di Alessandra Montesanto

E’ la prima retrospettiva all’estero dedicata ad André Butzer dal titolo che riporta il nome dello stesso artista, esposta fino al 10 settembre 2023 al Museo Thyssen-Bornemisza di Madrid, in occasione del 50mo anniversario del pittore.

L’esposizione comprende 22 opere realizzate tra il 1999 e il 2022.

La convinzione di Butzer è quella che “i dipinti siano luoghi della più grande disperazione e della più grande speranza”, soprattutto in un’epoca difficile come quella contemporanea, e quindi “più vicini alla gioia e all’aiuto di cui abbiamo tanto bisogno” (dal catalogo).

Alcune opere sono molto colorate, presentano un tratto volutamente infantile e con rimandi alle fiabe; altre sono in bianco e nero o in sfumature di grigio; tutte molto materiche, pastose: sembra quasi, a volte, che il segno esca dalla tela e vada incontro ai visitatori, coinvolgendoli nella serenità inconsapevole dei bambini o nella paura e nella violenza degli adulti.

Segue…

Classe 1973, nato a Stoccarda, André Butzer predilige la figura umana, ma spesso questa è deformata, infantilizzata,, decostruita: gli occhi grandi e vuoti ricordano alcuni personaggi di Walt Disney, altri rimandano ai ritratti degli Espressionisti e questo mostra la vasta cultura iconografica del pittore che spazia dall’Arte classica a quella moderna-contemporanea, per passare dalla Comunicazione anche postmoderna, come si evince dall’uso psichedelico delle tinte.

Segue…

Nella serie intitolata semplicemente “N” e iniziata nel 2010, l’artista si riferisce alla Nasa e si discosta dall’uso dei colori squillanti, più felici e divertenti, per raccogliersi – e far raccogliere gli spettatori – in una riflessione più drammatica sul Presente, spegnendo i quadri e segnando lo spazio più scuro e malinconico con linee chiare, bianche, nette oppure con linee e volti turbati, schiacciati, “mossi” come le emozioni più recondite e sepolte nell’animo umano. La riflessione, però, riguarda anche l’origine dell’opera d’arte: Nasa è l’acronimo dell’organizzazione americana per la navigazione spaziale e, grazie al pensiero concettuale di Butzman, diventa quel non-luogo, quel cosmo primordiale da cui nasce la creatività e la successiva riflessione artistica, con il lavoro concreto.

Segue…

La luce è importante, così come la relazione con chi osserva: bisogna entrare nel quadro, sorridere oppure preoccuparsi. Il quadro finisce per crearsi proprio grazie al rapporto con chi è davanti e si viene a creare, così, un gioco di specchi, un osmosi – che è poi il vero obiettivo di ogni opera culturale – che non può lasciare indifferenti.

The post “Art(e)Attualità”. A Madrid la prima retrospettiva estera dell’artista tedesco André Butzer appeared first on Per I Diritti Umani.

di Alessandra Montesanto

Enigmatica la vita e l’Arte dell’artista Antonio Ligabue: nato in Svizzera, ma dato poi in adozione, muta il proprio cognome (materno, Laccabue) in Ligabue. Un’infanzia travagliata, quella dell’artista, a causa delle difficili condizioni economiche della coppia che lo aveva in affido e a causa delle malattie di cui era affetto, il gozzo e il rachitismo, condizioni che compromisero lo sviluppo fisico e psichico della persona. Dopo aver aggredito la madre adottiva, viene espulso dalla Svizzera e ospitato in Italia, a Gualtieri, dove conduce una vita da nomade, lavorando saltuariamente come bracciante o manovale. Solo nel 1928, grazie all’incontro con Renato Marino Mazzacurati che ne comprese il talento artistico, decise di dedicarsi totalmente alla pittura e alla scultura, le uniche sue possibilità di mitigare le ossessioni e la solitudine profonda.

Ripercorriamo una parte delle opere di Antonio Ligabue in una esposizione allestita presso: Villa reale di Monza: “Antonio Ligabue. L’uomo, l’artista” visitabile fino al 1 maggio 2022

La sua ansia di libertà è nelle penne del volatile, la sua rabbia (e il suo dolore) nella lotta delle fiere. Se crediamo che l’Arte sia comunicazione, l’Arte di Ligabue è proprio questo: comunica le angosce, più o meno consapevoli, di ogni essere umano tramite uno stile “zavattiniano”, popolare, che può essere ricondotto al Primitivismo in pittura, al Realismo in Letteratura e al Neorealismo in Cinematografia.

