di Filippo Cinquemani

Una delle piacevoli sorprese di Diversinsieme di quest’anno è Giorgia Meneghesso che intervistiamo oggi:
nata l’8 ottobre del 1978, vive in provincia di Varese. È laureata in Lingue e letterature Straniere all’Università Cattolica del Sacro Cuore di Milano, dopo due master in Traduzione Letteraria e scientifico- tecnologica, avendo una disabilità motoria derivata dall’Osteogenesi Imperfetta, si è sempre occupata di attivismo per i diritti delle persone con disabilità, ben prima che di queste cose se ne parlasse sui social e che il termine abilismo si conoscesse anche in Italia.
Rappresentante regionale di As.It.O.I (Associazione Italiana Osteogenesi Imperfetta), si occupa di attività di informazione sulla patologia e collabora nella creazione di eventi, congressi medici, contatti con i pazienti, strutture ospedaliere, spettacoli di crowdfunding. Fa parte del Gruppo Donne Uildm (Unione Italiana Lotta alla distrofia Muscolare) e sempre in qualitá di attivista partecipa a festival e manifestazioni, dove oltre ad esibirsi come cantante, tiene speech sull’argomento disabilità e discriminazioni.

Ricordi quando hai deciso di fare musica?

È difficile spiegare da dove derivi una passione. È una cosa che ho sempre saputo di voler fare e sapere
fare bene. Fin da piccolissima quando mi veniva chiesto cosa avrei voluto fare da grande, rispondevo
sicura:” la cantante”. Per me era ovvio anche da ragazzina, passare molto tempo da sola per imparare i testi
delle canzoni, a cercare di capire, trascrivere e tradurre quelli in inglese, ascoltare, ripetere melodie e
consumare quelle che una volta erano le mitiche musicassette.
Diciamo che ho avuto la fortuna di vivere l’adolescenza negli anni 90’, che musicalmente sono stati una
bomba. Nel 1995 e nel 1997 sono usciti due album che hanno decisamente segnato i miei gusti musicali.
Rispettivamente Jagged little Pill di Alanis Morissette e Pipes and Flowers di Elisa. Due voci femminili
pazzesche che hanno cambiato il mio rapporto con la musica. Alanis con il suo modo di cantare nuovo,
diverso e sofferto ed Elisa, la prima cantante italiana che cantava in un inglese perfetto con dei testi mai
banali e pieni di immagini potenti. Entrambe mi hanno fatto innamorare della voce e incuriosire sui
meccanismi che stanno dietro la sua produzione. Da allora ho deciso che avrei iniziato a studiare canto e le
tecniche vocali e non ho mai smesso di farlo ed esibirmi, anche se in maniere diverse.

Quando e come ti sei avvicinata al mondo dell’attivismo?

Sono cresciuta, per mia sfortuna in un ambiente terribilmente abilista, cattolico e retrogrado, che mi ha
portato a vergognarmi della mia disabilità e a pensare che in quanto persona disabile, valevo meno degli
altri. Mi sono spesso sentita quella sbagliata con problemi nel relazionarmi e in dovere di dimostrare
qualcosa.
Sapevo che quindi, c’era qualcosa che non andava nel mio rapporto con la società, ma non sapevo che
questa cosa avesse un nome. Ho iniziato a fare attivismo da subito, quando ancora forse questa definizione
non era diffusa, quando non c’erano i social e l’abilismo non si sapeva cosa fosse. L’attivismo si faceva dal
vivo, attraverso associazioni di genitori di persone con disabilità, andando nei comuni, scrivendo lettere,
organizzando raccolte fondi per sensibilizzare sugli argomenti legati alla disabilità, che erano principalmente
ancora temi medici. Ma questo modo di fare attivismo non mi rispecchiava. Con l’arrivo di Internet e dei
social ho potuto conoscere il vero attivismo, quello fatto dalle persone disabili, per i diritti delle persone con
disabilità. Ho capito che tutte le discriminazioni che avevo vissuto avevano un nome: abilismo e che
esistevano libri, corsi e persone, gli attivisti per i diritti delle persone disabili, che si occupavano di questo
tema. Ho incominciato a studiare, ad informarmi e ho capito che quel modo di fare attivismo era quello più
adatto a me. È per questo che da allora tengo speech in eventi, convegni, scrivo articoli, faccio consulenze sul tema D&I e parlo di questo argomento anche nei miei spettacoli musicali.

Ci parli di I Was Born this way?

Ho deciso di provare a scrivere uno spettacolo nel quale mettere in scena la mia storia personale, di
donna e artista con disabilità. In un dialogo tra me e il pubblico, fatto di battute, riflessioni ed interazione, lo
accompagno in un viaggio tra la musica e concetti come l’abilismo, con le canzoni che hanno segnato la mia
vita, suonate dal vivo, con musicisti professionisti e nuovi arrangiamenti.
I Was Born this Way è una celebrazione dell’unicità di ciascuno che ha senso se fa parte di un collettivo che
si muove insieme per migliorare le cose.
È anche uno spettacolo accessibile, a partire dalla scelta dei luoghi in cui viene messo in scena. Sarà
presente sul palco un’interprete LIS che tradurrà le parti recitate e interpreterà i testi delle canzoni.
Verranno distribuiti palloncini per far sentire le vibrazioni della musica e tappi per le orecchie per chi è
suscettibile ai rumori forti. I video avranno i sottotitoli e i testi delle canzoni saranno tradotte.

