fungono da cornice per le sue performance che rivelano un problema tra fede, corpo e sessualità.

Qui si confrontano con altre e molto diverse idee sulla fede, come la serie Towards the Land I Will Show You (2018), di Ana Vogelfang , un gruppo di ritratti dipinti su paia di scarpe e abbinati alla pelle. L’artista dice che, secondo la tradizione ebraica, se qualcuno sogna che un morto viene a prendergli le scarpe, significa che la morte presto prenderà il dormiente. “Ecco perché le scarpe dei morti non dovrebbero essere usate”, dice Vogelfang e sostiene anche che questi lavori parlano di come certi oggetti abbiano un’anima o assumano una vita propria. 

Sulla parete di fondo, Belén Romero Gunset presenta i dipinti da lei realizzati “come piattaforma visiva per diffondere il Metodo S1, costruito sulla base di alcune idee provenienti da Baruch Spinoza ”. Il metodo punta a conquistare la gioia e le indicazioni sono organizzate in base alla geometria e al colore, accompagnate da emoticon che possono essere intese come simboli pagani.

Nella stessa stanza, una scatola di pelle nera lascia un lato aperto per entrare e sedersi a leggere all’interno, dove due scaffali offrono libri sulle cui copertine sono scritti i titoli famosi della filosofia francese del XX secolo, coprendo una collezione di volumi di auto-aiuto. L’opera, Heavy Mental: Apocryphal Library (remastered) (2005-2023), mescola due universi presentati come opposti: “L’heavy metal è una sottocultura marginale, ma allo stesso tempo massiccia e popolare. Anche la filosofia ha questa dualità: da un lato è pensiero elevato; d’altra parte, un filosofo è qualcuno marginale all’interno della cultura occidentale. In entrambi i casi possiamo trovare segni di identità e di appartenenza”, afferma l’artista Gastón Pérsico .

In uno spazio angusto delimitato da pareti nere, viene proiettato Diario (2010) di Nicolás Mastracchio , che incanala gli alti e bassi emotivi della sua crisi personale in un momento in cui “aveva iniziato a studiare formalmente l’astrologia”. Nel video cerca aiuto o condivide questa esperienza personale con molto umorismo e crudezza, cercando empatia nel pubblico. Poco prima di passare al resto delle sale ci si imbatte in Creatures (2023) del duo Bernardo Zabalaga e Lucía Reissig, opera che può essere portata al guinzaglio per accompagnare il tour. “Sono una via di mezzo tra un animale domestico e un oggetto di attaccamento”, definisce Marmor, “un luogo dove stare e riposare. Sculture viventi con anima, chiamata a sperimentare il senso della famiglia, della convivenza e della reciproca educazione; essere accuditi e prendersi cura di sé attraverso uno scambio che trascende le dicotomie soggetto/oggetto, sé/altro”.

La ricerca della curatrice l’ha portata a studiare il progetto della villa giapponese e come in quella tradizione ha organizzato l’esposizione come la sequenza delle stanze, il rapporto tra gli spazi interni ed esterni, il colore della parete, che è un tono neutro, “non un bianco.” stridente né un grigio.”Dopo l’introduzione o preludio, la mostra si svolge in quattro sale consecutive con alcune finestre rivolte verso l’esterno e dove le opere non sono organizzate secondo una gerarchia, ma piuttosto attorno “a una tensione tra il vuoto di una parete mentre quello sullo sfondo, c’è un altro lavoro più eterogeneo; una cadenza in cui circoli e incontri situazioni diverse.

Nella prima sala si può osservare una serie di disegni che Eduardo Navarro ha realizzato basandosi sul suono del proprio cuore mentre passeggiava per New York, (Body 2023). Riguardo a quest’opera l’artista ritiene che “ogni suono contiene un’immagine, il corpo è come un disco su cui è registrata un’informazione sonora che, anche se non la si sente, è lì, in attesa di riverberare e di liberarsi come un’eco interiore”. .” . Nel suo lavoro, Navarro è solita “investigare le modalità di comunicazione con i fenomeni naturali, esplorando il limite incerto che ci definisce come esseri umani”, riassume la curatrice.

Martín Legón presenta due spot pubblicitari originali della serie Deeply Artificial Trees (2016), in cui si osserva un intreccio tra l’industria farmaceutica e un riferimento all’arte come garanzia di benessere emotivo: l’Arte è o no una medicina, un farmaco (in senso greco) per l’anima e quindi anche per il corpo?

Bruno Dubner espone una serie di fotografie che registrano cognomi che si riferiscono all’ebraismo, esposte su targhe, vetrate e manifesti nei quartieri di Balvanera, Barrio Norte e Once a Buenos Aires. “Nel suo interesse per la qualità astratta dell’immagine, il linguaggio fotografico è attraversato da questioni di ordine spirituale”.

Al centro della stanza attigua, due gambe di manichino si aprono dall’inguine per unire le piante dei piedi, in una postura tipica delle lezioni di yoga, che dà il nome all’opera Vadaconasana (2010), di Diego Bianchi . . La parte superiore del “corpo” non è più riconosciuta come umana. L’artista “è solito gestire diverse variabili di tensione: controllo e non controllo alternativamente; l’esercizio spirituale e individuale…, la rigidità materiale del corpo del manichino e la plasticità corporea che lo yoga esige; attraversare il dolore per accedere al benessere”, afferma Marmor.