La rappresentazione della realtà è filtrata dalle necessità interiori dell’artista, la gioia improvvisa come il tormento, così come i suoi numerosi autoritratti che vogliono indagare l’anima, ma l’anima di un estraneo, di chi non si riconosce nemmeno nel proprio volto.

Sembra quasi di sentire gli odori di ciò che ritrae: dell’erba appena tagliata, della terra bagnata dalla pioggia, del sangue versato dagli animali, dei campi arati; oppure di sentirne i rumori: del fulmine che squarcia il cielo, della bestia che ruggisce, di quella che si lamenta prima di morire…Un uomo immerso, in maniera totalizzante, nella Natura che lo circonda, una sineddoche: una parte (Ligabue) per il tutto (il cosmo).

Figure, colori, movimento: è proprio l’incanto del Tutto che vuole raffigurare, quella meraviglia che lui stesso ha provato, esaltato dalla follia che accompagna i suoi giorni e il suo sguardo; quella follia che lo induce a farsi animale, nella postura e nei versi emessi dalla bocca, e ritorna il senso di una comunicazione non verbale, non necessariamente razionale, ma istintuale, priva delle sovrastrutture della cultura e della civiltà. Un “Ragazzo selvaggio”, per recuperare di nuovo un riferimento filmico, un “Candide” per citare Voltaire: questo è stato Ligabue, un folle che ha amato, più di chiunque altro, gli esseri fragili come lui e gli esseri potenti come avrebbe forse voluto essere, cogliendo con grande lucidità lo squilibrio ontologico nel vivente, tra deboli e forti, nell’eterna lotta per la sopravvivenza, e cogliendo in maniera espressiva grazie all’impasto cromatico che rende sulle tele, quanto il Potere sia il motore di ogni azione, ragionata e non.

La scultura è parte integrante della sua produzione artistica: il 16 maggio del 1941 Ligabue può uscire dall’ospedale psichiatrico in cui era stato internato e sono gli anni della seconda Guerra mondiale: i due eventi sono tra loro correlati in quanto la violenza del conflitto e quella nel manicomio riportano alla sua mente il ricordo del patrigno bavarese, spesso ubriaco che lo picchiava con la cinghia. Il ricordo viene utilizzato dall’artista in maniera eidetica, ovvero l’immagine prende vita PRIMA nella mente dell’autore dell’opera e successivamente nell’opera stessa. Ecco, così nascono i dipinti e le sculture di Ligabue: in particolare in queste ultime Ligabue dalla pittura passa a dare forma plastica ai suoi soggetti, realizzati in terracotta con dovizia di particolare e precisione maniacale (oggetti che successivamente furono fatti cuocere in fornace per fermarli nelle forme di bronzo e conferire loro eternità); le sculture sono prova ulteriore del genio artistico di un uomo profondamente malato ed emarginato che, nonostante questo, ha saputo sprigionare una grande creatività, una enorme energia grafica e manuale e una sapienza rara nello stare nel e per il mondo naturale. Un invito, quello di Ligabue, che dovremmo rifare nostro.

Per chi non lo avesse già visto, consigliamo la visione del film intitolato “ Volevo nascondermi” di Giorgio Diritti, proprio sulla figura dell’artista.

The post “Art(E)Attualità”. Antonio Ligabue a Monza appeared first on Per I Diritti Umani.

Iniziamo con la brava e cara Martina Foglia che ringraziamo molto.

Sono Martina, ho 34 anni. Sono una ragazza disabile motoria dalla nascita.

Sono una ragazza molto solare e con tanta voglia di ridere nonostante le difficoltà. Ho tante passioni: la musica, la lettura, la scrittura, ma è con la pittura che ho trovato il modo più semplice e immediato per esprimere i miei sentimenti e le mie sensazioni. Quando dipingo mi lascio guidare dal pennello e dalla sensazione che il colore mi trasmette. Non ci sono regole, non ci sono limiti. Sono io a decidere di  scegliere che forma dare alle emozioni, quale colore. Posso decidere se  rendere queste emozioni tangibili e materiche aggiungendo altri materiali; posso anche scegliere di cancellare un’emozione per dare posto ad un’altra che mi sembra più adatta al momento che sto vivendo dentro di me.