Una frase d’incoraggiamento?

Non ho la ricetta per combattere l’abilismo, ma credo che diventare sempre più consapevoli delle
discriminazioni ancora esistenti nei confronti delle persone con disabilità e dello stigma a cui siamo
sottoposte, sia il punto di partenza fondamentale, per questo invito tutti ad informarsi continuamente, a
seguire attivist disabili e a partecipare ad eventi come Diversinsieme.
Ringrazio Giorgia e se volete saperne di più di lei il suo canale Istagram è _incatiamoci. Alla prossima!

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di Alessandra Montesanto

E’ la prima retrospettiva all’estero dedicata ad André Butzer dal titolo che riporta il nome dello stesso artista, esposta fino al 10 settembre 2023 al Museo Thyssen-Bornemisza di Madrid, in occasione del 50mo anniversario del pittore.

L’esposizione comprende 22 opere realizzate tra il 1999 e il 2022.

La convinzione di Butzer è quella che “i dipinti siano luoghi della più grande disperazione e della più grande speranza”, soprattutto in un’epoca difficile come quella contemporanea, e quindi “più vicini alla gioia e all’aiuto di cui abbiamo tanto bisogno” (dal catalogo).

Alcune opere sono molto colorate, presentano un tratto volutamente infantile e con rimandi alle fiabe; altre sono in bianco e nero o in sfumature di grigio; tutte molto materiche, pastose: sembra quasi, a volte, che il segno esca dalla tela e vada incontro ai visitatori, coinvolgendoli nella serenità inconsapevole dei bambini o nella paura e nella violenza degli adulti.

Segue…

Classe 1973, nato a Stoccarda, André Butzer predilige la figura umana, ma spesso questa è deformata, infantilizzata,, decostruita: gli occhi grandi e vuoti ricordano alcuni personaggi di Walt Disney, altri rimandano ai ritratti degli Espressionisti e questo mostra la vasta cultura iconografica del pittore che spazia dall’Arte classica a quella moderna-contemporanea, per passare dalla Comunicazione anche postmoderna, come si evince dall’uso psichedelico delle tinte.

Segue…

Nella serie intitolata semplicemente “N” e iniziata nel 2010, l’artista si riferisce alla Nasa e si discosta dall’uso dei colori squillanti, più felici e divertenti, per raccogliersi – e far raccogliere gli spettatori – in una riflessione più drammatica sul Presente, spegnendo i quadri e segnando lo spazio più scuro e malinconico con linee chiare, bianche, nette oppure con linee e volti turbati, schiacciati, “mossi” come le emozioni più recondite e sepolte nell’animo umano. La riflessione, però, riguarda anche l’origine dell’opera d’arte: Nasa è l’acronimo dell’organizzazione americana per la navigazione spaziale e, grazie al pensiero concettuale di Butzman, diventa quel non-luogo, quel cosmo primordiale da cui nasce la creatività e la successiva riflessione artistica, con il lavoro concreto.

Segue…

La luce è importante, così come la relazione con chi osserva: bisogna entrare nel quadro, sorridere oppure preoccuparsi. Il quadro finisce per crearsi proprio grazie al rapporto con chi è davanti e si viene a creare, così, un gioco di specchi, un osmosi – che è poi il vero obiettivo di ogni opera culturale – che non può lasciare indifferenti.

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Di Alessandra Montesanto

Ad alcuni può sembrare blasfema, ma questi non saranno toccati dalla grazia e dalla profondità di un pensiero differente ma profondo tanto quanto quello tradizionale sulla Fede, nonostante l’impatto visivo sia barocco, fantasioso, teatrale. La mostra intitolata “I believe in miracles” di David LaChapelle è una festa per gli occhi e per lo spirito.

Cinquantatre anni, l’artista americano allievo di Andy Warhol che gli proporne di realizzare alcuni servizi per la mitica rivista Interview, allestisce al MUDEC (Museo dei Popoli e delle Culture di Milano) fino all’11 settembre, 90 opere fotografiche in forma di grandi e avvolgenti pannelli, site-specific, videoinstallazioni, dai colori saturi, materici e dalle figure con paesaggi che vengono a comporre set visionari, intrisi di riflessioni sull’attualità (sul clima, sulle relazioni tossiche, sui conflitti, sulla devozione al denaro e sull’allontanamento da un dio positivo, qualunque esso sia) per diventare sempre più un discorso intimo sulla fugacità umana e sul rapporto con il Sacro, rapporto iniziato da LaChapelle già negli anni ’80 (dopo la perdita di cari amici per HIV) e continuato fino al 2005 in seguito all’opportunità di visitare in solitudine la Cappella Sistina; da qui l’approccio ai temi metafisici si è intensificato in una ricerca che, oggi, vede le opere della sua produzione unire il Passato al Presente.