Alle pareti è appeso un ritratto di Marisa Rubio nel ruolo di Helena Líndelen , oltre a una selezione dei suoi mandala del 2012. Líndelen si è dedicata a insegnare la tecnica per realizzare questi disegni, che sono anche un supporto materiale per la meditazione. L’insegnante ha partecipato ad uno degli esercizi del metodo esposto nella Teoria del lavoro recitativo quotidiano per un performer che propone un tipo di performance davanti ad un pubblico che non ha consapevolezza di esserlo. 

In un angolo tra due pareti adiacenti della stessa stanza, Paula Castro mostra Everything is fine, ok(2018), che avrebbe potuto anche intitolarsi “Benvenuta angoscia e ansia” –dice l’artista–. Il lavoro proviene dalla serie Black Marker Color Wheel , che utilizza diversi tipi di pennarelli per creare la propria tavolozza di neri. Nonostante “l’ottimismo alla fine abbia trionfato”, commenta il curatore, “anche se questo non significa che siamo meno vicini a comprendere questa emozione, molte volte come fenomeno disciplinare o come imperativo”.

Nello spazio adiacente, è possibile ammirare un grande dipinto di Nicolás Domínguez Nacif , realizzato tra il 2007 e il 2014, che è anche un’invocazione al sole della sua provincia natale, San Juan. Le opere di Ana Won , The Brides (2022) e Pronuncia su nombre a la noche (2023), sulla parete opposta, sono realizzate in stato di trance e “mescolano, come in un vortice, diverse materialità, linguaggi e tradizioni che cercano di evocare l’ignoto”, afferma la Marmor.

Nell’ultima delle sale della sequenza, Mariana Tellería espone otto opere Untitled (2012) della serie God Believes in Me , che descrive come collane pendenti. Riguardo a loro dichiara: “Tendo a realizzare operazioni geometriche proiettate su qualsiasi cosa, è un esercizio costante, a volte intuitivo e a volte di un razionalismo cartesiano in cui mi interessano più le battute che le verità”.

L’ultima delle pareti, variegata di opere, riunisce dipinti a grafite di Roberta Di Paolo e dipinti a collage di Daniel Leber che combinano iconografia e simboli di diverse tradizioni e, su un supporto basso, una serie di sculture di Laura Códega con bottiglie di liquore bevande. Tra questi la Fontana dei desideri (2012), un oggetto rituale riempito di vino e dal quale vengono chiesti desideri con la speranza che si avverino.

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Per domani sera, sabato 22 luglio, biglietti scontati a 8 euro per le nostre lettrici e i nostri lettori.

Perchè Associazione Per i Diritti umani sostiene la cultura…anche in estate!

22 luglio ore 19,30

PAOLA GIACOMETTI

L’ ENIGMA DELLA MADDALENA

Di e con Paola Giacometti
Regia di Luca Ligato
Produzione Teatrouvaille

È davvero esistita una storia d’amore tra Maddalena e Gesù? Chi era davvero Maria Maddalena, figura poliforme, che nel corso dei secoli si è insinuata nell’immaginario ora come discepola prediletta, ora sposa di Gesù, ora come peccatrice penitente, prostituita ambigua e sensuale capace di sedurre gli uomini e la loro arte? Quanto poco sappiamo di lei rispetto a quanto invece abbiamo immaginato?! È davvero lei a ricevere da Yeshua il messaggio segreto: “la rivelazione”?

È lei la discepola tra i discepoli? Divenuta il simbolo di quella femminilità indipendente che destabilizza le nostre certezze e per questo spaventa, Maddalena dovrà quindi essere confinata, schiacciata e demonizzata.

Per acquistare i biglietti: https://www.vivaticket.com/it/Ticket/l-enigma-della-maddalena/209932?utm_source=rss&utm_medium=rsshttps://www.vivaticket.com/it/Ticket/l-enigma-della-maddalena/209932?utm_source=rss&utm_medium=rss

dicendo di essere nostri “amici”…avrete il biglietto a 8 euro.

LO SPETTACOLO SI TERRA’ PRESSO IL Cortile d’Onore di Palazzo Sormani, alle ore 19.30. Palazzo Sormani: corso di Porta Vittoria, 6 – Milano

Tel: 0282873611 Mail: biglietteria@teatromenotti.org

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di Alessandra Montesanto

“Io sono stato lupo molte volte.

A volte di notte sono stato lui. Ho corso.

Ho vissuto cose

per le quali

non avevo parole”.

Ulf, un uomo di settant’anni, cardipoatico, ex guardia forestale e cacciatore, un sera d’estate vede un lupo: un bellissimo, imponente esemplare maschio, che soprannnominerà “Zampalunga”. Da quella visione o incontro, cambieranno le opioni di Ulf, soprattutto sulle sue passate attività e il suo modo di relazionarsi.

La dolce a affettuosa moglie Inga, insegnante in pensione, cerca di capire cosa sia accaduto al marito e i motivi del suo cambiamento, ma Ulf nemmeno a lei riesce a pronunciare la semplice frase: “Ho visto un lupo”, tanto è intima e potente quell’esperienza.

Una cantina diventa un cimitero di carcasse, un bosco il luogo dell’avventura e della ricerca, la casa lo spazio di ricordi e confidenze.

Kerstin Ekman – una delle più importanti scrittrici del nord Europa – ambienta in Svezia una favola contemporanea a sfondo ambientalista, ma Essere lupo – questo il titolo del romanzo, uscito per Iperborea – è molto di più.