La tela diventa quindi solo uno strumento su cui dare corpo e vita alle mie emozioni. È come se vivessi all’interno di una bolla, un mondo parallelo dove  a comandare è la mia anima e ciò che io sento attraverso i colori. Mi sento libera di scegliere senza condizionamenti dai fattori esterni. Con i miei dipinti non pretendo certo di cambiare qualcosa all’interno della società, voglio solo fare sapere a chi mi circonda che tutti noi siamo portatori di qualcosa di bello in ciò che facciamo e non dobbiamo mai vergognarci di esprimerlo nè dire “non ne sono capace” perché  finché non ci proviamo non sapremo mai veramente di cosa siamo capaci.

Il mio messaggio per voi è questo: di  fronte alle difficoltà trovate sempre un’alternativa per esprimervi, ci sarà sempre qualcuno che vi aiuterà a trovare la vostra dimensione. Io l’ho trovata nella pittura…Ho trovato il mio posto nel mondo! 

The post “Raccontarsi (a modo mio)” Martina e la pittura appeared first on Per I Diritti Umani.

Qualche tempo fa, una domenica fredda d’inverno, volevo uscire ma non avevo nessuna idea di cosa fare e soprattutto dove andare, poi, parlando con una mia amica, decidiamo di andare a
visitare la Pinacoteca di Brera.
Io non sono particolarmente appassionata di mostre o gallerie d’arte, ma volevo fare qualcosa di diverso dal solito e stare al caldo.
Mi è capitato di andare a visitare esposizioni di pittori o di fotografi non riuscendo però a godere della bellezza
delle opere esposte perché la gente era molta e non c’era modo di soffermarsi a riflettere sul messaggio che il quadro voleva trasmettere.
Quella domenica invece, mi ritrovai in un ambiente grandissimo, tranquillo e soprattutto non affollato, un ambiente dove è possibile sedersi su comode poltrone e ammirare le opere esposte con tutta calma.
La tranquillità e il silenzio che si respiravano mi hanno permesso di poter, per la prima volta, capire
la “bellezza” che queste opere d’arte regalano.
Ho provato emozioni e sensazioni che mi hanno fatto riflettere su quanto, a volte, l’Uomo possa essere geniale nel produrre opere ricche di significati profondi pur non trascurando la tecnica e i dettagli. L’utilizzo di determinati colori e il loro accostamento ha suscitato in me la voglia di immergermi totalmente nel quadro e nel concetto che esso voleva esprimere: mi sono sentita soggetto dell’opera, quindi, e in quel momento, anch’io facevo parte del contesto in cui era stata dipinta. Da un’immagine fissa, costruivo una storia partendo dai personaggi che vedevo rappresentati arricchita dalle mie sensazioni: dall’allegria all’amarezza, all’inquietudine.
La bellezza è soggettiva, ma certamente qualcosa di bello è qualcosa che ha la capacità di trasmettere emozione, di affascinare.

In quest’epoca, dominata da conflitti economici, sociali e culturali, quando si riesce a intravedere qualcosa di bello, è come se questo momento “riabiliti” l’essere umano , dia la possibilità di pensare positivamente così da ritrovare un preciso posto nel mondo.
La bellezza è uno strumento per poter trasmettere positività nella vita quotidiana e di conseguenza anche nell’animo dell’individuo, che riesce a conservare così quella parte ottimista che oggi tende a dimenticare.
Proprio perché alla bellezza si può attribuire una funzione terapeutica, dovrebbe essere accessibile a tutti; musei, le gallerie, ecc. dovrebbero prevedere giornate gratuite per tutti.
Certo, non è sufficiente la bellezza dell’arte per dimenticare tutti i problemi e le difficoltà della vita, ma è un passo verso la positività: non solo l’arte , ma anche l’architettura, le piazze, gli spazi condivisi; una città pulita, colorata, fiorita trasmette positività , voglia di viverla, trasmette senso di appartenenza …. perché la bellezza non appaga solo l’occhio ma anche l’anima.
Come diceva Peppino Impastato:
“Se si insegnasse la bellezza alla gente, la si fornirebbe di un’arma contro la rassegnazione, la
paura e l’omertà. All’esistenza di orrendi palazzi sorti all’improvviso, con tutto il loro squallore, da
operazioni speculative, ci si abitua con pronta facilità, si mettono le tendine alle finestre, le piante
sul davanzale, e presto ci si dimentica di come erano quei luoghi prima, ed ogni cosa, per il solo
fatto che è così, pare dover essere così da sempre e per sempre. È per questo che bisognerebbe
educare la gente alla bellezza: perché in uomini e donne non si insinui più l’abitudine e la
rassegnazione ma rimangano sempre vivi la curiosità e lo stupore.”