“Credo fermamente nei miracoli, ho avuto esperienze che possono considerarsi tali, ho pensato dunque che il titiolo in questione fosse appropriato, brutalmente onesto; per trattare argomenti simili, con tutta la vulnerabilità del caso, ci vuole un po’ di coraggio”, così afferma l’autore in un’intervista per Artribune: il Fato ci consegna alcune carte da giocare, poi dipende da ciascuno di noi come gestire la partita, insomma. Se poi si cerca la dimensione spirituale il gioco si fa ancora più interessante.

Molte tra le opere presenti in mostra rimandano alle serie più famose dell’artista, come i famosissimi scatti che hanno reso David LaChapelle un’icona vivente della cultura pop. Basti pensare alle innumerevoli collaborazioni con star internazionali del calibro di Madonna, Britney Spears, Michael Jackson, Kim Kardashian, David Hockney, Angelina Jolie, Elizabeth Taylor, Hillary Clinton, Muhammad Ali, Jeff Koons, Uma Thurman, David Bowie. 

Molte altre fotografie – che invitiamo ad osservare nei minimi particolari come in un dipinto di Bruegel perchè narrano storie complesse o riprendono passi della Bibbia e del Vaneglo sempre in modalità postcontemporanea – catapultano gli spettatori in un mondo che sovverte le regole, ma che affonda la lama nel substrato sociale e nelle coscienze, regalando molte suggestioni che ciascuno elaborerà dentro di sé.

“Ognuno ha il suo percorso, ma siamo tutti sommersi e inghiottiti dalla realtà che si sta distruggendo, dal materialismo; ci vuole una grade forza per proteggersi da tutto ciò, la natura può sicuramente aiutare, idem la solitudine; dove abito io non ci sono cellulari, sto vivendo alo stesso modo in cui sono cresciuto, da solo, per avere la possibilità di farmi domande e mantenermi sul giusto percorso, senza venire risucchiato dal mondo esterno”, continua LaChapelle nell’intervista.

Il suo lavoro potrà sembrare kitch e provocatorio, ma se riesce a far vibrare la mente e il cuore, allora funziona. Per noi l’esposizione è un gran bel regalo e vi raccomadiamo di porvi sempre tante, tante domande.

Vademecum

MUDEC Via Tortona 56, tel. 02/54917 (lun-ven 10.00-17.00) 

DATE 22/04 – 11/09/2022 

ORARI Lun 14.30 ‐19.30 | Mar, Mer, Ven, Dom 09.30 ‐ 19.30 | Gio, Sab 9.30‐22.30 

BIGLIETTI Intero € 15 | Ridotto € 13 

Il servizio di biglietteria termina un’ora prima della chiusura. 

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di Alessandra Montesanto

Enigmatica la vita e l’Arte dell’artista Antonio Ligabue: nato in Svizzera, ma dato poi in adozione, muta il proprio cognome (materno, Laccabue) in Ligabue. Un’infanzia travagliata, quella dell’artista, a causa delle difficili condizioni economiche della coppia che lo aveva in affido e a causa delle malattie di cui era affetto, il gozzo e il rachitismo, condizioni che compromisero lo sviluppo fisico e psichico della persona. Dopo aver aggredito la madre adottiva, viene espulso dalla Svizzera e ospitato in Italia, a Gualtieri, dove conduce una vita da nomade, lavorando saltuariamente come bracciante o manovale. Solo nel 1928, grazie all’incontro con Renato Marino Mazzacurati che ne comprese il talento artistico, decise di dedicarsi totalmente alla pittura e alla scultura, le uniche sue possibilità di mitigare le ossessioni e la solitudine profonda.

Ripercorriamo una parte delle opere di Antonio Ligabue in una esposizione allestita presso: Villa reale di Monza: “Antonio Ligabue. L’uomo, l’artista” visitabile fino al 1 maggio 2022

La sua ansia di libertà è nelle penne del volatile, la sua rabbia (e il suo dolore) nella lotta delle fiere. Se crediamo che l’Arte sia comunicazione, l’Arte di Ligabue è proprio questo: comunica le angosce, più o meno consapevoli, di ogni essere umano tramite uno stile “zavattiniano”, popolare, che può essere ricondotto al Primitivismo in pittura, al Realismo in Letteratura e al Neorealismo in Cinematografia.

La rappresentazione della realtà è filtrata dalle necessità interiori dell’artista, la gioia improvvisa come il tormento, così come i suoi numerosi autoritratti che vogliono indagare l’anima, ma l’anima di un estraneo, di chi non si riconosce nemmeno nel proprio volto.

Sembra quasi di sentire gli odori di ciò che ritrae: dell’erba appena tagliata, della terra bagnata dalla pioggia, del sangue versato dagli animali, dei campi arati; oppure di sentirne i rumori: del fulmine che squarcia il cielo, della bestia che ruggisce, di quella che si lamenta prima di morire…Un uomo immerso, in maniera totalizzante, nella Natura che lo circonda, una sineddoche: una parte (Ligabue) per il tutto (il cosmo).