Tramite la ricerca delle tracce del lupo, per proteggerlo dagli amici cacciatori, il protagonista affronta un viaggio interiore; mentre gli altri restano fermi nelle loro ideologie e nei loro comportamenti, mentre la consorte cerca nella Cultura un aggancio alla razionalità, l’uomo si identifica con l’animale, sfuggente e silenzioso, e prende, via via coscienza, della fragilità del corpo – umano e animale -, dell’ineluttabilità della fine (che sia per via naturale, a causa di una malattia o di violenza volontaria), dell’umiltà necessaria di fronte alla forza del Tutto, così misterioso e così perfetto, proprio come leggeva nei libri della sua gioventù.

Ulf si renderà conto di essere sempre stato solitario, selvatico, a tratti una belva quando necessario…Capisce che la sua finitudine appartiene a tutti gli esseri viventi.

Cosa distingue l’Uomo dall’Animale, dunque? La consapevolezza. Ma l’Uomo può, forse, comprendere anche altro, se saprà affidarsi all’irrazionale, basta che si seguano le orme del lupo dentro di noi…

“Siamo servi della gleba pure noi. Una sorta di bestiame di livello superiore, di proprietà di un potere che organizza tutto al meglio per il nostro benessere”.

“Tutta la mia vita è piena della tua solitudine”

“Poi vidi un lupo.

Un animale irrazionale. Quand’ero più giovane credevo che gli animali non avessero l’anima. Ma è il raziocinio che non hanno”.

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di Alessandra Montesanto

E’ tornato in libreria, Davide Bettera con il suo ultimo libro intitolato Il volto dell’altro. Quando la gioia diventa una scelta di libertà, Meltemi editrice.

Bettera è scrittore, filosofo, giornalista e vicepresidente dell’Unione Buddhista Europea che, rifacendosi all’ “idiota pensatore” di Deleuze indica una via di cambiamento individuale e collettiva che affonda le radici nella relazione.

Ricco di riferimenti al pensiero occidentale (Epicuro, Cartesio, Nietszche), orientale (taosimo, sufismo, buddhismo), all’ebraismo e con riferimenti a filosofofi moderni e contemporanei (Buber, Onfray, Lèvinas), con il racconto di storie personali che riguardano, ad esempio, il nonno e un prozio, Bettera accompagna per mano il lettore in un viaggio spirituale, non necessariamente religioso, anzi: i culti – e i luoghi della loro rappresentazione – hanno chiuso l’individuo in un sistema di dogmi che si sono fatti, nel tempo, barriere e prigioni dove ognuno si illude di trovare la salvezza. Salvezza da chi? E da cosa? Principalmente dalla paura universale: quella della finitudine. Tale paura inquina ogni aspetto dell’esistenza, ogni azione quotidiana con il timore dell’annullamento che diventa ossessione per la salute o la bellezza del corp oppure con il desiderio di vivere tanto intensamente quanto in maniera superficiale; è competizione, è prepotenza, è solipsismo. Si annullano, così, i valori della solidarietà, della comprensione, dell’empatia.

La soluzione proposta – annunciata come una nuova luce sulla nebbia che permea oggi l’umanità decadente e malinconica, per non dire rabbiosa o rassegnata – è un ritorno alla purezza ontologica, quella con cui nasciamo, quella di un bambino che si affaccia al Nuovo, sì anche con paura, ma con altrettanta curiosità, privo di sovrastrutture, capace di sentire istintivamente di non poter sopravvivere senza l’Altro, all’inizio senza il corpo e lo Spirito vitale della madre.

Madre-mamma, Madre-terra, Madre-relazione: l’Io da solo non può sopravvivere, l’io-tu sì perchè il mio sangue è lo stesso dell’Altro, le mie emozioni sono le stesse dell’Altro, la mia paura è la stessa dell’Altro, il mio destino finale è lo stesso dell’Altro. Ecco perchè, oggi, sarebbe importante tornare a mettere in atto la Filosofia della cura (come suggeriva anche nei suoi preziosi saggi Elena Pulcini): vivere filosoficamente è una scelta salvifica per se stessi, per la comunità di appartenenza, per la società di riferimento, per l’umanità tutta. Vivere filosoficamente non vuol dire estraniarsi, come gli asceti, dal mondo reale – sarebbe troppo facile! -, ma come insegnano i sufi vuol dire imparare a cercare la gioia in ogni attimo della quotidianità, anche in quello più difficile e faticoso: convertire e convertirsi ad uno sguardo più ampio, com-prendere, elaborare interiormente ogni esperienza per tramutarla in insegnamento in una direzione costruttiva di una “cittadella” (come si legge nel testo) inespugnabile di sicurezza, di pace, di pienezza da donare anche a chi ci sta di fronte, dono di serenità e di scoperta. Il Mistero è dentro di noi. E il noi è l’ubuntu, come si dice nelle tribù africane: quel senso di collaborazione e di saggezza tramandata che è necessario, oggi più che mai, recuperare per non perderci nella desolante e sterile solitudine dell’ horror vacui.

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Un’esposizione da Tenerife tra Filosofia e opere contemporanee

di Alessandra Montesanto

COLLAPSO è una mostra di opere contemporanee proposta dal TEA (Tenerife Space for the Arts), nel capoluogo dell’isola, Santa Cruz. Durante la scorsa estate l’abbiamo visitata e ne riportiamo alcune considerazioni che riteniamo altamente interessanti per il dibattito sui cambiamenti climatici a livello globale, sulla responsabilità dei cittadini e sulla giustizia sociale.