The post La bellezza salverà il mondo appeared first on Per I Diritti Umani.

Mai come in questo momento storico l’umanità necessita della forza simbolica della Pasqua, di una Resurrezione. Stiamo vivendo una quaresima laica e religiosa, immersi in un silenzio surreale che potremmo prendere come occasione per una riflessione profonda sul senso della Vita.

Per la rubrica “Art(e)Attualità” vi proponiamo, quindi, una mostra che sarebbe allestita fino al 17 maggio 2020 presso il Museo Diocesano di Milano, dal titolo Gauguin Matisse Chagall. La Passione nell’arte francese. Dai Musei Vaticani.

Nel passaggio tra XIX e XX secolo e nel superamento di due guerre mondiali e dell’Olocausto, le culture e le arti, in Francia, ravvivano il dibattito tra Arte e Fede, non disgiunte dall’attualità. Papa Montini (Paolo VI), tra il 1964 e il ’65, lancia un appello agli artisti affinchè, con la loro variegata creatività e attenta riflessione, ricerchino la Verità. L’epoca presa in considerazione impone un’analisi riguardante la modernità che si può (e si deve) traslare anche verso la nostra contemporaneità: l’Etica, il dolore, la Rinascita sono tutti temi che ci riguardano molto da vicino.

Gli artisti in mostra (Matisse, Gauguin, Rodin, Denis, Rouault e altri), con stili, linguaggi e tecniche differenti, tentano di dare una risposta, anche tramite la sperimentazione, alle domande profonde che legano l’Uomo all’Assoluto, trascendendo il particolare in favore di un significato più alto del nostro passaggio in Terra.

“Il mondo in cui viviamo ha bisogno di bellezza per non oscurarsi nella disperazione. La bellezza, come la verità, è ciò che mette la gioia nel cuore degli uomini, è il frutto prezioso he resiste all’usura del tempo, che unisce le generazioni e le congiunge nell’ammirazione. E ciò grazie alle vostre mani”. (Messaggio agli artisti, Paolo VI. Dal catalogo della mostra a cura di Micol Forti e Nadia Righi).

The post “Art(e)Attualità”. Gauguin, Matisse e Chagall. La Passione nell’arte francese appeared first on Per I Diritti Umani.

di Veronica Tedeschi

Intervista a Liberty Shuro, artista zimbabwiano che mette su carta gli sguardi e i movimenti degli animali della sua vicina foresta. Disegnatore autodidatta, ha da poco varcato i confini dello Zimbabwe grazie a molte gallerie d’arte (compresa la galleria “Picta, grafica d’autore” di Torino) che lo reclamano. Un ragazzo determinato e intelligente che ama il suo paese e che ha come obiettivo quello di impressionare le persone attraverso gli sguardi degli animali che disegna.

Nella difficile situazione del tuo paese, un artista come te riesce a sopravvivere?

Per un artista è difficile sopravvivere e fare affari soprattutto in questo momento storico in cui l’economia è in crisi. E’ una sfida continua ma non io mi arrendo, se ti fai un nome e fai del buon marketing puoi sopravvivere. La sfida più grossa per gli artisti è, appunto, la pubblicità, perché essere un artista ed essere un uomo d’affari sono due cose diverse. La triste realtà è che il talento da solo non fa soldi né vendite, un artista nel 2019 deve conoscere almeno i concetti di base del business e capire come funziona per generare vendite e successo.

I tuoi clienti, ammiratori dei tuoi disegni, sono tutti stranieri o riesci a vendere anche a gente del posto?

La maggior parte delle richieste di acquisto dei miei quadri proviene sicuramente da stranieri, ma riesco a vendere anche a persone del posto, soprattutto in occasione di mostre e gallerie d’arte locali. La situazione economica in cui si trova oggi lo Zimbabwe rende più difficile l’acquisto di arte (in qualsiasi forma), ma, nonostante questo, continuo a fare marketing online per raggiungere più persone possibili, vicine o lontane che siano, con lo scopo di aumentare le vendite e, soprattutto farmi conoscere.

Le tue opere sono state esposte in Europa, anche nella nostra Torino.

L’europeo medio, che in molti casi non ha mai visto dal vivo molti degli animali che disegni, è stupito e incuriosito dalla profondità dello sguardo dei tuoi animali.

Percepisci questa curiosità?

Percepisco tantissima curiosità dagli stranieri.