Figure, colori, movimento: è proprio l’incanto del Tutto che vuole raffigurare, quella meraviglia che lui stesso ha provato, esaltato dalla follia che accompagna i suoi giorni e il suo sguardo; quella follia che lo induce a farsi animale, nella postura e nei versi emessi dalla bocca, e ritorna il senso di una comunicazione non verbale, non necessariamente razionale, ma istintuale, priva delle sovrastrutture della cultura e della civiltà. Un “Ragazzo selvaggio”, per recuperare di nuovo un riferimento filmico, un “Candide” per citare Voltaire: questo è stato Ligabue, un folle che ha amato, più di chiunque altro, gli esseri fragili come lui e gli esseri potenti come avrebbe forse voluto essere, cogliendo con grande lucidità lo squilibrio ontologico nel vivente, tra deboli e forti, nell’eterna lotta per la sopravvivenza, e cogliendo in maniera espressiva grazie all’impasto cromatico che rende sulle tele, quanto il Potere sia il motore di ogni azione, ragionata e non.

La scultura è parte integrante della sua produzione artistica: il 16 maggio del 1941 Ligabue può uscire dall’ospedale psichiatrico in cui era stato internato e sono gli anni della seconda Guerra mondiale: i due eventi sono tra loro correlati in quanto la violenza del conflitto e quella nel manicomio riportano alla sua mente il ricordo del patrigno bavarese, spesso ubriaco che lo picchiava con la cinghia. Il ricordo viene utilizzato dall’artista in maniera eidetica, ovvero l’immagine prende vita PRIMA nella mente dell’autore dell’opera e successivamente nell’opera stessa. Ecco, così nascono i dipinti e le sculture di Ligabue: in particolare in queste ultime Ligabue dalla pittura passa a dare forma plastica ai suoi soggetti, realizzati in terracotta con dovizia di particolare e precisione maniacale (oggetti che successivamente furono fatti cuocere in fornace per fermarli nelle forme di bronzo e conferire loro eternità); le sculture sono prova ulteriore del genio artistico di un uomo profondamente malato ed emarginato che, nonostante questo, ha saputo sprigionare una grande creatività, una enorme energia grafica e manuale e una sapienza rara nello stare nel e per il mondo naturale. Un invito, quello di Ligabue, che dovremmo rifare nostro.

Per chi non lo avesse già visto, consigliamo la visione del film intitolato “ Volevo nascondermi” di Giorgio Diritti, proprio sulla figura dell’artista.

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Tania Bruguera è considerata una delle artiste più influenti del mondo contemporaneo e il PAC (Padiglione di Arte contemporanea di Milano) accoglie una sua esposizione dal titolo: “La verità anche a scapito del mondo”, a cura di Diego Sileo, visitabile fino al 13 febbraio 2022.

Bruguera, forte del suo impegno nell’attivismo, produce opere ad ampio raggio in grado di restituire la complessità della nostra realtà; nata a l’Avana, dieci anni dopo l’ascesa del regime castrista, ha da giovane avviato la propria carriera basata sull’indaigne di argomenti quali: l’emigrazione, l’esilio, la memoria collettiva, la manipolazione della Storia, la censura…A partire dagli anni 2000 tte in atto progetti artistici partecipativi, funzionanti cioè solo in presenza di una comunità, eliminando il confine tra Arte e Vita e trasformando il linguaggio estetico in uno strumento utile per l’indagine o la risoluzione di problemi sociali, legati in particolare ai diritti umani.

“La verità a scapito del mondo”: il titolo della mostra si riferisce ad un talk show della Germania Ovest a cui partecipò Anna Arendt nel 1964: il conduttore le chiede se ci siano motivi validi per tacere su alcune cose che la filosofa sa, e la Arendt risponde: “Fiat veritas et pereat mundus” – Sia detta la verità anche a scapito del mondo, invertendo la locuzione latina originale che recita: “fiat iustitia et pereat mundus”; l’esposizione del PAC è la prima dedicata all’artista in Italia.

STANZA 1

In meno di dieci anni l’Europa ha costruito chilometri di frontiere per ostacolare i flussi migratori. Bruguera ci ricorda che “il misero trattamento riservato ai migranti oggi, sarà il nostro disonore di domani”. Per farlo adotta un parallelismo storico: il filo spinato presente nella bandiera è stato cucito – con la collaborazione di ANED (Associazione Ex Deportati nei campi nazisti) – da tre sopravvissuti di Auscwitz e Mauthausen e da alcuni figli di deportati durante la Seconda Guerra Mondiale. Il gesto collettivo, unito all’azione del cucire, congiunge una vita in un’unica. Si tratta di una denuncia corale contro le ingiustizia a danno dei migranti.

STANZA 3

Una stanza spoglia le cui pareti bianche rilasciano un composto organico al mentolo per indurre i visitatori al pianto di fronte ad una cifra in continua crescita del numero dei morti nel Mediterraneo, dal 2014 ad oggi. La stanza fa riferimento al “non-luogo” di Augè che qui, invece, viene pensato come spazio di riflessione.

STANZA 4

Dall’inizio della sua carriera l’artista presta attenzione al tema della diaspora, anche perchè tra il 1959 e il 1966 trecentomila persone sono state costrette ad emigrare negli USA, dopo l’ascesa al potere di Fidel Castro. L’opera “Tabla de salvation (Tavola di salvezza), è un monumento alla consapevolezza: il marmo nero richiama i monumenti funebri, mentre le aste di legno alludono ad uno scafo. Infine, il cotone usato per le medicazioni, evidenzia la grande ferita da sanare.