La Filosofia occidentale è tradizionalmente partita dalla domanda che prevale su altre grandi questioni, che, sia a livello individuale che sociale, delineano il modo in cui ci relazioniamo con il mondo: perché c’è qualcosa invece del nulla? Se possiamo essere certi di qualcosa, la nostra esperienza qualitativa del mondo, anche se non possiamo sperimentarla nella sua totalità, dice che, in effetti, ci sono cose che ci circondano. La materia rimane ed è continua. È impossibile fermare il corso della materia. Sia dal nostro punto di vista – quei rifiuti che non riusciamo a smettere di produrre, quel sacco della spazzatura giallo da 30 kg che viene riempito ogni due giorni in una famiglia di due persone – sia da uno stanziamento industriale – i litri di emissioni scaricati in mare da emissari nascosti sulla costa – sia come anche l’astrofisica – l’espansione dell’universo, la persistenza della materia oscura.
Ma come affrontare il fatto che la materia oscura è in continua espansione e la nostra è limitata? Come organizzare la materia, ciò che ci è rimasto?

Un’assidua definizione di residuo, o rifiuto è quella di “materia fuori posto”; è importante capire come riorganizzare la materia perchè è una questione politica e sociale. Che sia a livello domestico o industriale o extraplanetario. Il principio della definizione, dell’antropologa Mary Douglas, si basa sul fatto che l’organizzazione della materia ha una componente politica che la ristruttura sulla base di un pensiero dicotomico, ovvero: utile/inutile; produttivo/improduttivo. Sporcizia e rifiuti sono legati a un sistema di strutturazione igienica che lo identifica innanzitutto con qualcosa che destabilizza un ordine di contenimento che permette una vita funzionale e la struttura organica della città moderna è quella che nasconde i propri rifiuti sotto il magazzino e il cui fetore è nascosto anche a diversi metri dai contenitori che nessuno vuole vedere.

Tuttavia, il sistema di organizzazione dei rifiuti urbani come lo conosciamo oggi è molto recente. Fu solo nel XIX secolo che a Londra fu sviluppato un sistema igienico-sanitario pubblico: gli individui erano i responsabili della raccolta dei propri rifiuti e le acque reflue non presero forma fino a questo secolo, nonostante le lamentele sull’insalubrità del Tamigi fossero state presenti in Parlamento dal XIII secolo. Il De latrines, basato sullo spreco di rifiuti comunitario, che era stato praticato durante gli anni medievali, è passato anche alla Modernità con la gestione privatizzata voluta dal re, allo stesso modo in cui Locke sviluppò un sistema di pensiero liberale dove, portatrice di quei diritti non negoziabili – concepiti in definitiva come esito di deliberazione sociale contrattuale, ma sotto la legge ineludibile di diritti come la vita, la libertà e, soprattutto la proprietà privata – la città si avviava verso la privatizzazione dell’igiene. Tuttavia, a questa privatizzazione, antecedente all’industrializzazione e incipiente delle grandi capitali europee nell’Ottocento, mancava un elemento chiave che potesse riorganizzare tutto ciò che “era rimasto”. Vale a dire, poter spostare e nascondere ciò che gli individui avevano precedentemente gettato in strada.

L’organizzazione e l’industrializzazione delle risorse necessarie alla gestione delle città post-industriali ha quindi due punti di partenza in termini di pensiero: il primo è che l’immondizia è qualcosa del passato e che può destabilizzare e far ammalare. Non solo in termini di un sistema igienico basato sulla cura e sull’istituzionalizzazione della medicina, ma anche in quanto destabilizza lo schema basato su un certo ordine simbolico. Il residuo in vista è pericoloso. E il secondo punto è che,se la spazzatura è una cosa del passato, è perché ci ricorda dove siamo stati, cosa abbiamo mangiato e chi siamo. Sebbene la nostra memoria ci deluda, la spazzatura mostra il peggio di noi stessi. Le nostre abitudini di consumo sono esposte. In questo senso, Rathje e Murphy in “Spazzatura!” mostrano l’archeologia della spazzatura e come normalmente le persone, alla domanda sulle loro abitudini di consumo, tendano a nascondere i cibi dannosi per la salute e a sopravvalutare quello che dovrebbe essere il cibo “sano”.
Nessuno, inoltre, vuole condividere la propria spazzatura in pubblico. Non solo a livello individuale ma collettivo, una città senza un sistema fognario, impianti di trattamento delle acque reflue, scarichi o cassonetti è una società del passato. La città moderna è fatta di vetro, trasparente, ordinato, pulito. Il colore può essere anche manifestazione estetica dell’ordine simbolico del residuo. Anche parlare dell’uso del bianco come imposizione estetica durante il Movimento Moderno in Architettura o stile internazionale (1926-1950) aiuta a capire questo orientamento: dove ciò che era rimasto degli edifici e delle facciate era la decorazione, questa viene sradicata trattandola come un male, come grottesco. Questo rifiuto del grottesco definirebbe un’architettura bianca senza aggiunte, che rappresenta il progresso e la propaganda dello stile internazionale occidentale. Anche dopo la prima guerra mondiale, il critico d’arte e storico Adolf Behne fece una distinzione tra architettura bianca e architettura colorata, associando la prima alla classe borghese e la seconda agli ideali delle utopie socialiste. È curioso che il bianco derivi anche da un’idea igienista della Società. Nel sud della Spagna, i contadini usavano la calce per pulire le stalle per le sue proprietà antisettiche. Quando iniziarono ad arrivare le successive epidemie di tifo o peste, la popolazione divenne ossessionata da questa sostanza chimica e l’architettura divenne bianca. Cominciarono persino ad apparire rituali per imbiancare le stanze dei defunti di recente. È qui che l’idea del bianco come pulizia inizia ad essere culturalmente associata e si sviluppa per tutto il XX secolo nell’architettura e nell’arte.