Spesso guardo i miei lavori e mi chiedo come possano provocare tanto stupore e come io riesca a creare tale illusione di profondità e realtà in 3D su un semplice pezzo di carta.

Ogni tanto mi fermo a pensare anche a cosa accadrebbe se chi rimane stupido dai miei disegni incontrasse dal vivo un elefante o una scimmia. Non per vantarmi ma la verità è che le sensazioni sarebbero molto simili, gli sguardi che disegno arrivano al cuore, quasi come ritrovarsi veramente davanti ad un animale della foresta.

Hai mai pensato di lasciare lo Zimbabwe e trasferirti in Europa per perseguire il tuo sogno e diventare un artista a 360 gradi?

È sempre stato il mio sogno esplorare il mondo, in particolare l’Europa, con lo scopo di far conoscere la mia arte e la mia cultura. Ho raggiunto alcuni obiettivi che mi ero prefissato e Sì, sarei disposto anche a trasferirmi per lavoro, lasciando lo Zimbabwe e portando con me solo i miei quadri e la mia cultura. Sto già lavorando per far sì che questo avvenga ed essere riuscito ad organizzare delle mostre in Europa fa crescere le mie speranze perché la gente inizia a conoscermi e ad incuriosirsi.

L’arte è sempre stata e sarà per sempre la mia passione, non posso vivere senza di essa.

The post “Stay human. Africa” La profondità di uno sguardo appeared first on Per I Diritti Umani.

The post Mostra di Vincenzo Dazzi a Milano: per i bambini di Gaza appeared first on Per I Diritti Umani.

La violenza contro le donne e le bambine cattura l’attenzione dell’artista plastico Irving Torres Barroso, che ha il suo studio nella cittadina di Cienfuegos, Cuba.

La scorsa estate abbiamo avuto il piacere di entrare in questo luogo, piccolo e accogliente e di parlare con l’assistente dell’artista che ci ha descritto le opere di grande formato, dai colori forti, quasi pubblicitari, ma che evidenziano il dolore fisico (il rosso dell’amore malato e del sangue) e psicologico (l’arancio) della violenza degli uomini contro le donne. E il nero, la tinta dell’abisso, della fine e il verde, per indicare la paura.

Una pittura pastosa che colpisce prima lo sguardo e poi la mente, che squarcia le coscienze.

Espressioni e occhi grandi, spalancati verso il Male oppure verso un Futuro possibile, più sereno. Un sogno?

Il progetto di Irving Torres Barroso si intitola DREAMS.

The post “Art(e)Attualità”. La violenza contro le donne secondo Irving Torres Barroso appeared first on Per I Diritti Umani.

A poche settimane dalla Giornata della Memoria e in questi tempi bui di neofascismi sparsi, Associazione per i Diritti umani ha visitato la mostra di Georges de Canino, presso la Casa della Memoria e della Storia di Roma, in omaggio al ruolo di de Canino nell’arte e nella promozione dei valori della Memoria e della Resistenza.

De Canino è nato nel 1952 a Tunisi in una famiglia ebraica per parte di madre, che nel 1963 dovette emigrare in Europa, a causa dei violenti tumulti anti-occidentali e anti-ebraici generati dalla crisi di Biserta.
Dopo un difficile periodo passato in un campo profughi nei pressi di Napoli, la famiglia si stabilì a Roma, dove l’artista entrò a far parte della Comunità ebraica, ancora alle prese con la ricostruzione del dopoguerra. De Canino si è formato come artista anche all’estero, a Marsiglia e a Parigi, venendo a contatto con esponenti del movimento surrealista, e in Italia, coltivando l’amicizia con artisti come De Chirico e Guttuso.

The post “Art(E)Attualità”. Georges De Canino e i valori della Memoria e della Resistenza appeared first on Per I Diritti Umani.

Mentre in Italia ( e in altre aree del mondo) si verificano rigurgiti di fascismo – allo stadio, nelle strade, nelle parole – noi pubblichiamo le immagini di una mostra permanente del MOMA di New York. Permanente: perché l’Arte, come la Cultura in toto, deve far riflettere e ricordare quali siano state le conseguenze tragiche per l’umanità del corso della Storia, quella parte di Storia nefanda e distruttiva  che tende a ripetersi. Ma la Storia siamo noi; la Storia la scriviamo noi, giorno per giorno, con i nostri pensieri e con le nostre azioni.

The post Art(E)Attualità. Nazifascismo di ieri e di oggi appeared first on Per I Diritti Umani.