“Estdìstica” torna ad essere esposta al pubblico dopo quasi trent’anni: la bandiera, ridisegnata sul modello di quella cubana, è costituita da capelli donati da cittadine e cittadini.

Da un lato costituisce un tentativo di riappropriazione del potere di cui il popolo è stato privato, dall’altro rappresenta lo stendardo funebre di tutte le contraddizioni irrisolte di Cuba.

STANZA 5

“Il lavoro rende liberi”: sono queste le parole poste all’ingresso di molti campi di concentramento nazisti. La frase fu utilizzata per la prima volta a Dachau, nel 1933: primo lager ideato dal regime nazista per i dissidenti politici e poi per ebrei, omosessuali, nomadi e testimoni di Geova.

L’atto performativo costituisce la natura stessa dell’opera: mette a nudo le contraddizioni dei sistemi dittatoriali, basati su logiche di produzione e ordine, a scaoito della dignità dell’essere umano.

Nel parterre dello spazio espositivo si trova un’opera dedicata alla situazione di eterno conflitto israelo-palestinese: dal 1948 – anno in cui l’ONU dichiarava la nascita dello stato di Israele – le guerre civili e gli attacchi terroristici non hanno fatto altro che inasprirsi.

Gaza è abitata da quasi 2 milioni di persone, appartiene ai palestinesi, ma di fatto è soggetta a un forte controllo israeliano. In “Sin titulo”, la Bruguera crea un ambiente in cui il bianco va a contrasto con il caos e la distruzione degli attacchi e pone due bare al centro per ricordarci le conseguenze di tutti i conflitti.

Si sale al primo piano dove si assiste ad una performance ( a cura di CubeArt Cuba e Ana Maria Pedroso) in cui tre attori, a voce alta, all’interno di una stanza buia pervasa dall’odore acre delle canne da zucchero, elenecano i nomi dei prigioniri politici oggi nell’isola. Le ingiuste detenzioni sono dovute alle manifestazioni pacifiste dell’11 e 12 luglio scorso, quando molti cittadini sono scesi in piazza per protestare a causa delle insufficienti risorse sanitarie contro la pandemia.

I pannelli esposti su una delle pareti esplicano i concetti artistici di Tania Bruguera. “Arte de conducta” , Arte del comportamento: descrive un’arte che usa come materiale il comportamento umano, l’atteggiamento sociale e la mentalità. Consiste nel presentare una situazione che sfida gli osservatori a diventare cittadini attivi, chiedendo loro di servirsi di azioni per trasformare il comportamento; la reazione del pubblico è proprio ciò che completa e dà significato all’opera; “Arte utìl”, Arte utile: ha per principio l’arte come dispositivo o strumento di un processo di implementazione sociale, per modificare alcuni aspetti della società e immaginare, creare un mondo diverso; “Est-Etica”, in italiano e in spagnolo la parola “Estetica” contiene il termine “Etica” e ciò significa comprendere le possibilità di cambiamento. Si tratta dell’energia generata dall’opera d’arte, è l’affermazione che l’Etica può avere anche un effetto estetico e viceversa. “Artivism” è la crasi tra arte e attivismo. Anzichè aderire a schemi tradizionali, l’Artivismo può cogliere di sorpresa perchè l’azione creativa è qualcosa di inaspettato, che previene ogni reazione e serve a esprimere l’opinione pubblica tramite un liguaggio creativo; infine “L’Arte per il non ancora/per ciò che deve ancora venire” analizza le condizioni e le tecniche esistenti di governi e sistemi per evitare modalità prevedibili di potere e di controllo: è necessaria un’attività preventiva per evitare di cadere di nuovo nei totalitarismi.

Il resto è da scoprire…visitando la mostra.

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di Alessandra Montesanto

Dal Nord al Sud: da Venezia, città natale dell’artista Gianfranco Meggiato, all’antica Akragas, oggi Valle dei Templi, Agrigento: ecco che 13 opere monumentali viaggiano nella geografia e nel tempo, componenti dell’esposizione all’aperto intitolata L’uomo quantico, non c’è futuro senza memoria (visitabile fino al 4 gennaio 2022) in cui Meggiato, ispirandosi alla teoria della Fisica quantistica secondo cui i fotoni si comportano come onde e quando un osservatore qualsiasi guarda l’esperimento, le particelle lo percepiscono e mutano la loro natura da onda a raggio: l’Uomo è, nella ricerca artistica oggi presentata in questa rubrica, in grado di costruire un nuovo futuro, dopo aver acquisito consapevolezza del passato.

Gianfranco Meggiato trae ispirazione anche dalla forma minimale di Brancusi, dalle donne di Moore, dalla leggerezza di Calder…ma molti altri potrebbero essere i colleghi di riferimento; il risultato, in questo suo nuovo corpus, è quello di sculture a forma di sfere o di parallelepipedi, ad esempio, che con la loro morbida circolarità o con il loro slancio verso l’alto, rimandano a temi filosofici, teologici, antropologici e attuali (oltre che alla Scienza): personaggi mitologici e simbolici dialogano, grazie alle opere, con le tracce del passato, diventando allegorie della Vita che si dipana nei secoli, ogni volta diversa e, allo stesso tempo, ogni volta uguale.