La zona di Manshinay Yasser al Cairo o le discariche di Balatas e Payatas nelle Filippine sono complessi esempi contemporanei della sfida urbana posta dai rifiuti e dalla loro gestione. La prima è conosciuta come “la città della plastica”; un quartiere sovraffollato fuori il Cairo che si caratterizza per la sua architettura informale e la mancanza di un sistema logistico per organizzare i suoi rifiuti. In questa città come in altre zone del Cairo, esistono i cosiddetti “zabbaleen” – una parola che letteralmente significa in egiziano “area destinata alla spazzatura” -, gestiti da una comunità copta che si è tradizionalmente dedicata alla raccolta dei rifiuti. Rispetto ad alcuni sistemi di riciclaggio occidentali, riescono a riciclare l’80% dei rifiuti prodotti dalla città. Il delicato sistema comunitario degli zabbaleen è un processo di riciclo lontano dalla tecnologia contemporanea e basato su un equilibrio etnico o manuale, come sarà poi il cassonneto di cui parlava Walter Benjamin e che si trovava per le strade di Parigi e che ora è installato in molte altre città.

Ci sono persone che raccolgono i rifiuti, che guardano e prendono ciò che è stato gettato.Tutto ciò che la grande città ha buttato via, tutto ciò che ha perso, tutto ciò che ha disprezzato, tutto ciò che ha schiacciato sotto i piedi, lo catalogano e lo raccolgono. Raccolgono gli annali dell’intemperanza e dello dello spreco. Sistemano le cose e selezionano con giudizio: raccolgono come un avaro che custodisce un tesoro, rifiuti che assumeranno la forma di oggetti utili o gratificanti tra le fauci della dea dell’industria. Questa descrizione è una metafora estesa del metodo poetico, come lo praticava Baudelaire. Gli uomini della spazzatura e il poeta: entrambi si occupano di rifiuti.
L’idea del riciclo, del riutilizzo dei rifiuti come qualcosa di innovativo e che la città postmoderna si comporti meglio di qualsiasi altro sistema di riorganizzazione della materia, è, ovviamente, qualcosa di falso. Così è l’idea che ci sia una contemporaneità simultanea in cui regnano i progressi del “progresso”. L’esperienza del presente non è universalizzabile. Le idee che segnano un’epoca sono anche spaziali, geolocalizzabili. È curioso, in questo senso, come il concetto di “impronta di carbonio” sia stato ideato proprio dalla British Petroleum (BP) nei primi anni 2000, che ha incaricato la società di pubbliche relazioni Ogilvy & Mather di ideare questo concetto, sviluppando un motore di ricerca in cui calcolare l’impronta di carbonio di ogni individuo. Con un movimento come questo, BP esternalizza la propria responsabilità riguardo all’inquinamento del pianeta e riesce a incolpare i singoli attori, preoccupati per la loro rispettiva “impronta ecologica”.

Il sistema igienico-sanitario ideato dalla città tipicamente postmoderna, con una gestione privatizzata dell’organizzazione dei rifiuti guidata da multinazionali, non è l’unico modello contemporaneo di distribuzione del materiale in eccedenza, tutt’altro. È, tuttavia, il modello pertinente all’interno dell’immaginario simbolico sviluppato dopo la sanificazione dello spazio pubblico, che lega l’igiene all’individuo-proprietario e all’esigenza collettiva di avere uno spazio operativo. La spazzatura non viene distrutta, viene spostata. All’interno della società consumistica tardo-capitalista, l’utopia del riciclo si basa sull’esternalizzazione dei propri rifiuti: ciò che non si vede va taciuto.

Qual è la soluzione per riordinare la creazione incessante della materia e non affogare in essa?

Walter Benjamin usa la figura della cassonetto per illustrare la sua concezione dell’immagine dialettica: un momento presente illuminato dal passato, dove la verità viene svelata dalla nostra esperienza personale e sensoriale. Sia il poeta che il cerca-spazzatura (riciclatore) sono interessati allo scarto.Ci proponiamo qui di costruire un’immagine dialettica del residuo in modo tale che esso sopravviva non come elemento negativo o eccedenza di quello positivo; il riciclatore lo pulisce, ma come una rovina, come una costruzione affermativa nel suo decadimento. Nelle parole di Slavoj Žižek: l’idea di ‘riciclaggio’ comporta l’utopia di un circolo chiuso di tutti i rifiuti.