Di fronte alle colonne del tempio dei Diocsuri si trovano le sculture intitolate “Il volo” e “L’attimo fuggente” che idealmente rappresentano Castore e Polluce e il concetto di caducità; il Tempio di Giunone fa da sfondo a “Lo specchio dell’assoluto” (opera inedita di quattro) che emana un’energia vibrante data da sfere luminose che si fanno squarci di coscienza; al lato del tempio di Zeus sono collocate “Sfera acquarius” e “Quanto di luce”, di colore nero, magmatico che rifrange i raggi di sole, diffondendo bagliori ambrati: dalla terra al cielo, il percorso dell’anima umana…Forse.

Molti i materiali utilizzati per le opere: il bronzo, l’alluminio, l’ottone, l’acciaio in un gioco affascinante di pieni e di vuoti, di superfici opache e specchianti, in cui lo sguardo si perde, si insinua, come nel labirinto della mente, dell’esistenza, della Storia.

Una ricerca, un’idea concettuale raffinata e ricca di riflessioni che abbracciano varie disclipline per rimettere al centro l’Uomo, con le sue fragilità, ma soprattutto con la sua capacità di elaborare e di apprendere per evolversi. Un bellissimo messaggio di speranza e di invito al nutrimento di Sè per il bene di tutti.

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Con la presente, Associazione Per i Diritti umani (con Amin Wahidi, regista e poeta hazara, Marco Sonseri, fumettista) lancia un appello affinché le istituzioni, i media, le e gli attiviste/i si mobilitino per aiutare il Sig. ALIZADA e la sua famiglia a scappare da Kabul al più presto.

Vi chiediamo, quindi, per favore: di firmarmarla, di rimandarcela e di farla circolare.

Noi provvediamo a farla arrivare a chi ha (o avrebbe) il potere di fare qualcosa di concreto.

Grazie.

Milano, 18 settembre 2021

Alle istituzioni, alle organizzazioni per la tutela dei diritti umani e degli artisti, alle ambasciate estere e alle agenzie di cooperazione internazionale

Con la presente, Associazione Per i Diritti umani vorrebbe chiedere un aiuto urgente per quanto riguarda un artista afgano, caricaturista e fumettista, che ha lottato contro il fondamentalismo attraverso la sua arte.

Il Sig. ALIZADA è il caricaturista e fumettista più acclamato dell’Afghanistan che ha lavorato con acclamati giornali nazionali come DAILY AFGHANISTAN e OUTLOOK AFGHANISTAN come caricaturista. Ha anche lavorato nella sezione MEDIA delle forze ISAF a Kabul.

Il sig. Alizada è stato uno dei critici più diretti dei talebani e dei fondamentalisti in generale, e la sua caricatura raffigura chiaramente il volto brutale dei fondamentalisti e dei terroristi talebani in Afghanistan, quindi è uno dei primi obiettivi dei talebani e ha urgente bisogno di protezione.

Attualmente vive a Kabul, in clandestinità. Cambia la sua posizione, vivendo nelle case dei parenti, per essere salvato dalle mani dei talebani.

Il signor ALIZADA e la sua famiglia hanno urgente bisogno di essere evacuati dall’Afghanistan, altrimenti saranno puniti, torturati e persino uccisi dai talebani solo per la sua arte e le sue critiche.

Dal 2006 ad oggi ha collaborato con due quotidiani “Afghanistan” e “Outlook Afghanistan” come vignettista pubblicando una vignetta al giorno. Finora il totale delle vignette pubblicate ha raggiunto le 4.000 copie dove la maggior parte di esse mostrava il terrore e i crimini che i talebani hanno perpetrato fino ad oggi.

http://www.dailyafghanistan.com/?utm_source=rss&utm_medium=rss Thedailyafghanistan@yahoo.com http://www.outlookafghanistan.net/?utm_source=rss&utm_medium=rss outlookafghanistan@gmail.com

In 10 anni ha pubblicato più di 100 vignette contro i talebani che hanno ricevuto avvertimenti in pericolo di vita e hanno fatto sì che vivessi la mia vita nascosta.

Nel 2005 ha fondato la rivista mensile “Shakhgoi” e ho creato dozzine di vignette contro i talebani.

Nel 2016 ha fondato la rivista specializzata di fumetti e ha pubblicato decine di vignette contro i talebani.

Le caricature del sig. ALIZADA vengono pubblicate sui giornali nazionali afghani: http://www.outlookafghanistan.net/assets/epaper/August%2007,%202021/OUTLOOK.pdf?utm_source=rss&utm_medium=rss http://www.outlookafghanistan.net/assets/epaper/August%2004,%202021/OUTLOOK.pdf?utm_source=rss&utm_medium=rss http://www.outlookafghanistan.net/assets/epaper/August%2001,%202021/OUTLOOK.pdf?utm_source=rss&utm_medium=rss http://www.dailyafghanistan.com/assets/epaper/4271-04-08-2021/Today%20Epaper.pdf?utm_source=rss&utm_medium=rss http://www.dailyafghanistan.com/assets/epaper/4268-01-08-2021/Today%20Epaper.pdf?utm_source=rss&utm_medium=rss

ALIZADA è uno degli artisti più vulnerabili e bisognosi di questi tempi che dovrebbe essere evacuato dall’Afghanistan. Chiediamo l’intervento tempestivo delle istituzioni italiane, delle ambasciate e delle organizzazioni che possano aiutare il Sig. ALIZADA e la sua famiglia.

Per ulteriori informazioni e per un vostro gentile riscontro, potete scrivere al seguente indirizzo email: peridirittiumani@gmail.com

Cordiali saluti,

Matteo Grop, presidente Associazione Per i Diritti umani

Associazione Per i Diritti umani – Milano, Italia

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Associazione Per i Diritti umani ha intervistato la fotografa e artista Romina Pilotti che, con la poetessa Agnese Coppola, ha realizzato il progetto Ric-amati. Fili d’arte e parole: diritti delle donne e impegno civile e tanta sensibilità sono i tratti comuni delle due professioniste e delle loro opere.

Di Alessandra Montesanto

Lo scorso 11 agosto è stata inaugurata la mostra “Ric-amati” presso la sala Artemedia di Cervia. Da dove nasce questo suo ultimo lavoro?

Il progetto “Ric-amati. Fili d’arte e parole” nasce da un incontro, quello di due donne che hanno voluto coniugare la propria arte con l’impegno civile.
Ho conosciuto la poetessa Agnese Coppola una sera di giugno, in occasione di un reading poetico organizzato presso la Casa-museo “Alda Merini” a Milano. Un incontro proficuo per entrambe, che ci ha incoraggiato a riflettere sulla condizione femminile e che ci ha spinto infine, ad ideare il progetto Ric-amati per valorizzare la donna.
Io avevo realizzato, in precedenza, alcuni scatti sulle mani di donna che ricamano, pertanto, ho deciso di continuare a lavorare con questo soggetto.
Ric-amati, nato con un significato metaforico – la donna che ricama se stessa, che tesse la vita e le relazioni – , nel tempo ha acquisito un valore documentaristico; ho fotografato donne in tutta Italia e in Europa e molte tipologie di ricamo e lavori a maglia: macramé, chiacchierino, tombolo, punto d’Irlanda, lavorazioni celtiche, etc. Pertanto, oggi, questo progetto si presta a diverse interpretazioni, come momento di riflessione sulla condizione femminile, ma anche come recupero e valorizzazione del lavoro manuale e artigianale e rispetto delle tradizioni tessili locali.

Quando è iniziato il suo percorso professionale?

Credo di aver sempre amato la fotografia, fin da quando ero una ragazzina. Potevo stare ore a guardare delle fotografie e mi piaceva farmi fotografare dai miei familiari. Qualche volta utilizzavo una macchina fotografica di cartone “usa e getta”, ma notavo che, nonostante la limitatezza dello strumento, le mie foto non erano niente male. Poi, ho iniziato a scattare foto con la mia prima macchina fotografica, una semplice pocket, ricevuta in regalo. Nel tempo, l’interesse per la fotografia é cresciuto e così ho iniziato a frequentare fotoclub, a leggere libri e a visitare le mostre dei grandi e piccoli nomi della fotografia.
Ho capito che la fotografia era diventata per me una vera passione quando una mia foto è stata selezionata per un’importante mostra collettiva esposta a Palazzo Marino, sede del Comune di Milano. Da quel giorno non mi sono piú fermata. Ho iniziato a pensare e a lavorare per progetti, non più limitandomi a scattare una ” bella foto” e consapevole che il mio percorso fotografico fosse solo all’inizio.

Il tema dei diritti delle donne fa parte della sua ricerca artistico/fotografica: ci racconta come affronta questo argomento, qual è il suo approccio?

Sento la responsabilità dei lavori che realizzo e non riesco a scattare “a cuor leggero”; mi pongo sempre tante domande sul messaggio che voglio far arrivare e sul come farlo arrivare al meglio.
Su alcune tematiche non si puó essere superficiali e occorre utilizzare con attenzione immagini e parole. Ecco! Anche le parole sono importanti e, non a caso, sono una parte fondamentale del progetto Ric-amati.
Sento, inoltre, come un mio bisogno quello di promuovere i diritti delle donne attraverso i miei lavori. Ogni giorno, le donne sono oggetto di pressioni psicologiche, di attenzioni indesiderate, di pregiudizi, da parte sia di altre donne che degli uomini. Le racconto un episodio accadutomi proprio ieri sera durante la mia mostra, mentre ero con una cara amica. Un uomo si avvicina all’ingresso della sala, scrutando me e la mia amica dalla testa ai piedi, poi ci rivolge queste parole: “Dove sono i vostri uomini?”. Mi sono sentita offesa e irritata. Mi chiedo come, in un paese civile, si possa considerare il valore di una donna dal fatto che abbia o meno un uomo accanto. Lo trovo vergognoso!

Spesso ama scattare le fotografie in verticale, perchè?