Cosa possono fare i singoli cittadini riguardo al clima globale ? Per esempio, l’organzzazione denominata Safety Orange funziona come tecnologia di controllo e autorizza i singoli cittadini ad essere perennemente vigili e responsabili della propria sicurezza e benessere. Possiamo intravedere questa logica spostando sottilmente il peso della conformità dalle istituzioni agli individui: la discarica di Payatas nella città di Manila, chiusa a causa di una frana che ha provocato la morte di circa 1.000 persone che vi abitavano, è un altro grande esempio di come, all’interno del sistema sanitario prevalente, la materia si muova, ma non venga mai distrutta completamente, venga rimossa dalla visione di quei centri che contano di essere spinti alle periferie, appunto, di essere spinti ai margini dell’ordine sociale e rimanere entro i confini dell’inaccettabile, sebbene il sistema stabilito nella società postmoderna non garantisca l’efficienza ecologica, come si vede con l’esempio di Zabbaleen che, invece, garantisce un sistema sanitario basato sulla performance economica dei suoi abitanti e un sistema di valori e credenze basato sulla dicotomia utile/residuo. Gli abitanti di Payatas o di tante altre discariche di fronte alle pressioni socioeconomiche e alla mancanza di alloggi nei centri urbani, si trasferiscono nelle discariche per vivere come spazzini, cioè raggruppano i rifiuti e vendono ciò che trovano … Pertanto, sebbene il sistema igienico-sanitario della città postmoderna non garantisca l’efficienza nella raccolta differenziata dei rifiuti o l’utopia del riciclaggio, garantisce l’ordine socioeconomico e simbolico in cui si trovano i rifiuti destinati ad essere il sostentamento economico di classi esterne a questo ordine sociale, relegate al di fuori di questo centro.

I rifiuti sono una questione politica la cui forma è modellata in molti modi, non si tratta solo della spazzatura stessa o della materia in una definizione classica di essa. Anche i corpi possono essere rifiuti: corpi che non sono produttivi. L’associazione tra residuo e improduttivo è evidente in questi corpi isolati ed emarginati all’interno della società: Robert MaCruer ha cercato di plasmare un tipo di corpo reso invisibile dalla società con la sua Teoria del Crip: “Corpi con diversità funzionale che non aderiscono alla norma, in questo caso, tendono ad essere isolati o emarginati. La logica del residuo sopravvive all’interno del nostro sistema di organizzazione delle idee e del ragionamento in molte aree della nostra vita”.
La spazzatura è l’oppresso, l’abietto. Storicamente, la nozione di rifiuto nasce legata ad una questione economica fondamentale: la produttività della terra. Così, nel Secondo Trattato di Locke, troviamo una definizione di residuo (rifiuto) che corrisponde a quella terra che non riporta un beneficio economico. Il residuo, storicamente, è simbolicamente equiparato a un sistema impuro, da cui deriva un pericolo. In questo senso, il sistema sapere/potere occidentale, fin dall’età moderna, rafforza una serie di valori in cui le stesse convinzioni prevalenti crollano prima della comparsa di altri nuovi valori. Soprattutto dopo l’Illuminismo, la conoscenza stessa viene riordinata e purificata sulla base dell’idea latente del residuo. La lotta dialettica tra tesi e antitesi può essere interpretata come il rafforzamento di un sistema di pensiero (filosofia?) che lotta per l’adattamento delle sue idee a un ordine che combatte il residuo: ogni conoscenza inutile deve essere ritirata, tutta la filosofia attuale deve ” pulire” il precedente sistema su cui è stato costruito o spodestare quelle convinzioni e valori che non si adattano al tuo spirito. La conoscenza può anche essere residuale; lasciato ai margini, dimenticato. Il compito della cassettiera è salvarli; frugare tra i rifiuti della Filosofia e della Storia.

In COLAPSO osserviamo diverse interpretazioni estetiche di queste sfide, analisi più o meno esplicite del sistema di categorizzazione dicotomica utile/inutile. Partiamo dalla critica ai rifiuti agricoli e industriali, presenti nell’opera di Amy Balkin, Rafael Pérez Evans o nel gruppo formato da Inés Miño, Iñigo Barrón e Mon Cano. In questi pezzi osserviamo come i rifiuti agricoli o ambientali modellano il nostro rapporto con lo spazio che abitiamo. Ad esempio, con il mare, come ci mostrano Inés, Iñigo e Mon, o con la terra stessa e la sovrapproduzione di banane, nel caso di Rafael. Da questa critica allo spreco ambientale e all’inquinamento atmosferico – quello smog di cui parla Amy – si passa a uno sguardo che poggia sulle tecniche di consumo capitaliste. Nell’opera di Shanie Tommassini, l’iPhone diventa un oggetto rituale, il cui incendio rimanda non solo all’obsolescenza programmata degli oggetti tecnologici ma anche al valore feticcio della merce, trasformata in un rituale quasi religioso. Cajsa Von Zeipel, Jack Almgren e Lucia Bayón ci mostrano anche modi di relazionarsi con la società consumistica, collegando elementi tessili nel caso di Lucia o il mondo del fast fashion con altri oggetti trovati, nel caso di Jack, parodiandoli in extremis come vediamo nelle sculture esorbitanti di Cajsa. Nel percorso espositivo si arriva alla rovina in sé, alla spazzatura destrutturata dotata di una forma architettonica, come artisti come Céline Struger, Marina González Guerreiro, Bat-Ami Rivlin o il duo formato da Ma Dallo e Lucía Dorta lavorano da prospettive diverse. Nel caso di Bat-Ami, siamo di fronte ai rifiuti domestici e ai resti della nostra stessa casa, che costituiscono una nuova realtà totalmente separata dal nostro spazio visibile. Nel caso di Maï e Lucia, il loro pezzo cerca di salvare le rovine di un’etica premoderna della cura, un sapere dimenticato i cui portatori sono state tradizionalmente le donne, bollate come “streghe”. D’altra parte, le rovine di Céline combinano figure mitologiche, come la Gorgone, con resti archetipici della nostra società industriale. Per Marina gli elementi più spendibili diventano motivi costruttivi, pezzi delicati fatti di un aspetto apparentemente superfluo. Da questa rovina si passa ai rifiuti umani: Berenice Olmedo, Luis Lece Marcin Dudek, ci mostrano modi di intendere, in definitiva, l’essere umano come parte dello stesso sistema di organizzazione dei rifiuti.

Ricordiamo che l’etimologia della parola ‘collasso’ deriva dal latino ‘collapsus’ e significa caduta totale. Lapse significa “scivolare”.

Una esposizione, quindi, che ci ammonisce: non scivoliamo, di nuovo, nello spreco della materia anche perché noi stessi di materia siamo fatti, ma anche di spirito e di conoscenza.

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Evento di FE Fabbrica dell’Esperienza Teatro e Associazione Per i Diritti umani IN MARCIA PER LA PACE

Martedì 26 Aprile ore 19.00FE Fabbrica Esperienza e Associazione per i Diritti Umani organizzano un’iniziativa per dar voce a posizioni che sono soffocate dalla propaganda bellicista.

Una serata per la pace in cui abbiamo associazioni pacifiste, giornalisti, docenti, giuristi, donne e uomini di cultura, artisti per poi lasciare spazio agli interventi del pubblico.

INTERVENGONO IN PRESENZA:

Claudia Cipriani, cineasta“LA PROPAGANDA E LA RICERCA DEL COLPEVOLE “

Annabella Coiro, esperta di nonviolenza attiva”EDUCARE ALLA NONVIOLENZA OGNI GIORNO”

Vincenzo Costa, filosofo “QUALE IDEA DI OCCIDENTE”

Francesca Cutrone, giornalista”SI VOLTA IL FOGLIO E SI VEDE LA GUERRA”

Anna Polo, attivista e redattrice “RACCONTARE LA GUERRA. VIOLENZA E NONVIOLENZA NELL’INFORMAZIONE”

Vincenzo Costa, filosofo”QUALE IDEA DI OCCIDENTE”

Amin Wahidi, cineasta, poeta e attivista”PACE: LA VERA CURA DEL MONDO”

Paolo Saporiti, songwriter

CONTRIBUTI SCRITTI:

Giansandro Barzaghi, presidente Associazione NonUnodiMeno “RIPUDIARE LA GUERRA”

Salvatore Gullì, avvocato”LA FRAGILE PACE OCCIDENTALE”

Raoul Kirchmayr, filosofo

Ivana Rinaldi, storica di genere, dei mutamenti sociali, culturali e antropologici “IN GUERRA SENZ’ARMI”

Sentiamo il bisogno di metterci insieme, portare in luce la voce della pace e possibilmente dare vita ad una azione…Che sia solo il primo passo di una marcia, che duri finché sia fatta pace!

A seguire il dibattito ci sarà un momento conviviale. Invitiamo i partecipanti a portare qualcosa da condividere.

Rivolgiamo l’invito a tutti coloro che volessero partecipare con un contributo per portare testimonianza

Scriveteci a fe@fabbricaesperienza.it IN MARCIA PER LA PACE oppure a info@peridirittiumani.com

Grazie a tutti Vi aspettiamo numerosi per stringerci in un solo grande coro. E’ gradita la prenotazione! INGRESSO LIBERO

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L’associazione Sikh per il dialogo e l’integrazione, Sikhi Sewa Society, celebra 10 anni dalla propria costituzione questo sabato, 2 aprile, presso il Tempio Sikh di Novellara, Reggio Emilia.
Sikhi Sewa Society è un’organizzazione no profit, fondata proprio a Novellara, con l’intento e la volontà di costruire un ponte tra i valori della cultura Sikh, di quella italiana e di tutte le altre presenti in Europa. Il nostro desiderio di divulgare aspetti della nostra cultura si traduce nella stesura di testi che aiutino a comprenderla: lo facciamo attraverso la pubblicazione di libri e la creazione di eventi dedicati a chiunque sia curioso di conoscere e capire la realtà Sikh.
Nel corso degli ultimi dieci anni abbiamo pubblicato oltre nove volumi trattanti di argomenti diversi del Sikhismo e distribuito gratuitamente oltre 100 mila copie. Le pubblicazioni, insieme ai svariati eventi multi-culturali e multi-religiosi ai quali abbiamo partecipato e organizzato con varie associazioni italiane, hanno creato una maggiore sensibilità culturale nei confronti della
conoscenza del Sikhismo da parte della popolazione italiana. L’informazione e il dialogo sono stati punti chiave della filosofia della società fin dall’inizio e continueranno ad esserlo negli anni a venire.

Tra le varie collaborazioni con le associazioni italiane, una delle più rilevanti è quella con le associazioni che trattano e sostengono i diritti umani, in quanto la parità e l’equità tra gli esseri umani, sono uno dei fondamentali precetti del Sikhismo.
Tratteremo più nel dettaglio tutte le varie attività e le collaborazioni degli anni passati e quelli a venire nel corso dell’evento che si terrà il giorno sabato 2 aprile, al Tempio Sikh di Novellara
(Via Lorenzo Bandini, 7 – 42017) a partire dalle ore 12.00.