Sí, é vero, la gran parte dei miei scatti ha un formato verticale, ma non é una scelta ragionata o voluta; credo sia una questione di gusto, come chi predilige un colore piuttosto che un altro. In realtà, l’occhio umano preferisce scattare in orizzontale, per un fatto neurologico – i nostri occhi sono uno accanto all’altro -, ma il formato verticale, a volte, può offrire maggiore dinamismo all’immagine. Inoltre, io sono una ritrattista, pertanto l’inquadratura verticale é più congeniale a questo genere fotografico. Oltre a ciò, non saprei dirti perché lo preferisco!

Tornando al progetto “Ric-Amati” (bellissimo titolo): cosa si sente di suggerire alle donne per imparare ad amarsi di più?

Ric-amati é un titolo pensato e a cui io e Agnese Coppola siamo giunte dopo l’originario “Con il fucile carico”, tratto da una biografia sulla poetessa americana, Emily Dickinson.
Ric-amati é un invito alla donna ad amarsi, a costruire la propria identità, a tessere se stessa,
ma non saprei quale consiglio dare alle donne per accrescere la propria autostima. Credo che ognuna possa trovare forza e motivazione in ogni aspetto della propria vita, nella famiglia, negli affetti, nell’arte, nel fare volontariato, nello sport, etc. Posso dirti, invece, quello che è stato importante per me: il mio lavoro, i viaggi e, soprattutto, i libri. La letteratura e la poesia sono stati fondamentali per la mia crescita. Come vedi, torniamo sempre lí, alle parole e al loro potere.

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Caffè, matite, curcuma, pacchetti di sigarette: materiali poveri, clandestini rubacchiati in carcere per restare vivi e per opporre resistenza all’abuso di Potere. Le opere dell’artista curda.
Zehra Doğan è un’artista e giornalista curda con cittadinanza turca. È la direttrice di Jinha, un’agenzia di stampa curda femminista con un personale tutto femminile. Da febbraio 2016 Doğan ha vissuto a Nusaybin, una città turca al confine con la Siria. Il 21 luglio 2016 è stata arrestata in un bar a Nusaybin
Zehra Doğan sono esposte al museo di Santa Giulia di Brescia nella mostra intitolata “Avremo giorni migliori. Opere dalle carceri turche”, giustamente prorogata fino al 1 marzo 2020.

Un’artista e un’opera politiche. Una mostra assolutamente da visitare per capire l’attualità in un’area del nostro mondo.

MUSEO DI SANTA GIULIA

via Musei 81/b • Brescia

DAL 16 NOVEMBRE 2019 AL 1 MARZO 2020

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Hong Kong protesta. La miccia è stato un emendamento sulle estradizioni, quella pratica per cui uno Stato consegna a un altro Stato un individuo che si trova nel suo territorio, ma che è oggetto di azione penale nell’altro e Hong Kong ha accordi on circa 20 Paesi, ma non con la Cina e questo ha significato una serie di violazioni dei diritti umani in quanto la regione avrebbe obbligato la consegna, alla Cina appunto, di persone indagate da Pechino per alcuni reati. Molti hanno visto in questo la volontà, da parte del governo cinese, di colpire ancora una volta i dissidenti politici rifugiatisi a Hong Kong.

I manifestanti sono scesi in piazza lo scorso 9 giugno al grido dello slogan “Cinque richieste, non una di meno” che sono: il ritiro della legge sulle estradizioni (avvenuto il 24 ottobre 2019); l’istituzione di una Commissione indipendente di inchiesta sulle violenze della Polizia; il suffragio universale; il rilascio e l’amnistia per i manifestanti agli arresti e la cancellazione per loro dell’appellativo di “rivoltosi”.

I manifestanti, inoltre, accusano l’ex colonia britannica di aver provocato l’ultima escalation di violenze per annullare la chiamata al voto amministrativo del prossimo 24 novembre con cui si scelgono i rappresentanti dei 18 consigli distrettuali della regione: tali consiglieri hanno responsabilità a livello locale e costituiscono la parte democraticamente eletta dal comitato che nomina il governatore, l’altra metà è indicata da Pechino. Il Presidente cinese, Xi Jinping, vorrebbe far dimettere anticipatamente la governatrice di Hong Kong, Carrie Lam, mentre la stessa cercherà in extremis, di far posticipare l’appuntamento elettorale. Le elezioni saranno, comunque, un test per saggiare l’opinione pubblica di Hong Kong in tema di autonomia.

Sul 7, l’allegato del Corriere della Sera del 22 novembre, l’artista, dissidente e attivista Ai WeiWei ha dichiarato che le proteste sono l’inizio di una rivoluzione: “…Questa rivoluzione chiede una nuova libertà. Una libertà dalla struttura globale della globalizzazione che ha reso il mondo così diviso e che risulta da così tante disgrazie che hanno colpito un grandissimo numero di persone a causa dell’avidità delle multinazionali mosse solo dal desiderio di fare profitto, connesse a regimi brutali e fuorilegge. La lotta a Hong Kong non finirà finché il desiderio di libertà della gente non sarà soddisfatto. Pechino, come sempre, sta sbagliando i calcoli. Con questo modo di pensare, la Cina – ma anche l’Occidente – dovranno fronteggiare ostacoli terribili nello sviluppo della società. La Storia ricorderà coloro che stanno combattendo per questa rivoluzione, e ricorderà anche coloro che hanno tradito i valori comuni e sacrificato la vita di questi giovani”.

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