Il focus principale dell’evento sarà sulla Competizione tra i giovani nei canti sacri, nella quale i partecipanti, suddivisi tra diverse fasce di età, si esibiranno in canti religiosi, con la partecipazione di gruppi da tutta Italia.

Inoltre ci saranno diverse attività che si svolgeranno nel corso della giornata:

• Esibizioni di Gatka, Arte Marziale Sikh
• Workshop sul Turbante, con possibilità di farsi legare un turbante
• Esposizione mostra sul Sikhismo e sul contributo dei soldati Sikh in Italia ed Europa
  durante le guerre mondiali
• Interventi dei vari ospiti
• Presentazione nuovi progetti della Sikhi Sewa Society
  Durante l’intero corso della giornata rimarrà aperta la mensa comunitaria, la quale servirà,
  gratuitamente a tutti i presenti, pasti vegetariani tipici della cucina indiana.
  Approfittiamo di questa opportunità per estendere l’invito a chiunque sia interessato a
  partecipare.

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di Alessandra Montesanto

Dal Nord al Sud: da Venezia, città natale dell’artista Gianfranco Meggiato, all’antica Akragas, oggi Valle dei Templi, Agrigento: ecco che 13 opere monumentali viaggiano nella geografia e nel tempo, componenti dell’esposizione all’aperto intitolata L’uomo quantico, non c’è futuro senza memoria (visitabile fino al 4 gennaio 2022) in cui Meggiato, ispirandosi alla teoria della Fisica quantistica secondo cui i fotoni si comportano come onde e quando un osservatore qualsiasi guarda l’esperimento, le particelle lo percepiscono e mutano la loro natura da onda a raggio: l’Uomo è, nella ricerca artistica oggi presentata in questa rubrica, in grado di costruire un nuovo futuro, dopo aver acquisito consapevolezza del passato.

Gianfranco Meggiato trae ispirazione anche dalla forma minimale di Brancusi, dalle donne di Moore, dalla leggerezza di Calder…ma molti altri potrebbero essere i colleghi di riferimento; il risultato, in questo suo nuovo corpus, è quello di sculture a forma di sfere o di parallelepipedi, ad esempio, che con la loro morbida circolarità o con il loro slancio verso l’alto, rimandano a temi filosofici, teologici, antropologici e attuali (oltre che alla Scienza): personaggi mitologici e simbolici dialogano, grazie alle opere, con le tracce del passato, diventando allegorie della Vita che si dipana nei secoli, ogni volta diversa e, allo stesso tempo, ogni volta uguale.

Di fronte alle colonne del tempio dei Diocsuri si trovano le sculture intitolate “Il volo” e “L’attimo fuggente” che idealmente rappresentano Castore e Polluce e il concetto di caducità; il Tempio di Giunone fa da sfondo a “Lo specchio dell’assoluto” (opera inedita di quattro) che emana un’energia vibrante data da sfere luminose che si fanno squarci di coscienza; al lato del tempio di Zeus sono collocate “Sfera acquarius” e “Quanto di luce”, di colore nero, magmatico che rifrange i raggi di sole, diffondendo bagliori ambrati: dalla terra al cielo, il percorso dell’anima umana…Forse.

Molti i materiali utilizzati per le opere: il bronzo, l’alluminio, l’ottone, l’acciaio in un gioco affascinante di pieni e di vuoti, di superfici opache e specchianti, in cui lo sguardo si perde, si insinua, come nel labirinto della mente, dell’esistenza, della Storia.

Una ricerca, un’idea concettuale raffinata e ricca di riflessioni che abbracciano varie disclipline per rimettere al centro l’Uomo, con le sue fragilità, ma soprattutto con la sua capacità di elaborare e di apprendere per evolversi. Un bellissimo messaggio di speranza e di invito al nutrimento di Sè per il bene di tutti.

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Associazione Per i Diritti umani, oltre ai laboratori formativi che riguardano la Giustizia sociale e il Cinema e le periferie, propone il seguente:

Se interessati; scrivete pure a: lale.monte@gmail.com oppure peridirittiumani@gmail.com

Dalla Poesia alla…Filosofia

Partendo dalla lettura della raccolta di poesie intitolata “Ti sono grata in silenzio”, Nulla die edizioni, di Alessandra Montesanto, il laboratorio consiste nell’affrontare alcuni argomenti filosofici che, da Platone ad Erasmo da Rotterdam, riguardano in particolare:

• la categoria del Tempo (con riferimentoa Sant’Agostino e alla serie TV “DARK”)
• cosa si intende per follia (con riferimento ad Alda Merini e al pittore Ligabue)
• che importanza diamo oggi alle emozioni (con riferimento a Umberto Galimberti)

Il laboratorio è rivolto alle classi delle scuole SUPERIORI

Prevede due ore di lezione in presenza oppure online con la proiezione di materiale visivo.

Previa lettura della raccolta di poesie da parte dei partecipanti.

Gli studenti saranno, poi, chiamati a realizzare un proprio lavoro finale (poetico o visuale) che verrà pubblicato sul giornale online dell’Associazione Per i Diritti umani (www.peridirittiumani.com)?utm_source=rss&utm_medium=rss e sui canali social della stessa e/o in una mostra all’interno dell’istituto scolastico.

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